La Fundación Cristino de Vera–Espacio Cultural CajaCanarias acoge mañana miércoles, 29 de abril, a las 18.30 horas, el concierto del grupo Celli Balzato, en su sede de la calle San Agustín, 18, en La Laguna. La entrada será gratuita hasta completar aforo.

Formado en el seno de la Escuela de Música Guillermo González, Celli Balzato reúne a cuatro violonchelistas —Diego Pérez, Gerardo Reboso, Kathy González y Wendy Deswelgh—, tres de ellos intérpretes amateurs de nivel avanzado, junto a su profesor. El conjunto comparte una misma pasión por el violonchelo y una inquietud constante por explorar repertorios diversos y poco convencionales. Lejos del esquema tradicional de los cuartetos de cuerda, el grupo adopta un enfoque flexible en la distribución de las voces: antes de cada obra, los papeles se asignan de manera dinámica, lo que aporta frescura al proceso interpretativo y genera una sonoridad singular tanto en los ensayos como en el escenario. El nombre Balzato, término italiano que alude a una técnica de arco “saltada”, refleja también el carácter del conjunto: ágil, versátil y con un espíritu lúdico que invita a transitar sin prejuicios entre estilos muy distintos.

El programa del concierto propone un recorrido ecléctico que abarca desde la música clásica hasta el pop y el rock, pasando por el repertorio latinoamericano. Entre las obras seleccionadas figuran Palladio, de Karl Jenkins (arr. Frederic Ploke); Arpeggione, de Schubert (arr. Valentin Akriche); Melodía en La menor y Libertango, de Astor Piazzolla; Suerte loca, de García Giménez; Yo vengo a ofrecer mi corazón, de Fito Páez (arr. Gerardo Reboso); y Por alguien como tú, de Carlos Moreán.

El programa se completa con piezas como Virus Tropical y Moliendo café, de Joel Novoa; City of Stars, La La Land, de Justin Hurwitz (arr. Gerardo Reboso); Game of Missions, con música de Ramin Djawadi y Danny Elfman (arr. Hrvoje Krizic); Transformers, de Bryan Tyler (arr. Steven Hunt); así como versiones de temas populares como Beautiful Day, de U2 (arr. Gerardo Reboso); Fix Youy The Scientist, de Coldplay (arr. Zack Reaves); y Bittersweet, de The Verve, en la versión de Apocalyptica.

La propuesta de Celli Balzato que tendrá lugar en la sede de la Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias destaca por su apertura estilística y su afán de experimentación, teniendo previsto ofrecer al público una experiencia musical dinámica, cercana y llena de matices.

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La Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias, en colaboración con la Embajada de México en Madrid, presenta González. Falsos profetas, película que clausura el ciclo de cine mexicano. El filme, dirigido por Christian Díaz Pardo en 2013, se proyectará en versión original mañana martes, 28 de abril, a partir de las 19.00 horas, en la sede de la entidad (calle San Agustín, 18, San Cristóbal de La Laguna). La entrada será gratuita hasta completar aforo.

Protagonizada por Harold Torres, Carlos Bardem, Olga Segura y Gastón Peterson, y con guion escrito por el propio director en colaboración con Fernando del Razo, González. Falsos profetas narra la historia de un hombre que, acorralado por dificultades económicas, termina involucrándose en el lucrativo y oscuro negocio de la fe.

La cinta, estrenada en el Festival Internacional de Cine de Morelia (México), ha recibido reconocimientos destacados, incluyendo el premio a Mejor Actor para Harold Torres y Carlos Bardem. Además, obtuvo cinco nominaciones en los prestigiosos Premios Ariel.

Christian Díaz Pardo es un director, editor y guionista chileno nacido en Santiago, en 1976. Egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica de la carrera de cinematografía, Christian también tiene especialidad en dirección de arte y guion del CUEC, además de realizar estudios de fotografía en el Instituto Profesional de Arte y Comunicación de Santiago (ARCOS). Su obra fotográfica ha sido mostrada en diversos seminarios, museos y festivales alrededor del mundo. Presentó su primer cortometraje, Los esquimales y el cometa (2004), en el Festival Internacional de Cine de Morelia. Tras su premiado cortometraje Antes el desierto (2010), debutó en el largometraje de ficción con González: Falsos profetas (2014). La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Morelia, donde obtuvo el Premio a mejor actor. Posteriormente, se exhibió en más de cincuenta festivales nacionales e internacionales, ganando numerosos premios.

Ficha técnica

TÍTULO ORIGINAL: González. Falsos profetas | AÑO: 2013 | PAÍS: México | DURACIÓN: 100 min. | IDIOMA: español | GÉNERO: thriller | DIRECCIÓN: Christian Díaz Pardo | PRODUCCIÓN: Chacal Filmes, Echasa, Foprocine | GUION: Fernando del Razo, Christian Díaz Pardo | FOTOGRAFÍA: Juan Pablo Ramírez | MÚSICA: Galo Durán | REPARTO: Harold Torres, Carlos Bardem, Olga segura, Gastón Peterson | V.O.

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La Fundación Cristino de Vera–Espacio Cultural CajaCanarias ha presentado hoy, viernes, en su sede de la calle San Agustín, 18, en La Laguna, la exposición Ramón Gaya. La realidad salvada. La muestra reúne veinticuatro obras realizadas por el artista entre 1923 y 2003, además de una selección de sus publicaciones. Podrá visitarse hasta el próximo 25 de julio, de martes a viernes en horario de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 horas, y los sábados de 10:00 a 14:00 horas.

En el acto de inauguración intervinieron Juan Manuel Bonet, poeta y crítico de arte; Rafael Fuster, comisario de la muestra y director del Museo Ramón Gaya; y Humberto Orán, presidente de la Fundación CajaCanarias.

Humberto Orán abrió la presentación de Ramón Gaya. La realidad salvada señalando que Gaya es una de las figuras más relevantes de la pintura española del siglo XX, reconocido como un creador fundamental para comprender el arte como forma de pensamiento, sensibilidad y fidelidad a la tradición.

Durante su intervención, el presidente destacó que este proyecto se desarrolla en colaboración con el Museo Ramón Gaya y se enmarca en la Red de Museos Unipersonales, una iniciativa impulsada desde Murcia para fomentar la cooperación entre instituciones dedicadas a un único creador. Subrayó también el valor singular de la muestra al establecer un diálogo entre las obras de Ramón Gaya y Cristino de Vera, dos artistas que, desde trayectorias distintas, comparten una concepción del arte basada en la contemplación, el silencio y la introspección.

Asimismo, Orán recordó que esta iniciativa posee un significado especial para la Fundación, ya que fue concebida en vida de Cristino de Vera, quien conoció y respaldó expresamente la propuesta. Este hecho, señaló, confiere a la exposición un valor añadido como testimonio de afinidad artística y espiritual, en cuyo desarrollo ha sido también fundamental la colaboración de Isabel Verdejo, viuda de Ramón Gaya.

Por último, anunció que, con el objetivo de difundir la obra de Ramón Gaya, se ha organizado un amplio programa de actividades paralelas dirigido a todos los públicos. Entre ellas, destacó el diálogo que tendrá lugar esta misma tarde, viernes 24 de abril, a las 19:00 horas, en el que participarán Rafael Fuster y Juan Manuel Bonet. Este encuentro ofrecerá al público la oportunidad de acercarse, desde una perspectiva experta, a las claves de la obra y el pensamiento del artista.

Por su parte, Juan Manuel Bonet, quien desempeñó un papel clave en la proyección de la candidatura de Ramón Gaya al Premio Velázquez en 2002, ofreció un recorrido por la trayectoria vital y artística del creador, contextualizando su obra en su tiempo y subrayando la vigencia de su legado. Señaló que conoció al artista en la década de 1980, cuando ya había regresado del exilio —primero en México y después en Roma— y era una figura a la que “se le había prestado poca atención, no solo por su exilio, sino también por haber cultivado una pintura figurativa en un momento dominado por la abstracción”. Añadió que “los jóvenes de aquella época veíamos en él un referente que enlazaba con Juan Ramón Jiménez, Luis Cernuda, Bergamín o María Zambrano, nombres que también han interesado profundamente a Cristino de Vera”.

Posteriormente, ya en sala, destacó dos xilografías vanguardistas realizadas por Gaya a una edad muy temprana en el taller de su padre, donde se reunían artistas murcianos como Pedro Flores y Luis Garay, con quienes viajaría más tarde a París con apenas 17 años. “Allí expuso en la galería Quatre Chemins y adoptó una postura crítica frente a las vanguardias, orientando su obra hacia un diálogo profundo con la tradición pictórica”, explicó.

El comisario de la muestra, Rafael Fuster, inició su intervención señalando que tanto Ramón Gaya como Cristino de Vera pueden considerarse embajadores de sus respectivas tierras, y que ambos han contribuido con un legado artístico y cultural de gran relevancia. En relación con Gaya, destacó que creció en un entorno familiar marcado por la pérdida temprana de su hermano mayor y que, siendo muy joven, abandonó la escuela para dedicarse a la pintura, combinando su aprendizaje como litógrafo con una formación en gran parte autodidacta, nutrida por lecturas de Tolstói, Nietzsche o Galdós.

Fuster subrayó que Gaya entró pronto en contacto con el ambiente intelectual de la Generación del 27 y que, a partir de 1932, participó en las Misiones Pedagógicas, llevando copias de obras maestras por distintas localidades españolas, hasta llegar a dirigir el Museo Circulante. “La tragedia volvió a marcar su vida en 1939, cuando su esposa murió durante el bombardeo de Figueres”, recordó. Ese mismo año emprendió el camino del exilio tras cruzar los Pirineos, pasar por el campo de Saint-Cyprien y embarcar rumbo a México en el Sinaia.

Asimismo, señaló que el exilio mexicano (1939–1956) fue un periodo de intensa producción artística y literaria. Allí desarrolló series como los Homenajes a los grandes pintores y paisajes de Chapultepec y Cuernavaca, al tiempo que colaboraba en revistas como Taller y El Hijo Pródigo. En ese contexto, mantuvo estrechas relaciones con figuras clave de la cultura hispanoamericana, como Octavio Paz, Elena Garro o Xavier Villaurrutia, consolidando una red intelectual que enriqueció su pensamiento y su obra.

Por último, el comisario destacó la etapa de madurez de Gaya, comprendida desde finales de los años setenta hasta su fallecimiento en 2005, un periodo marcado por el reconocimiento institucional y la consolidación de su legado. Pese a las adversidades sufridas a lo largo de su vida, su pintura no refleja ese dolor, sino una mirada serena y profundamente fiel a la esencia de la tradición artística.

Obra expuesta

Entre las piezas expuestas destaca La silla (1923), primer óleo conservado del artista, realizado con tan solo doce años. En esta obra temprana ya se revela una de las constantes de su pensamiento: la identificación entre el espacio doméstico y el creativo. Para Gaya, la casa y el estudio forman una misma realidad, alejada de cualquier concepción técnica o académica del taller, entendido más como un lugar vivido que como un laboratorio.

Esta dimensión existencial de la pintura se acentúa en La cinta, realizada tras su llegada a México en 1939, en pleno exilio. Marcado por la pérdida de su esposa y la separación de su hija, Gaya atraviesa un periodo de profundo aislamiento emocional. Sin embargo, lejos de dejarse influir por el entorno artístico mexicano, se mantiene fiel a su propio lenguaje, retomando la pintura como una forma de resistencia interior y de afirmación personal en medio de la adversidad.

El retrato de Alicia Gaya constituye uno de los núcleos más conmovedores de esta selección. La obra recoge el reencuentro entre padre e hija tras trece años de separación, consecuencia directa de la Guerra Civil Española y el exilio. Alicia, hija de Gaya y de Fe Sanz —fallecida en un bombardeo en 1939—, creció lejos de su padre, bajo el cuidado del matrimonio Hall. Este retrato no solo reconstruye un vínculo afectivo, sino que encierra una historia marcada por la pérdida, la distancia y la memoria, convirtiendo la pintura en un espacio de recuperación emocional.

A esta dimensión introspectiva se suma Autorretrato con geranio, una obra en la que Gaya aborda el tema del espejo, recurrente en la historia del arte. A lo largo de su vida, el pintor recurrió a este elemento como herramienta de observación y reflexión, estableciendo además una sugerente diferencia entre la imagen reflejada en el espejo —precisa pero distante— y la que se forma en el agua, que para él posee una cualidad más viva y orgánica. Realizado a los 72 años en su casa de Valencia, este autorretrato no solo muestra al artista, sino que propone una meditación sobre la representación, la identidad y la percepción.

Finalmente, La acequia remite al regreso de Gaya a Murcia, su lugar de origen, tras un largo exilio. En esta obra se hace visible la compleja relación del artista con el paisaje de su infancia: un vínculo atravesado tanto por la atracción como por el dolor ante su transformación. Durante sus estancias en la ciudad en los años setenta, Gaya vuelve a pintar estos espacios, aunque con la sensación de que han perdido parte de su esencia, convirtiéndose así en escenarios de memoria y nostalgia.

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La Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias, en colaboración con la Embajada de México en Madrid, presenta Norteado, segunda cita del ciclo de cine mexicano organizado por ambas instituciones. El filme, dirigido por Rigoberto Perezcano en 2009, se proyectará en versión original mañana martes, 21 de abril, a partir de las 19.00 horas, en la sede de la entidad (calle San Agustín, 18, San Cristóbal de La Laguna). La entrada será gratuita hasta completar aforo.

Ambientada al norte de Baja California, el citado largometraje narra la historia de Andrés García, un hombre que intenta emigrar a Estados Unidos en busca de una vida mejor. Tras varios intentos fallidos de cruzar la frontera, se queda en Tijuana, donde permanecerá varios meses. Allí vivirá diversas experiencias que transformarán su visión del mundo y lo llevarán a plantearse su objetivo inicial. Andrés deberá decidir entre regresar a su lugar de origen o permanecer en Tijuana junto a sus nuevos vínculos: Cata, Ela y Asensio.

Norteado ha recibido numerosos reconocimientos, entre los que destacan la Estrella de Oro a la Mejor película en el Festival de Cine de Marrakech, el premio a Mejor director en el Festival de Cine de Tesalónica, el galardón a Mejor largometraje mexicano en los Premios Ariel, así como los premios a Mejor película, actor y guion en el Festival de Lima.

Su director, Rigoberto Perezcano (Zaachila, Oaxaca, 1973), estudió en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) de la UNAM. Inició su trayectoria con el documental XV en Zaachila (2002), con el que obtuvo el premio a Mejor documental de mediana duración en el Festival Internacional de Cine de Morelia, así como una nominación al Ariel. Ese mismo año participó como guionista en el documental Tula, espejo del cielo. En 2009 estrenó Norteado, su primer largometraje, ampliamente reconocido en festivales internacionales.

Ficha técnica

TÍTULO ORIGINAL: Norteado | AÑO: 2009 | PAÍS: Coproducción México – España | DURACIÓN: 95 min. | IDIOMA: español | GÉNERO: drama| DIRECCIÓN: Rigoberto Perezcano | PRODUCCIÓN: Tiburón Filmes, FOPROCINE, Mediapro, IMCINE, McCormick de México, IDN | GUION: Edgar San Juan, Rigoberto Perezcano | FOTOGRAFÍA: Alejandro Cantú | MÚSICA: Cornelio Reyna, Los Relámpagos del Norte | REPARTO: Harold Torres, Sonia Couoh, Alicia laguna, Luis Cárdenas, Adolfo Madera, Paco Mufote | V.O.

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La Fundación Cristino de Vera–Espacio Cultural CajaCanarias, en colaboración con la Embajada de México en Madrid, inaugura un ciclo de cine mexicano con la proyección de la película De la calle, dirigida por Gerardo Tort en 2001. La sesión tendrá lugar mañana, martes 14 de abril, a las 19:00 horas, en la sede de la Fundación, situada en la calle San Agustín, 18, en San Cristóbal de La Laguna. La película se ofrecerá en versión original con subtítulos en castellano. La entrada será gratuita hasta completar aforo.

Ambientada en las calles de Ciudad de México y con auténticos niños de la calle en su reparto, la cinta es una adaptación de la obra teatral de Jesús González Dávila, que dirigió Julio Castillo en los años 80. La película narra la historia de Rufino, un adolescente sin hogar que sobrevive realizando pequeños trabajos para un policía corrupto. Tras sustraerle dinero, se convierte en su objetivo y se ve obligado a huir. Mientras planea escapar junto a su amiga Xóchitl, descubre que su padre podría seguir con vida y decide emprender su búsqueda.

El filme ha recibido diversos premios, entre los que destacan el de Mejor ópera prima y el de Mejor actriz en la XLIV edición de los Premios Ariel, en Ciudad de México; el premio a la Mejor dirección de fotografía en el XIV Festival de Cine de Viña del Mar, Chile; y el Premio Nuevos directores en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Gerardo Tort Oruña es un director mexicano, nacido en Puebla, en 1958. Estudió Ciencias y Técnicas de la Información con especialidad en Cine, en la Universidad Iberoamericana, de la Ciudad de México. Ha sido director de varios anuncios comerciales, además de docente en centros educativos. Su ópera prima fue la cinta De la calle (2001), la cual obtuvo 11 premios Ariel, entre ellos el de mejor ópera prima, mejor actriz y mejor guion. Desde entonces, el director y escritor es una de las figuras más importantes del cine mexicano contemporáneo. En su trayectoria, se encuentran cintas como La guerrilla y la esperanza: Lucio Cabañas (2005), el segmento “La llamada”, en la antología Sexo, amor y otras perversiones (2006), Viaje redondo (2009), además de series de televisión como Gritos de muerte y libertad (2010) y El encanto del águila (2011). El proyecto más reciente de Gerardo es Nahui (2018), cinta que retrata la vida de la pintora y poeta Nahui Olin.

Ficha técnica

TÍTULO ORIGINAL: De la calle | AÑO: 2001 | PAÍS: Coproducción México | DURACIÓN: 90 min. | IDIOMA: español | GÉNERO: drama | DIRECCIÓN: Gerardo Tort | PRODUCCIÓN: IMCINE, Tiempo y Tono Films, Zimat Consultores | GUION: Marina Stavenhagen | FOTOGRAFÍA: Héctor Ortega | MÚSICA: Diego Herrera | REPARTO: Luis Fernando Peña, Maya Zapata, Armando Hernández, Mario Zaragoza, Luis Felipe Tovar, Vanessa Bauche, Abel Woolrich, Jorge Zárate, Cristina Michaus, Ernesto Yáñez, Gustavo Sánchez Parra, Dolores Heredia, Norma Angélica, Dagoberto Dama, Claudia Ramírez.

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La Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias, en colaboración con el Goethe-Institut de Madrid, exhibe el filme Wann wird es endlich wieder so, wie es nie war como clausura del ciclo de cine alemán. El largometraje, dirigido por Sonja Heiss en 2022, se proyectará en versión original subtitulada al castellano mañana martes, 3 de marzo, a las 19.00 horas, en la sede de la Fundación (calle San Agustín, 18, San Cristóbal de La Laguna). La entrada es gratuita y el aforo es limitado.

Ambientada en el universo cerrado, y a la vez profundamente humano, de una clínica psiquiátrica dirigida por su propio padre, la historia sigue a Joachim, un niño que crece entre pasillos hospitalarios y pacientes que terminan convirtiéndose en parte esencial de su mundo emocional. La llegada de la pubertad abre paso al descubrimiento del amor y al dolor irreparable de la pérdida de su hermano, experiencias que marcarán para siempre su tránsito hacia la madurez. La película construye un relato sensible sobre la sensación de no encajar y la dificultad de encontrar un lugar propio en un mundo que, en ocasiones, resulta demasiado grande.

Sobre la directora

Sonja Heissm, nacida en Múnich en 1976, es una directora, guionista y escritora alemana. Formada en la Hochschule für Fernsehen und Film München (HFF), debutó en el largometraje con Hotel Very Welcome (2007), galardonada con el First Steps Award. En 2022 dirigió Wann wird es endlich wieder so, wie es nie war, adaptación del libro autobiográfico de Joachim Meyerhoff, nominada al Deutscher Filmpreis a Mejor película y Mejor dirección. Además de su labor cinematográfica, ha desarrollado una sólida carrera como escritora y ejerce como docente invitada en la HFF de Múnich.

Ficha técnica

TÍTULO ORIGINAL: Wann wird es endlich wieder so, wie es nie war | AÑO: 2023 | PAÍS: Alemania | DURACIÓN: 116 min. | IDIOMA: alemán | GÉNERO: drama, comedia | DIRECCIÓN: Sonja Heiss | PRODUCCIÓN: Komplizen Film, Warner Bros. Germany | GUION: Sonja Heiss, Lars Hubrich | FOTOGRAFÍA: Manuel Dacosse | MÚSICA: Dickon Hinchliffe | REPARTO: Devid Striesow, Laura Tonke, Arsseni Bultmann, Camille Moltzen, Merlin Rose, Sarah Bauerett, Anna Amalie Blomeyer, Giuseppe Bonvissuto, Matthias Bundschuh, Romi Dörlitz, Luisa-Céline Gaffron, Pola Geiger | V.O.S.E

La entrada Cuándo volverá por fin a ser como nunca fue clausura el Ciclo de Cine Alemán organizado por la Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias en colaboración con el Goethe-Institut de Madrid se publicó primero en Creativa Canaria.

La Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias, en colaboración con el Goethe-Institut Madrid, presenta Cleo, la tercera película del ciclo de cine alemán. La cinta se proyectará en versión original con subtítulos en castellano mañana martes, 24 de febrero, a las 19.00 horas, en la sede de la Fundación (calle San Agustín, 18, San Cristóbal de La Laguna). La entrada será gratuita hasta completar aforo.

El filme ha recibido diversos reconocimientos y nominaciones, entre los que destacan el Premio del Público en el German Film Fest Madrid (2019) y el Karel Zeman Prize en el Zlín Film Festival (2019).

Cleo, ópera prima del director Erik Schmitt, sitúa su acción en Berlín, ciudad retratada a través de la mirada de su protagonista. La joven, marcada por la tragedia en el ámbito familiar, vive casi al margen de la realidad y se refugia en los recuerdos de una urbe en constante transformación. Sin embargo, el rumor de un legendario tesoro oculto en las profundidades de la ciudad la llevará a unirse a un peculiar y extravagante grupo de aventureros, ofreciéndole una posible salida a sus conflictos e inseguridades.

Erik Schmitt (Maguncia, Alemania, 1980) es director y guionista, reconocido por un estilo visual lúdico y artesanal. Formado en Comunicación y Diseño, fundó en Berlín la productora Seven Elephants. Sus cortometrajes, como Nashorn im Galopp y Berlin Metanoia, destacaron en festivales por su creatividad formal. Debutó en el largometraje con Cleo (2019), una fábula romántica ambientada en un Berlín mágico.

TÍTULO ORIGINAL: Cleo | AÑO: 2019 | PAÍS: Alemania | DURACIÓN: 99 min. | IDIOMA: alemán | GÉNERO: comedia | DIRECCIÓN: Erik Schmitt | PRODUCCIÓN: Detailfilm | GUION: Erik Schmitt, Stefanie Ren | FOTOGRAFÍA: Johannes Louis | MÚSICA: Johannes Repka | REPARTO: Marleen Lohse, Jeremy Mockridge, Gwendolyn Göbel, Heiko Pinkowski | V.O.S.E

La entrada Cleo, tercer filme del Ciclo de cine alemán organizado por la Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias en colaboración con el Goethe-Institut de Madrid se publicó primero en Creativa Canaria.

La Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias, en colaboración con el Goethe-Institut de Madrid, presenta el filme Lo que vale es la palabra. La película, segunda entrega del Ciclo de cine alemán, se exhibirá en versión original, subtitulada al castellano, mañana martes, 10 de febrero, a las 19.00 horas, en la sede de la Fundación, calle San Agustín, 18, San Cristóbal de La Laguna. La entrada es gratuita y el aforo limitado.

Dirigida por Ilker Çatak en 2019, la película es una conmovedora historia de amor que pone en tela de juicio los estereotipos sobre el valor que hace falta para enfrentarse a lo desconocido, asumir riesgos y aceptar retos. La protagonista, una piloto alemana, viaja a Turquía y allí conoce a un chico que le pide que se case con él para poder vivir en Alemania, y lo acepta. En la ceremonia civil se declara que «vale la palabra dada» y se prescinde de firma y de testigos. Lo que comienza como una transacción se convierte en una historia llena de emociones y sentimientos.

El filme obtuvo el premio Lola de Bronce a la Mejor Película en los Premios del Cine Alemán 2020.

Sobre el director

İlker Çatak es un director de cine y guionista alemán de origen turco nacido en Berlín en 1984. Pasó parte de su infancia en Estambul, adonde se mudó con su familia a los 12 años, y completó su educación secundaria en una escuela de la embajada antes de regresar a Alemania. Formó parte de programas de formación de cine tanto en la Dekra Hochschule für Medien en Berlín, como en la Hamburg Media School, donde completó un máster en dirección. Se dio a conocer con diversos cortometrajes y debutó en el largometraje con Es war einmal Indianerland (2017). El reconocimiento internacional le llegó con Das Lehrerzimmer (2023), premiada como Mejor Película Alemana y candidata al Oscar. Su cine aborda conflictos morales e identidades contemporáneas con realismo y sensibilidad social.

Ficha técnica

TÍTULO ORIGINAL: Es gilt das gesprochene Wort | AÑO: 2019 | PAÍS: Alemania-Francia | DURACIÓN: 118 min. | IDIOMA: alemán | GÉNERO: drama/migración | DIRECCIÓN: Ilker Çatak | PRODUCCIÓN: Coproducción Alemania-Francia; ZDF Studios, if… Productions, Loin Derrière L’Oural, ARTE | GUION: Nils Mohl, Ilker Çatak, Johannes Duncker | FOTOGRAFÍA: Florian Mag | MÚSICA: Marvin Miller | REPARTO: Anne Ratte-Polle, Ogulcan Arman Uslu, Godehard Giese, Jörg Schüttauf, Johanna Polley, Sebastian Urzendowsky, Lina Wendel, Sandra Bourdonnec, Ali Seckiner Alici | V.O.S.E

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La Fundación Cristino de Vera–Espacio Cultural CajaCanarias continuará mañana martes, 11 de noviembre, el Encuentro Arte Pensamiento 2025 con la conferencia titulada De lo espiritual en el arte: Cristino de Vera y la tradición pictórica occidental, que impartirá el especialista en poesía hispánica Paul-Henri Giraud. La sesión dará comienzo a las 19.00 horas en el salón de actos de la entidad, situado en la calle San Agustín, número 18, en San Cristóbal de La Laguna. La entrada es libre y el aforo limitado.

El profesor Giraud llevará a cabo un profundo análisis de la obra pictórica y dibujística de Cristino de Vera, estableciendo vínculos entre su producción artística y la evolución histórica de la pintura, desde los orígenes de la iconografía religiosa hasta las manifestaciones más relevantes del arte contemporáneo. A través de un estudio detallado de su paleta sobria y austera, de su técnica depurada y singular, así como de la simplificación formal que caracteriza su lenguaje plástico, el profesor pondrá de relieve los rasgos que definen la esencia estética del pintor canario. Asimismo, prestará especial atención a la selección de motivos y figuras, y a la particular construcción de los encuadres en sus composiciones, elementos todos ellos que evidencian una profunda coherencia espiritual y una búsqueda interior constante. De este modo, destacará la originalidad de Cristino de Vera en el contexto de la pintura occidental, subrayando su capacidad para conjugar tradición y modernidad en una reflexión artística centrada en lo trascendente y lo espiritual.

Paul-Henri Giraud

Catedrático de Estudios Hispánicos Contemporáneos en la Universidad de Lille (Francia) y especialista en poesía hispánica, el profesor Paul-Henri Giraud se interesa en particular por la relación entre pintura, fotografía y literatura. Doctorado en la Sorbonne, ha sido Visiting Fellow en Clare Hall, University of Cambridge (Reino Unido) y secretario general del Institut des Amériques en París. Es autor de Octavio Paz: Hacia la transparencia (México, El Colegio de México, 2014) y de un libro de próxima publicación en español sobre el fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo (Manuel Álvarez Bravo. Lo impalpable y lo imaginario, México, Bonilla Artigas). Acaba de editar los ensayos sobre arte del poeta francés Claude Esteban (Par-delà les figures. Écrits sur l’art, 1964-2006, Strasbourg, L’Atelier contemporain, 2024).

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La Fundación Cristino de Vera–Espacio Cultural CajaCanarias ha presentado en la sala de exposiciones temporales de la entidad, sita en la calle San Agustín, 18, la muestra titulada Esther Boix, integrada por una veintena de obras realizadas por la artista en el periodo comprendido entre finales de los años cincuenta y 1994. La exposición podrá visitarse hasta el próximo 28 de febrero, en el siguiente horario: de martes a viernes, de 10:00 a 14:00 h y de 17:00 a 20:00 h; y los sábados, de 10:00 a 14:00 h, con entrada libre.

El acto de inauguración contó con la presencia de Margarita Ramos, presidenta de la Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias; Joel Creus, nieto de la artista y depositario de su legado; y Bernat Puigdollers, comisario de la muestra.

Margarita Ramos presentó a Esther Boix (Gerona, 1927–2014) como una de las creadoras más singulares y comprometidas de la historia del arte contemporáneo español, y manifestó que “la muestra que hoy inauguramos representa un proyecto de gran relevancia, ya que no solo permite revisar y poner en valor la obra de Esther Boix, sino que, además, brinda la oportunidad de descubrirla por primera vez en Canarias”.

Ramos prosiguió su intervención recordando que “Esther Boix tuvo una infancia marcada por la poliomielitis, enfermedad que la acompañó durante toda su vida y que, lejos de limitarla, forjó en ella una sensibilidad excepcional y una manera singular de mirar y comprender el mundo”. En este sentido, añadió que Boix “participó activamente en la fundación del Grupo Estampa Popular Catalana, un movimiento que buscaba acercar el arte al pueblo y convertirlo en un instrumento de denuncia social y política. En tiempos de censura y represión, la creadora utilizó la pintura como vehículo de expresión frente a las injusticias que padecía la sociedad española bajo la dictadura, especialmente las mujeres”.

Por último, recordó que “la aportación de Esther Boix no se limitó, sin embargo, a su producción pictórica y gráfica. Junto a su compañero de vida, el poeta Ricard Creus, fundó en 1967 la escuela L’Arc, un centro dedicado a la enseñanza artística desde una perspectiva profundamente innovadora. En aquel espacio, cientos de jóvenes y docentes descubrieron que el arte no es solo técnica, sino también una poderosa herramienta para explorar, expresarse y crecer como personas”.

Margarita Ramos finalizó su intervención señalando que “Esther Boix fue una artista que supo transformar la fragilidad en belleza, una maestra que sembró libertad en generaciones de jóvenes y una mujer que no renunció a su voz en tiempos de silencio”.
Por su parte, Bernat Puigdollers, en su discurso, realizó un resumen de la trayectoria de Esther Boix, contextualizando su obra en el marco de su época y, en especial, remarcando la vigencia de su legado.

Señaló que la artista “inició su trayectoria con una pintura insólita para una mujer de su tiempo. Sus primeras telas se caracterizan por reflejar interiores y paisajes de la España de posguerra: escenas humildes y duras, de tonalidades terrosas y oscuras, reflejo de un país devastado por la guerra. Estas obras destacan por poner al ser humano en el centro y por querer dar visibilidad y voz a las personas más humildes”.

Puigdollers destacó “la capacidad de Esther Boix para adelantarse, a través de su obra y de manera intuitiva, a cuestiones que hoy en día forman parte de nuestro pensamiento colectivo, como son las cuestiones feministas, las libertades sexuales o aspectos como la conciencia ecológica, a los que Esther Boix dio voz en un momento en que nadie más lo hacía. Un hecho que la convierte en una pintora casi profética”.

Cerró su parlamento destacando la importancia de esta exposición, que permite dar a conocer la obra de Esther Boix más allá de Cataluña, y la contribución que supone en el proceso de recuperación de la trayectoria de la artista, sin duda una de las más destacadas de su generación. La reciente adquisición de obras suyas por parte del Museo Reina Sofía y del Museo Nacional de Arte de Cataluña es buena prueba de ello.

El acto concluyó con una visita guiada a la exposición por parte del comisario, en colaboración con Joel Creus, nieto de la artista.

Por último, Joel Creus, en su intervención final, tras los agradecimientos, recordó la libertad que se vivía en su casa y la importancia de sus abuelos en su formación personal y humana. Explicó varias anécdotas de su infancia compartida con sus abuelos y sus padres, y concluyó que “el aprendizaje más importante que le han dejado es el de expresar lo que piensa y escuchar con respeto las opiniones de los demás”.

ESTHER BOIX

Esther Boix i Pons (Gerona, 1927 – 2014) fue una pintora vitalista, comprometida, combativa, que hizo uso de sus pinceles para encontrar su lugar en el mundo y para construir una sociedad mejor, más justa y libre. Su carrera artística se inició con una pintura de carácter costumbrista y de cierto tono social, que desconcertó a la crítica del momento por sus escenas llenas de dramatismo y su pintura dura y oscura, que contrastaba con lo que se esperaba de una mujer pintora en la década de los años cuarenta y cincuenta. Haciendo honor a su espíritu renovador, fundó junto con otros compañeros de generación el fugaz grupo Postectura, formado por los pintores Esther Boix, Ricard Creus y Joaquim Datsira, además de los escultores Francesc Torres Monsó, Josep Martí Sabé y Josep Maria Subirachs.

Con la llegada de los años sesenta, su obra da un vuelco hacia una pintura más vitalista, que pone al hombre y la vida en el centro. Sus escenas transmiten sensación de modernidad y la llegada de una nueva etapa a nivel social, mucho más abierta. Un vitalismo y una euforia que durará poco para convertirse en una pintura combativa, profundamente comprometida con los derechos individuales y colectivos, especialmente por lo que se refiere a los derechos de la mujer. Las obras que pinta durante estos años, influidas por la corriente pop, son contundentes, casi manifiestos pintados.

Sin embargo, con la llegada de la democracia, su obra deriva hacia una mirada más lírica, centrada especialmente en el paisaje urbano. Durante los últimos años setenta, su pintura se vuelve más amable, de tonos más claros y de contornos más difusos, pero el sentido de compromiso sigue intacto, aunque enfocado en otra dirección. En este momento, su principal preocupación, resultado de un análisis artístico de la ciudad, se centra en la contaminación, en el aire, en el contacto que mantenemos con la naturaleza y con nuestro entorno.

Una reflexión a la que responde de manera contundente al abandonar la ciudad e instalarse en un entorno rural, que marcará su pintura hasta el final de su trayectoria artística. Desde los años ochenta, sus telas se convierten en grandes campos vaporosos de color, dominados por pinceladas repetidas que transmiten el palpitar y el fluir constante del mundo, siempre igual, siempre cambiante.

Esther Boix fue, además, junto con su marido, el escritor Ricard Creus, una promotora incansable de la pedagogía artística infantil, entendida como un camino para concebir el mundo y despertar el espíritu crítico. Como fundadora del Taller de artes plásticas L’Arc, quiso defender el arte como un camino pedagógico que va más allá de la práctica formal de las artes. Como demuestra con su pintura, entiende que la creación plástica se relaciona con todos los aspectos de la vida y permite así una formación mucho más atractiva y efectiva.

Así pues, podríamos decir que la pintura de Esther Boix es el reflejo de una vida entregada, de su compromiso y su confianza en la humanidad. Es una reflexión constante sobre la existencia, una mirada maravillada del mundo que no se conforma con expresar el sinfín de sensaciones que la artista experimenta al observar el mundo, sino que siempre se acompaña de una reflexión profundamente humana.

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