La Sala de Arte Contemporáneo (SAC) inaugura esta semana una exposición de la artista Itahisa P. Conesa en la que muestra al público los innovadores materiales y técnicas escultóricas que está aplicando a su obra. Bajo el título ‘Lo liminal: la piel y el acontecimiento’, la muestra se inaugura hoy viernes 4 de abril, en este espacio del Gobierno de Canarias situado en la santacrucera Casa de la Cultura, junto al Parque de La Granja de la capital tinerfeña. Estará abierta al público hasta el 20 de junio.

‘Lo liminal: la piel y el acontecimiento’ reúne una serie de esculturas e instalaciones de gran y mediano formato realizadas con materiales como tejidos, resinas, mortero, bronce o elementos vegetales recolectados sin intervención. Estas piezas surgen de procesos de registro superficial -orgánico, textil e industrial- en los que se generan pieles, huellas y capas como superficies sensibles que activan tensiones entre cuerpo, materia y entorno.

En la exposición, la artista explora la piel no como un límite, sino como un espacio de conexión y transformación, invitando a mirar más allá de lo evidente y a descubrir nuevas formas de entender lo que nos rodea. Una muestra que invita a reflexionar sobre nuestra relación con el entorno y con otras formas de vida.

“Las obras no buscan representar algo definido, sino generar una experiencia: ocupar el espacio, convocar al cuerpo del espectador y abrir un campo de relaciones entre lo humano y lo no humano”, afirma la artista. “La piel, figura central en este trabajo, deja de funcionar como límite y se presenta como un territorio poroso, relacional y geológico, donde se inscriben memorias, afectos y transformaciones. Estas esculturas se entienden como configuraciones materiales que dan testimonio de una red de vínculos entre entidades diversas”.

Lo liminal plantea así una manera de habitar la escultura desde la superficie, el pliegue y la inscripción, donde la materia no es soporte pasivo, sino agente activo en la producción de sentido.
Una forma de mirar y habitar la escultura desde lo táctil, lo procesual y lo relacional. Cada obra es un punto de encuentro entre materiales, cuerpos y contextos, una forma sensible de pensar con la materia.

Itahisa P. Conesa es docente en la Universidad de La Laguna, donde imparte Escultura y coordina el Aula-Taller de Fundición artística. Dedica su trabajo a investigar sobre nuevas maneras y métodos de proceder en la experiencia artística, que se articula en torno a los procesos híbridos, combinando técnicas escultóricas tradicionales con materiales no convencionales y metodologías contemporáneas.

Todo ello en un marco que conjuga experimentación estética, tecnología y materialidad crítica. Su obra investiga la dimensión performativa de la materia, donde lo escultórico no se limita sólo a la forma, sino que se despliega como campo de relaciones entre cuerpos, superficies y entornos.

El horario de visita de la Sala de Arte Contemporáneo es de lunes a viernes, de 11.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 20.00 horas. La entrada es libre.

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La Sala de Arte Contemporáneo (SAC) de Santa Cruz de Tenerife presenta ‘Dientes de canto’, una exposición colectiva creada a partir del trabajo de once alumnas de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna bajo la curaduría de su profesor Ramón Salas.

El proyecto exhibe los trabajos de las jóvenes creadoras Ana Domínguez, Cristina García, Yelitza Robles, Malena Martín, Sofía Martín, Martina Marrero, Gabriela Mayato, Abigail Mederos, Eider Oliva, Gema Peña y Elisa Santos. Se podrá visitar hasta el 21 de marzo en este espacio del Gobierno de Canarias.

En palabras de Salas “aquí, la curaduría se limita a tomarse en serio la oportunidad de desplazar el proceso de aprendizaje a la sala. No para mostrar sus resultados. No utilizaremos la sala como un espacio de exhibición sino como estudio, en el sentido que le damos a este concepto en la facultad: no como taller de trabajo sino como espacio-tiempo de conocimiento”.

El comisario también destaca la larga relación entre la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de la Laguna y este espacio. “Durante décadas, el Gobierno de Canarias le ha brindado a varias generaciones de jóvenes artistas del Archipiélago la oportunidad de dar a conocer su trabajo en la SAC. Aunque, en realidad, les ha brindado más la oportunidad de dar a conocer los resultados de su trabajo. En todo caso, esta labor ha sido especialmente generosa con la Facultad de Bellas Artes, con la que siempre se ha tenido especial confianza, no solo por proporcionarles el espacio sino por permitirles ensayar en él formatos que difícilmente se hubieran admitido en otros espacios.”

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Con solo 27 años, Héctor Mar ha logrado ya hacerse un hueco en el panorama artístico de la isla. Es un artista que se maravilla ante las posibilidades que pueden surgir de la relación entre lienzo y pintura, y así lo plasma en su obra. La Sala de Arte Contemporáneo (SAC), uno de los espacios expositivos del Gobierno de Canarias en la capital tinerfeña, ha elegido su trabajo para una nueva exposición, la primera de carácter individual del creador, que será inaugurada mañana, viernes 29, a las 11.00 horas, bajo el título ‘Cerca No Importa Lejos’.

La exposición está integrada por una veintena de obras en la que el autor demuestra su genuino interés por las propiedades físicas de la pintura. Como un cuerpo latente, explora los propios límites del medio, la bidimensionalidad, la composición, las texturas, estructuras y cuerpos. La muestra se podrá visitar hasta el 31 de enero  en la sala situada en la Casa de la Cultura junto al parque de La Granja, en Santa Cruz de Tenerife.

Tras dos años de investigación, que han servido para dotar de madurez a la obra de este incipiente creador, Mar presenta un trabajo con un título críptico: ‘quise plantear un nombre en el que se entrelazaran presencia y distancia’, apunta. La intersección entre lo abstracto y lo racional, las interacciones que se crean en las propias superficies y sus luminiscencias, son una fuente de sugestión indispensables en la forma de mirar del pintor tinerfeño.

“Si la geometría, entre otras, es también el lenguaje de la clase dirigente (Peter Halley), los elementos urbanos, narran historias sobre el pacto y la movilidad social. Fijándose en columnas y planos de color que señalan la geometría y el orden establecido en las ciudades. Se plantea la necesidad lúdica de reorganizar las normas urbanas, el reflejo de las estructuras en su sociedad moderna”, explica en el texto de sala.

Héctor Mar. Tenerife 1997. A través de la pintura, se aferra a esta disciplina y la convierte en su herramienta para “desnaturalizar” los objetos, elementos, escenas que se encuentra en los itinerarios de su vida y sus experiencias personales.  Llevado al soporte del cuadro muestra sus anotaciones y enmiendas en el amplio sentido del transcurso atemporal.

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La cosificación de las mujeres y su relación con su propia imagen confluyen en un debate complejo: las fotografías de los cuerpos, continuamente presentes en redes sociales ¿logran ser un arma de empoderamiento o, por el contrario, perpetúan la mirada patriarcal?. La Sala de Arte Contemporáneo (SAC) exhibe ‘cuerpos blandos’, la primera exposición individual de la joven creadora Emma Marting, en la que explora cómo la imagen es una potente herramienta de poder.

Esta muestra, que incluye videoinstalación, escultura y creación digital se inaugurará este viernes 20, a partir de las 11.00h horas, en este espacio de exhibición del Gobierno de Canarias situado en la Casa de la Cultura, junto al parque de La Granja, en Santa Cruz de Tenerife.

En 1989, el colectivo feminismo Guerrilla Girls denunciaba cómo posar desnuda ante el lienzo era, prácticamente, la única opción de que las mujeres estuviesen presentes en los muros del Metropolitano de Nueva York. El cuerpo femenino se exhibía y creaba imaginario de qué era una mujer a través de los ojos de los hombres. ¿Qué ocurre en un conexto en el que todas las personas pueden tomar imágenes de sí mismas a través del móvil y ponerlas al alcance del universo digital?

‘cuerpos blandos’ se adentra en la autorepresentación en internet de las mujeres e identidades disidentes para hacerse preguntas: ¿es posible fotografiarse sin pasar por el filtro de quién te mira?  Desde una perspectiva de género y una preocupación respecto de aquellos cuerpos y voces representados de forma distorsionada o escasa, este trabajo expositivo aborda cómo el poder genera la violencia sobre estas representaciones, en un momento en el que todas las personas pueden tomar imágenes de si mismas a través del móvil.

“Este trabajo es la forma que toma mi reflexión en torno a las imágenes y cómo estas se proyectan y replican en quienes las observamos, configurando nuestros modos de ver, ser y hacer. Construyendo mirada y cuerpo. Creando roles, identidades y relaciones de poder.”, explica Marting.

Emma Marting (Gran Canaria, 1999) es graduada en Bellas Artes en el itinerario Proyectos Transdisciplinares por la Universidad de La Laguna (2022), con premio extraordinario en el grado en Bellas Artes y excelencia de grado en la rama de conocimiento de Artes y Humanidades. Su práctica artística transcurre en torno a la construcción del cuerpo y de la imagen propia en relación con el otro observador. Actualmente es una de las artistas en residencia del Espacio de Producción de La Regenta en Las Palmas de Gran Canaria. ‘cuerpos blandos’ es su primera exposición individual.

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La Sala de Arte Contemporáneo -SAC-,  dependiente del área de Cultura del Gobierno, inaugura la temporada 2018-1019 con la obra de la joven artista tiñerfeña Lía Ateca, el próximo viernes 7 de septiembre, a las 20:30 horas. Con el título ‘El lugar en el que creo’  nos habla sobre su entorno,  haciendo hincapié en temas como los abismos existenciales y el feminismo con una pintura colorida y abstracta  para  crear paisajes oníricos.

Desde hace aproximadamente dos años viene realizando pinturas que le ayudan a comprender su relación con el entorno. Después de estudiar, a través de un proyecto de ilustración cómo piensa la sociedad, se involucra en entender el paisaje a través del trabajo pictórico, distinguiendo dos discursos diferentes que construyen la percepción del lugar que habita. Por un lado realiza piezas que son preguntas, por otro, a través de la pintura y la fotografía construye en base a tres palabras clave: entorno, identidad y feminismo.

En ‘’El lugar en el que creo’’ el paisaje cotidiano siempre está presente, en un afán por  registrar de una manera visual el entorno. “Desde mi perspectiva,  una de las funciones del /la artista es dar una visión propia de la vida, abriendo nuevos horizontes y aportando nuevos puntos de vista a la realidad ‘objetiva’. Considerando el arte un lenguaje más, podemos entender esta exposición como el registro visual de dos años traduciendo, entendiendo y versionando la cotidianidad y el entorno para poder creer y crear en ellos”, explica Ateca.

‘El lugar en el que creo’ surge de aunar dos proyectos individuales, ‘’Dime qué piensas’’ y ‘’HMBR’’,  ya que a pesar de ser visualmente diferentes ambos circundan la necesidad de entender lo que la rodea y cómo  influye en la identidad de la artista. El primero de los proyectos desarrollados fue ‘’Dime qué piensas’’ en que  ilustró los pensamientos de la sociedad en la que convive, partiendo de seis temas que la colectividad considera preocupantes: religión, estabilidad, política, soledad, sanidad y educación. “Partí de este punto porque al volver a vivir en Gran Canaria, después de haber estado 6 años fuera, quise reencontrarme y establecer vínculos con la ciudad que estaba redescubriendo,  a través del un lenguaje sencillo, un intercambio de palabras por dibujos reflejados en el blog”  www.dimequepiensasgc.tumblr.com

Mientras desarrollaba ‘’Dime qué piensas’’ sintió la necesidad de pintar para romper la monotonía del trazo en negro al que estaba ligada para el desarrollo del proyecto.  Entra en el lenguaje pictórico y estrecha el lazo que,  “siempre he sentido con la fotografía”,   dando paso a la serie  HMBR (HeMBRa / HaMBRe/ HoMBRe).

El feminismo es un concepto latente en toda su  trayectoria , de manera más o menos evidente. En 2017 desarrolla una acción bajo el lema,  ‘’El único fruto del amor no es la banana’’,  versionando la canción ‘’La banana el único fruto del amor’’,  realizando un llamamiento a quiénes quisieran participar trayendo prendas u objetos que luego ilustraría con papayas, convirtiendo a esta fruta en un símbolo feminista y del empoderamiento de la mujer.

Escapando de un estilo figurativo pero manteniendo el concepto de una manera más abstracta optó por darle el significado de la papaya reduciéndola a su color, el naranja,  “en cada objeto de color naranja que encontraba a mi paso interpretaba esta representación espontánea del feminismo. Estos bodegones improvisados los fotografío con una cámara Polaroid 600 y de ahí extraigo el elemento naranja y lo interpreto a través de la pintura” explica.

Lía Ateca (La Laguna, 1991)

Lía Ateca Moreno comienza la licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca en 2009, a lo largo de su carrera se va interesando por la fotografía, la pintura y el dibujo, aunque es en Florencia durante su estancia como alumna Erasmus donde siente que estas tres disciplinas empiezan a converger y a formar su propia personalidad artística.

Después de participar en exposiciones y mercados de arte en Madrid, Salamanca, Tenerife y Gran Canaria, comienza una trayectoria artística, que va de la mano de lo social, coincidiendo con su especialización como profesora de artes plásticas y diseño. A través de la pintura y el dibujo ha colaborado en causas sociales como los derechos de la infancia o el cambio climático y la igualdad de género.

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La Sala de Arte Contemporáneo –SAC-, dependiente del área de Cultura del Gobierno de Canarias, presenta una nueva producción en este espacio ubicado en la Casa de Cultura del Parque La Granja. Con el título ‘The Morandi’s Atittude o Algunas estrategias para conservar el entusiasmo’, el artista Federico García Trujillo (La Laguna, Tenerife, 1988) explora la actitud de Morandi y su sigilosa obsesión por la construcción de la pintura, para abrir un territorio donde reflexionar en torno a ideas como el esencialismo y la muerte de la pintura. La exposición se inaugura el próximo viernes, 20 de abril, a las 20.30 horas, y estará disponible para el público hasta el 1 de junio.

‘The Morandis Attitude’ es un proyecto expositivo híbrido, entre una exposición individual y un pequeño comisariado. La exposición surge como ejercicio de problematización al trabajo anterior de Federico García Trujillo, marcado por la exploración de las posibilidades políticas de los lenguajes artesanales y su capacidad de agencia. El artista, en un proceso de autocrítica, produce una ruptura con estos planteamientos y comienza a construir un espacio subjetivo de resistencia desde el ascetismo, la honestidad con uno mismo y los juegos simbólicos, dentro de los espacios más cercanos a la autonomía del arte.

De esta manera se trata de asimilar las propiedades poéticas del lenguaje pictórico y las contradicciones biográficas de su práctica. El humor, la fantasía, la obsesión, la ironía y las expresiones cercanas al cinismo, aparecen como muletas desde las que continuar abordando la contradicción entre la vida de anacoreta y la necesidad del artista de inscribirse dentro del contexto social del que forma parte.

‘The Morandi’s Atittude o Algunas Estrategias para Conservar el Entusiasmo’ cuenta con la colaboración de David Armengol, Marc Badía, Sara Costa, Néstor Delgado, Jan Monclús, Marina Ruiz, Greta Serra y Aldo Urbano.

Federico García Trujillo (La Laguna, Tenerife, 1988) ha conseguido atraer la atención del entorno artístico con una labor de resignificación y recontextualización al trasladar a un soporte artesanal –normalmente pintura y dibujo– los contenidos mediáticos que se producen en nuestra contemporaneidad y, en especial, los que se producen por circunstancias históricas y que pugnan por quedar representados en el presente.

Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y estudió un año en la Universidad Metropolitana de Manchester. Expuso La pintura como lenguaje documental en la galería Miscelanea de Barcelona y fue seleccionado para participar en la Bienal de Arte Contemporáneo – Joven Creación Europea, una exposición que ha itinerado por varios países europeos.

También ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre las que destacan Aparteu les cadires (Can Felipa Arts Visuals, Barcelona), Escenaris de realitat (re)ficcionada (Fundación Arranz Bravo, L’Hospitalet de Llobregat), Memorias de contrabando (Centro de Arte La Recova, Santa Cruz de Tenerife) y Artificiala (Cyan Gallery, Barcelona).

The Morandi’s Atittude o Algunas estrategias para conservar el entusiasmo

Federico García Trujillo

-SAC- Sala de Arte Contemporáneo Gobierno de Canarias

C/ Comodoro Rolín, 1 38007 Santa Cruz de Tenerife – España

De lunes a viernes de 11:00 a 14:00 h. y de 17:00 a 20:00h

http://www.gobiernodecanarias.org/cultura/sac/

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