La Fundación Cristino de Vera–Espacio Cultural CajaCanarias, en colaboración con la Embajada de México en Madrid, inaugura un ciclo de cine mexicano con la proyección de la película De la calle, dirigida por Gerardo Tort en 2001. La sesión tendrá lugar mañana, martes 14 de abril, a las 19:00 horas, en la sede de la Fundación, situada en la calle San Agustín, 18, en San Cristóbal de La Laguna. La película se ofrecerá en versión original con subtítulos en castellano. La entrada será gratuita hasta completar aforo.

Ambientada en las calles de Ciudad de México y con auténticos niños de la calle en su reparto, la cinta es una adaptación de la obra teatral de Jesús González Dávila, que dirigió Julio Castillo en los años 80. La película narra la historia de Rufino, un adolescente sin hogar que sobrevive realizando pequeños trabajos para un policía corrupto. Tras sustraerle dinero, se convierte en su objetivo y se ve obligado a huir. Mientras planea escapar junto a su amiga Xóchitl, descubre que su padre podría seguir con vida y decide emprender su búsqueda.

El filme ha recibido diversos premios, entre los que destacan el de Mejor ópera prima y el de Mejor actriz en la XLIV edición de los Premios Ariel, en Ciudad de México; el premio a la Mejor dirección de fotografía en el XIV Festival de Cine de Viña del Mar, Chile; y el Premio Nuevos directores en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Gerardo Tort Oruña es un director mexicano, nacido en Puebla, en 1958. Estudió Ciencias y Técnicas de la Información con especialidad en Cine, en la Universidad Iberoamericana, de la Ciudad de México. Ha sido director de varios anuncios comerciales, además de docente en centros educativos. Su ópera prima fue la cinta De la calle (2001), la cual obtuvo 11 premios Ariel, entre ellos el de mejor ópera prima, mejor actriz y mejor guion. Desde entonces, el director y escritor es una de las figuras más importantes del cine mexicano contemporáneo. En su trayectoria, se encuentran cintas como La guerrilla y la esperanza: Lucio Cabañas (2005), el segmento “La llamada”, en la antología Sexo, amor y otras perversiones (2006), Viaje redondo (2009), además de series de televisión como Gritos de muerte y libertad (2010) y El encanto del águila (2011). El proyecto más reciente de Gerardo es Nahui (2018), cinta que retrata la vida de la pintora y poeta Nahui Olin.

Ficha técnica

TÍTULO ORIGINAL: De la calle | AÑO: 2001 | PAÍS: Coproducción México | DURACIÓN: 90 min. | IDIOMA: español | GÉNERO: drama | DIRECCIÓN: Gerardo Tort | PRODUCCIÓN: IMCINE, Tiempo y Tono Films, Zimat Consultores | GUION: Marina Stavenhagen | FOTOGRAFÍA: Héctor Ortega | MÚSICA: Diego Herrera | REPARTO: Luis Fernando Peña, Maya Zapata, Armando Hernández, Mario Zaragoza, Luis Felipe Tovar, Vanessa Bauche, Abel Woolrich, Jorge Zárate, Cristina Michaus, Ernesto Yáñez, Gustavo Sánchez Parra, Dolores Heredia, Norma Angélica, Dagoberto Dama, Claudia Ramírez.

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La Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias, en colaboración con el Goethe-Institut de Madrid, exhibe el filme Wann wird es endlich wieder so, wie es nie war como clausura del ciclo de cine alemán. El largometraje, dirigido por Sonja Heiss en 2022, se proyectará en versión original subtitulada al castellano mañana martes, 3 de marzo, a las 19.00 horas, en la sede de la Fundación (calle San Agustín, 18, San Cristóbal de La Laguna). La entrada es gratuita y el aforo es limitado.

Ambientada en el universo cerrado, y a la vez profundamente humano, de una clínica psiquiátrica dirigida por su propio padre, la historia sigue a Joachim, un niño que crece entre pasillos hospitalarios y pacientes que terminan convirtiéndose en parte esencial de su mundo emocional. La llegada de la pubertad abre paso al descubrimiento del amor y al dolor irreparable de la pérdida de su hermano, experiencias que marcarán para siempre su tránsito hacia la madurez. La película construye un relato sensible sobre la sensación de no encajar y la dificultad de encontrar un lugar propio en un mundo que, en ocasiones, resulta demasiado grande.

Sobre la directora

Sonja Heissm, nacida en Múnich en 1976, es una directora, guionista y escritora alemana. Formada en la Hochschule für Fernsehen und Film München (HFF), debutó en el largometraje con Hotel Very Welcome (2007), galardonada con el First Steps Award. En 2022 dirigió Wann wird es endlich wieder so, wie es nie war, adaptación del libro autobiográfico de Joachim Meyerhoff, nominada al Deutscher Filmpreis a Mejor película y Mejor dirección. Además de su labor cinematográfica, ha desarrollado una sólida carrera como escritora y ejerce como docente invitada en la HFF de Múnich.

Ficha técnica

TÍTULO ORIGINAL: Wann wird es endlich wieder so, wie es nie war | AÑO: 2023 | PAÍS: Alemania | DURACIÓN: 116 min. | IDIOMA: alemán | GÉNERO: drama, comedia | DIRECCIÓN: Sonja Heiss | PRODUCCIÓN: Komplizen Film, Warner Bros. Germany | GUION: Sonja Heiss, Lars Hubrich | FOTOGRAFÍA: Manuel Dacosse | MÚSICA: Dickon Hinchliffe | REPARTO: Devid Striesow, Laura Tonke, Arsseni Bultmann, Camille Moltzen, Merlin Rose, Sarah Bauerett, Anna Amalie Blomeyer, Giuseppe Bonvissuto, Matthias Bundschuh, Romi Dörlitz, Luisa-Céline Gaffron, Pola Geiger | V.O.S.E

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La Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias, en colaboración con el Goethe-Institut Madrid, presenta Cleo, la tercera película del ciclo de cine alemán. La cinta se proyectará en versión original con subtítulos en castellano mañana martes, 24 de febrero, a las 19.00 horas, en la sede de la Fundación (calle San Agustín, 18, San Cristóbal de La Laguna). La entrada será gratuita hasta completar aforo.

El filme ha recibido diversos reconocimientos y nominaciones, entre los que destacan el Premio del Público en el German Film Fest Madrid (2019) y el Karel Zeman Prize en el Zlín Film Festival (2019).

Cleo, ópera prima del director Erik Schmitt, sitúa su acción en Berlín, ciudad retratada a través de la mirada de su protagonista. La joven, marcada por la tragedia en el ámbito familiar, vive casi al margen de la realidad y se refugia en los recuerdos de una urbe en constante transformación. Sin embargo, el rumor de un legendario tesoro oculto en las profundidades de la ciudad la llevará a unirse a un peculiar y extravagante grupo de aventureros, ofreciéndole una posible salida a sus conflictos e inseguridades.

Erik Schmitt (Maguncia, Alemania, 1980) es director y guionista, reconocido por un estilo visual lúdico y artesanal. Formado en Comunicación y Diseño, fundó en Berlín la productora Seven Elephants. Sus cortometrajes, como Nashorn im Galopp y Berlin Metanoia, destacaron en festivales por su creatividad formal. Debutó en el largometraje con Cleo (2019), una fábula romántica ambientada en un Berlín mágico.

TÍTULO ORIGINAL: Cleo | AÑO: 2019 | PAÍS: Alemania | DURACIÓN: 99 min. | IDIOMA: alemán | GÉNERO: comedia | DIRECCIÓN: Erik Schmitt | PRODUCCIÓN: Detailfilm | GUION: Erik Schmitt, Stefanie Ren | FOTOGRAFÍA: Johannes Louis | MÚSICA: Johannes Repka | REPARTO: Marleen Lohse, Jeremy Mockridge, Gwendolyn Göbel, Heiko Pinkowski | V.O.S.E

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La Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias, en colaboración con el Goethe-Institut de Madrid, presenta el filme Lo que vale es la palabra. La película, segunda entrega del Ciclo de cine alemán, se exhibirá en versión original, subtitulada al castellano, mañana martes, 10 de febrero, a las 19.00 horas, en la sede de la Fundación, calle San Agustín, 18, San Cristóbal de La Laguna. La entrada es gratuita y el aforo limitado.

Dirigida por Ilker Çatak en 2019, la película es una conmovedora historia de amor que pone en tela de juicio los estereotipos sobre el valor que hace falta para enfrentarse a lo desconocido, asumir riesgos y aceptar retos. La protagonista, una piloto alemana, viaja a Turquía y allí conoce a un chico que le pide que se case con él para poder vivir en Alemania, y lo acepta. En la ceremonia civil se declara que «vale la palabra dada» y se prescinde de firma y de testigos. Lo que comienza como una transacción se convierte en una historia llena de emociones y sentimientos.

El filme obtuvo el premio Lola de Bronce a la Mejor Película en los Premios del Cine Alemán 2020.

Sobre el director

İlker Çatak es un director de cine y guionista alemán de origen turco nacido en Berlín en 1984. Pasó parte de su infancia en Estambul, adonde se mudó con su familia a los 12 años, y completó su educación secundaria en una escuela de la embajada antes de regresar a Alemania. Formó parte de programas de formación de cine tanto en la Dekra Hochschule für Medien en Berlín, como en la Hamburg Media School, donde completó un máster en dirección. Se dio a conocer con diversos cortometrajes y debutó en el largometraje con Es war einmal Indianerland (2017). El reconocimiento internacional le llegó con Das Lehrerzimmer (2023), premiada como Mejor Película Alemana y candidata al Oscar. Su cine aborda conflictos morales e identidades contemporáneas con realismo y sensibilidad social.

Ficha técnica

TÍTULO ORIGINAL: Es gilt das gesprochene Wort | AÑO: 2019 | PAÍS: Alemania-Francia | DURACIÓN: 118 min. | IDIOMA: alemán | GÉNERO: drama/migración | DIRECCIÓN: Ilker Çatak | PRODUCCIÓN: Coproducción Alemania-Francia; ZDF Studios, if… Productions, Loin Derrière L’Oural, ARTE | GUION: Nils Mohl, Ilker Çatak, Johannes Duncker | FOTOGRAFÍA: Florian Mag | MÚSICA: Marvin Miller | REPARTO: Anne Ratte-Polle, Ogulcan Arman Uslu, Godehard Giese, Jörg Schüttauf, Johanna Polley, Sebastian Urzendowsky, Lina Wendel, Sandra Bourdonnec, Ali Seckiner Alici | V.O.S.E

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La Fundación Cristino de Vera–Espacio Cultural CajaCanarias continuará mañana martes, 11 de noviembre, el Encuentro Arte Pensamiento 2025 con la conferencia titulada De lo espiritual en el arte: Cristino de Vera y la tradición pictórica occidental, que impartirá el especialista en poesía hispánica Paul-Henri Giraud. La sesión dará comienzo a las 19.00 horas en el salón de actos de la entidad, situado en la calle San Agustín, número 18, en San Cristóbal de La Laguna. La entrada es libre y el aforo limitado.

El profesor Giraud llevará a cabo un profundo análisis de la obra pictórica y dibujística de Cristino de Vera, estableciendo vínculos entre su producción artística y la evolución histórica de la pintura, desde los orígenes de la iconografía religiosa hasta las manifestaciones más relevantes del arte contemporáneo. A través de un estudio detallado de su paleta sobria y austera, de su técnica depurada y singular, así como de la simplificación formal que caracteriza su lenguaje plástico, el profesor pondrá de relieve los rasgos que definen la esencia estética del pintor canario. Asimismo, prestará especial atención a la selección de motivos y figuras, y a la particular construcción de los encuadres en sus composiciones, elementos todos ellos que evidencian una profunda coherencia espiritual y una búsqueda interior constante. De este modo, destacará la originalidad de Cristino de Vera en el contexto de la pintura occidental, subrayando su capacidad para conjugar tradición y modernidad en una reflexión artística centrada en lo trascendente y lo espiritual.

Paul-Henri Giraud

Catedrático de Estudios Hispánicos Contemporáneos en la Universidad de Lille (Francia) y especialista en poesía hispánica, el profesor Paul-Henri Giraud se interesa en particular por la relación entre pintura, fotografía y literatura. Doctorado en la Sorbonne, ha sido Visiting Fellow en Clare Hall, University of Cambridge (Reino Unido) y secretario general del Institut des Amériques en París. Es autor de Octavio Paz: Hacia la transparencia (México, El Colegio de México, 2014) y de un libro de próxima publicación en español sobre el fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo (Manuel Álvarez Bravo. Lo impalpable y lo imaginario, México, Bonilla Artigas). Acaba de editar los ensayos sobre arte del poeta francés Claude Esteban (Par-delà les figures. Écrits sur l’art, 1964-2006, Strasbourg, L’Atelier contemporain, 2024).

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La Fundación Cristino de Vera–Espacio Cultural CajaCanarias ha presentado en la sala de exposiciones temporales de la entidad, sita en la calle San Agustín, 18, la muestra titulada Esther Boix, integrada por una veintena de obras realizadas por la artista en el periodo comprendido entre finales de los años cincuenta y 1994. La exposición podrá visitarse hasta el próximo 28 de febrero, en el siguiente horario: de martes a viernes, de 10:00 a 14:00 h y de 17:00 a 20:00 h; y los sábados, de 10:00 a 14:00 h, con entrada libre.

El acto de inauguración contó con la presencia de Margarita Ramos, presidenta de la Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias; Joel Creus, nieto de la artista y depositario de su legado; y Bernat Puigdollers, comisario de la muestra.

Margarita Ramos presentó a Esther Boix (Gerona, 1927–2014) como una de las creadoras más singulares y comprometidas de la historia del arte contemporáneo español, y manifestó que “la muestra que hoy inauguramos representa un proyecto de gran relevancia, ya que no solo permite revisar y poner en valor la obra de Esther Boix, sino que, además, brinda la oportunidad de descubrirla por primera vez en Canarias”.

Ramos prosiguió su intervención recordando que “Esther Boix tuvo una infancia marcada por la poliomielitis, enfermedad que la acompañó durante toda su vida y que, lejos de limitarla, forjó en ella una sensibilidad excepcional y una manera singular de mirar y comprender el mundo”. En este sentido, añadió que Boix “participó activamente en la fundación del Grupo Estampa Popular Catalana, un movimiento que buscaba acercar el arte al pueblo y convertirlo en un instrumento de denuncia social y política. En tiempos de censura y represión, la creadora utilizó la pintura como vehículo de expresión frente a las injusticias que padecía la sociedad española bajo la dictadura, especialmente las mujeres”.

Por último, recordó que “la aportación de Esther Boix no se limitó, sin embargo, a su producción pictórica y gráfica. Junto a su compañero de vida, el poeta Ricard Creus, fundó en 1967 la escuela L’Arc, un centro dedicado a la enseñanza artística desde una perspectiva profundamente innovadora. En aquel espacio, cientos de jóvenes y docentes descubrieron que el arte no es solo técnica, sino también una poderosa herramienta para explorar, expresarse y crecer como personas”.

Margarita Ramos finalizó su intervención señalando que “Esther Boix fue una artista que supo transformar la fragilidad en belleza, una maestra que sembró libertad en generaciones de jóvenes y una mujer que no renunció a su voz en tiempos de silencio”.
Por su parte, Bernat Puigdollers, en su discurso, realizó un resumen de la trayectoria de Esther Boix, contextualizando su obra en el marco de su época y, en especial, remarcando la vigencia de su legado.

Señaló que la artista “inició su trayectoria con una pintura insólita para una mujer de su tiempo. Sus primeras telas se caracterizan por reflejar interiores y paisajes de la España de posguerra: escenas humildes y duras, de tonalidades terrosas y oscuras, reflejo de un país devastado por la guerra. Estas obras destacan por poner al ser humano en el centro y por querer dar visibilidad y voz a las personas más humildes”.

Puigdollers destacó “la capacidad de Esther Boix para adelantarse, a través de su obra y de manera intuitiva, a cuestiones que hoy en día forman parte de nuestro pensamiento colectivo, como son las cuestiones feministas, las libertades sexuales o aspectos como la conciencia ecológica, a los que Esther Boix dio voz en un momento en que nadie más lo hacía. Un hecho que la convierte en una pintora casi profética”.

Cerró su parlamento destacando la importancia de esta exposición, que permite dar a conocer la obra de Esther Boix más allá de Cataluña, y la contribución que supone en el proceso de recuperación de la trayectoria de la artista, sin duda una de las más destacadas de su generación. La reciente adquisición de obras suyas por parte del Museo Reina Sofía y del Museo Nacional de Arte de Cataluña es buena prueba de ello.

El acto concluyó con una visita guiada a la exposición por parte del comisario, en colaboración con Joel Creus, nieto de la artista.

Por último, Joel Creus, en su intervención final, tras los agradecimientos, recordó la libertad que se vivía en su casa y la importancia de sus abuelos en su formación personal y humana. Explicó varias anécdotas de su infancia compartida con sus abuelos y sus padres, y concluyó que “el aprendizaje más importante que le han dejado es el de expresar lo que piensa y escuchar con respeto las opiniones de los demás”.

ESTHER BOIX

Esther Boix i Pons (Gerona, 1927 – 2014) fue una pintora vitalista, comprometida, combativa, que hizo uso de sus pinceles para encontrar su lugar en el mundo y para construir una sociedad mejor, más justa y libre. Su carrera artística se inició con una pintura de carácter costumbrista y de cierto tono social, que desconcertó a la crítica del momento por sus escenas llenas de dramatismo y su pintura dura y oscura, que contrastaba con lo que se esperaba de una mujer pintora en la década de los años cuarenta y cincuenta. Haciendo honor a su espíritu renovador, fundó junto con otros compañeros de generación el fugaz grupo Postectura, formado por los pintores Esther Boix, Ricard Creus y Joaquim Datsira, además de los escultores Francesc Torres Monsó, Josep Martí Sabé y Josep Maria Subirachs.

Con la llegada de los años sesenta, su obra da un vuelco hacia una pintura más vitalista, que pone al hombre y la vida en el centro. Sus escenas transmiten sensación de modernidad y la llegada de una nueva etapa a nivel social, mucho más abierta. Un vitalismo y una euforia que durará poco para convertirse en una pintura combativa, profundamente comprometida con los derechos individuales y colectivos, especialmente por lo que se refiere a los derechos de la mujer. Las obras que pinta durante estos años, influidas por la corriente pop, son contundentes, casi manifiestos pintados.

Sin embargo, con la llegada de la democracia, su obra deriva hacia una mirada más lírica, centrada especialmente en el paisaje urbano. Durante los últimos años setenta, su pintura se vuelve más amable, de tonos más claros y de contornos más difusos, pero el sentido de compromiso sigue intacto, aunque enfocado en otra dirección. En este momento, su principal preocupación, resultado de un análisis artístico de la ciudad, se centra en la contaminación, en el aire, en el contacto que mantenemos con la naturaleza y con nuestro entorno.

Una reflexión a la que responde de manera contundente al abandonar la ciudad e instalarse en un entorno rural, que marcará su pintura hasta el final de su trayectoria artística. Desde los años ochenta, sus telas se convierten en grandes campos vaporosos de color, dominados por pinceladas repetidas que transmiten el palpitar y el fluir constante del mundo, siempre igual, siempre cambiante.

Esther Boix fue, además, junto con su marido, el escritor Ricard Creus, una promotora incansable de la pedagogía artística infantil, entendida como un camino para concebir el mundo y despertar el espíritu crítico. Como fundadora del Taller de artes plásticas L’Arc, quiso defender el arte como un camino pedagógico que va más allá de la práctica formal de las artes. Como demuestra con su pintura, entiende que la creación plástica se relaciona con todos los aspectos de la vida y permite así una formación mucho más atractiva y efectiva.

Así pues, podríamos decir que la pintura de Esther Boix es el reflejo de una vida entregada, de su compromiso y su confianza en la humanidad. Es una reflexión constante sobre la existencia, una mirada maravillada del mundo que no se conforma con expresar el sinfín de sensaciones que la artista experimenta al observar el mundo, sino que siempre se acompaña de una reflexión profundamente humana.

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La Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias ha presentado hoy viernes, 4 de abril, en la sala de exposiciones temporales de la entidad, sita en la calle San Agustín, 18, la muestra titulada Eladio de la Cruz. Noble sencillez y serena belleza, integrada por una selección de 18 esculturas en madera, bronce, piedra natural y artificial, realizadas por el artista entre los años 60 del siglo pasado y 2010. La exposición podrá visitarse hasta el próximo 19 de julio en el siguiente horario: de martes a viernes, de 10.00 a 14.00 h y de 17.00 a 20.00 h, y sábados de 10.00 a 14.00 h, con entrada libre.

El acto de inauguración contó con la presencia de Margarita Ramos, presidenta de la Fundación CajaCanarias; Carmen Rosa González Arceo, hija del artista; y Fernando Castro Borrego, comisario de la muestra.

Margarita Ramos presentó a Eladio de la Cruz (El Toscal, Santa Cruz de Tenerife, 1934 – Tacoronte, 2023) como uno de los artistas referenciales de la historia del arte en Canarias, destacando que “consagró su vida a la escultura, a la creación plástica y a la labor docente que ejerció en distintos centros educativos, donde contribuyó a la formación de no pocos creadores contemporáneos”, además de señalar, en su intervención inaugural, que su vocación nació siendo muy niño, gracias a un encuentro fortuito con el taller de Enrique Cejas Zaldívar, localizado muy próximo a su domicilio. Allí, y a través de una rendija, Eladio de la Cruz pasaba las horas contemplando cómo trabajaba el escultor, y más tarde maestro suyo, Cejas Zaldívar, sin percibir que estaba adquiriendo el conocimiento de las técnicas escultóricas.

La presidenta de la Fundación Cristino de Vera recordó, además, que Eladio de la Cruz llegó a ser catedrático de la Escuela de Artes y Oficios de Santa Cruz de Tenerife e impartió docencia en este centro y en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna. Entre sus méritos señaló que, en 2010, fue elegido académico correspondiente de la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel, que le concedió, un año después, el premio Magister de Escultura. Igualmente, aludió a las numerosas obras que el escultor realizó por encargo, que se encuentran repartidas por distintos espacios públicos de Tenerife. “Muchas constituyen homenajes a personas o costumbres de la cultura insular, y entre ellas podemos destacar: el Adolescente en el Parque García Sanabria, la Sierva de Dios María de Jesús, en El Sauzal, San Juan Bautista de La Salle, en Santa Cruz de Tenerife, Sebastián Ramos “el Puntero”, en Punta del Hidalgo, Cristóbal de Ponte, en Garachico, Santo hermano Pedro, en Arona, así como la Recolectora de cochinilla, en Buzanada y el Homenaje a Las Libreas, en el Palmar, Buenavista”.

Por último, Margarita Ramos señaló que, en esta exposición, se muestra la obra más personal del artista: “son esculturas realizadas en madera, bronce, piedra natural o artificial cuyo tema central es la figura femenina en sus distintas etapas, destacando, especialmente, en las que figura en su papel de madre”.

Por su parte, Fernando Castro Borrego, comisario de la exposición, declaró que “Eladio de la Cruz vivió en una época donde su idea del arte no podía tener el refrendo histórico que le hiciera justicia, sabía que la grandeza de los ideales que intentaba expresar en su obra escultórica ostentaba una dimensión estética universal. Habiendo vivido en un mundo dominado por las máquinas y los intereses materiales, no tuvo en cuenta que, en los tiempos modernos, el arte -como decía Ortega y Gasset- se deshumaniza irremediablemente. No obstante, Eladio de la Cruz seguía creyendo en la humanidad y la belleza: “todo por el arte y la humanidad”. He aquí el lema que resume el sentido de toda su obra. No se desplazó ni un ápice de los valores que profesaba ni del ideal de lo Bello que, anclado firmemente en el clasicismo, constituía una opción estética regida por ideales humanistas. Esa fe en el hombre y su destino la proclamó en imágenes escultóricas que expresan sentimientos de amor y piedad. Este es el genuino contenido que transmite su escultura”.

Castro Borrego prosiguió su intervención manifestando que “desde el enfoque de una historia material del arte, la obra de Eladio de la Cruz tiene un interés indudable. Trabajó la escultura utilizando una gran variedad de materiales: la piedra natural (a veces de origen volcánico), la piedra artificial, la terracota, la madera (sin olvidarse de la tea), el bronce, etc. En este sentido, lo más destacable reside en su investigación anatómica. La representación del cuerpo en la obra de Eladio de la Cruz es uno de los campos donde despuntó su talento. La firme voluntad de someter la volumetría del cuerpo al rigor de un dibujo lineal y orgánico de acento rítmico le llevó a conseguir efectos expresivos nada desdeñables. En algunas piezas, la combinación de oquedades y abultamientos resalta la imagen tridimensional del cuerpo”.

Por último, señaló que la obra de Eladio de la Cruz es un canto a la belleza femenina como ideal estético donde la sensualidad no constituye una forma de disfrazar el deseo sexual del hombre. Las esculturas de Eladio de la Cruz que representan mujeres desnudas no persiguen despertar la mirada lasciva del espectador. Al contemplar un desnudo puede haber, por consiguiente, una delectación en la armonía de sus formas, en la tersura de su piel o en la armonía de sus ademanes y esa delectación no obedece al deseo.”

Por último, Carmen Rosa González Arceo señaló que la obra de su padre refleja su filosofía de vida: “defendía una ideología pacifista, humanista y otros aspectos fundamentales de la condición humana como el amor, la soledad, la identidad, la violencia, la alegría, que son los temas que aparecen en sus trabajos. Siempre regido por lo que su estado anímico y su imaginación le dictara en cada momento”. Aludiendo a las reflexiones del artista, explicó que “su obra escultórica ha recorrido muchos caminos y esa da una fuerte impresión de variedad, tanto en los temas como en los estilos y técnicas”.

González Arceo expresó que Eladio de la Cruz “era su mayor crítico, porque necesitaba que su obra lo llenara de emoción. Solo así conseguía que los demás pudieran admirar su trabajo y emocionarse también y, cuando finalizaba una escultura, a pesar de que se sintiera satisfecho, ya estaba pensando en la siguiente para intentar resolver cuestiones que le quedaron pendientes”. Según él, “en la escultura es importante el dibujo para alcanzar el conocimiento de la forma, pero hay también otra vía, la del tacto. Le gustaba dibujar sus esculturas con el material que utilizaba en cada momento”.

Margarita Ramos clausuró el acto de presentación recordando la programación de actividades complementarias a la muestra, entre las que destacó que «esta misma tarde, viernes, 4 de abril, a las 18.30 horas, se celebrará un diálogo entre Fernando Castro Borrego y Carmen Rosa González Arceo sobre la obra y el pensamiento de Eladio de la Cruz”.

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La Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias, en colaboración con la Embajada de México en España, presenta Workers (2013), dirigido por José Luis Valle. La película, segunda cinta del ciclo de cine mexicano, se exhibirá en versión original el próximo martes, 18 de marzo, a las 19.00 h, en la sede de la Fundación, calle San Agustín, 18, San Cristóbal de La Laguna. La entrada es gratuita y el aforo limitado.

El filme, ópera prima del cineasta José Luis Valle, centra la trama en dos personajes maduros, cercanos al final de su vida laboral, Rafael y Lidia. Ambos, tras toda una vida trabajando en Tijuana, son víctimas de injusticias laborales contra sus derechos y dignidad. Él es un operario de limpieza de origen salvadoreño que espera el momento de su jubilación. Ella, después de trabajar más de tres décadas como asistenta en una casa, recibe en herencia el perro de su patrona. El pasado de ambos estará conectado por una jugada del destino.

José Luis Valle [El Salvador, 1989] es director cinematográfico, productor y guionista. Cursó estudios de dirección en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC). Tras dirigir y escribir los cortometrajes Tomo VII (2002) y Gravísima, altisonante, mínima, dulce e imaginada historia (2005), Valle presentó el cortometraje Quimera (2006), que resultó ganador de la Kodak Film School, además de recibir una mención honorífica en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara. Años más tarde, el cineasta debutó con el documental El milagro del Papa (2009), que se proyectó en el Festival de Cine de Locarno. Con el apoyo del Fondo Mundial de Cine pudo realizar el filme que podrá verse mañana martes en la Fundación Cristino de vera y que, además, supuso su primer largometraje de ficción, Workers (2013), con el que obtuvo el Premio a la mejor película latinoamericana en el Festival de Biarritz, el Premio Mezcal al mejor filme mexicano y el Colón de Oro del Festival Iberoamericano de Huelva.

Ficha técnica

TÍTULO ORIGINAL: Workers | AÑO: 2013 | PAÍS: México – Alemania | DURACIÓN: 120 min. | IDIOMA: español | GÉNERO: drama | DIRECCIÓN: José Luis Valle | PRODUCCIÓN: Zensky Cine, Auténtika Films, IMCINE, FOPROCINE, Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) | GUION: José Luis Valle | FOTOGRAFÍA: César Gutiérrez Miranda | MÚSICA: José Miguel Enríquez | REPARTO: Susana Zalazar, Jesús Padilla, Bárbara Perrin Rivemar, Sergio Limón, Vera Talaia, Adolfo Madera, Giancarlo Ruiz | V.O.S

La entrada Workers, segunda cinta del ciclo de cine mexicano organizado por la Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias se publicó primero en Creativa Canaria.

La Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias, en colaboración con la Embajada de México en España, presenta el Ciclo de cine mexicano que, integrado por cuatro largometrajes, se celebrará entre el 11 de marzo y el 1 de abril, en la sede de la entidad, situada en la calle San Agustín, 18 de San Cristóbal de La Laguna. Las películas, con entrada gratuita y aforo limitado, se exhibirán en versión original, a partir de las 19:00 horas. Toda la información se encuentra disponible en www.fundacioncristinodevera.com

Ha transcurrido más de dos décadas desde que Amores perros (2000), así como Y tu mamá también (2001), impulsara un renacimiento en el cine mexicano. Estas cintas, que contribuyeron a generar una nueva apreciación nacional e internacional del cine del país, lanzaron las carreras de varios talentos que Hollywood acogió con voracidad. De este modo, la esperanza de una industria cinematográfica que se encontraba, hasta aquel momento, estancada, revivió e inspiró a una nueva generación de directores que comenzó a llevar a la gran pantalla historias con planteamientos diversos y complejos, como las que ofrece este ciclo de cine mexicano. A través de cuatro filmes de algunos de los cineastas más destacados de los últimos años, descubriremos voces únicas e historias conmovedoras que reflexionan sobre la identidad, las relaciones humanas y los nuevos retos de la sociedad mexicana.

La actividad comienza mañana, martes 11 de marzo, con la proyección del largometraje Todo el mundo tiene a alguien menos yo [2012], dirigido por Raúl Fuentes, La historia, interpretada magistralmente por Andrea Portal y Naian Daeva y contada en blanco y negro, tiene como protagonistas a Alejandra, una mujer de treinta y tantos años, y a María, una adolescente de dieciséis. Ambas viven un tórrido y apasionado romance. Con una destacada selección musical en la que participan grupos de Japón, Noruega, Chile, Estados Unidos y México, la cinta obtuvo el Premio de la prensa del XV Festival Internacional de Cine de Guanajuato, Mención especial en el Premio Maguey y Mejor fotografía en Largometraje de ficción mexicana del XXVII Festival Internacional de Cine en Guadalajara, además del Premio Netflix.

El martes, 18 de marzo, se exhibirá Workers [2013], ópera prima del cineasta José Luis Valle. Con un peculiar estilo narrativo y una perspectiva única que invita a reflexionar sobre la condición humana, Valle escoge como protagonistas de esta historia a dos personajes maduros, cercanos al final de su vida laboral, Rafael y Lidia. Ambos, tras toda una vida trabajando en Tijuana, son víctimas de injusticias laborales contra sus derechos y dignidad. Él es un operario de limpieza de origen salvadoreño que espera el momento de su jubilación. Ella, después de trabajar más de tres décadas como asistenta en una casa, recibe en herencia el perro de su patrona. El pasado de ambos estará conectado por una jugada inesperada del destino. A su manera, solos y en silencio, comenzarán una batalla y lucharán para que el futuro les pertenezca.

La tercera cinta, La Tirisia [2014], se proyectará el martes, 25 de marzo. El drama, dirigido por Jorge Pérez Solano, cuenta la vida de Cheba y Serafina, dos mujeres que se enfrentan a la maternidad en una comunidad azotada por la pobreza, el machismo y los tabúes sociales en medio de los gigantes cactus de la Mixteca poblana. Ambas deberán tomar decisiones drásticas en torno a su futuro, alejan a sus hijos para conservar a sus hombres, lo que las enferma de tirisia, de una tristeza perpetua. La historia es testimonio fiel del cine social, donde la realidad de sus personajes se convierte en un medio para cuestionar las estructuras sociales y políticas del país.

El ciclo de cine se clausura el martes, 1 de abril, con la proyección de El sueño del Mara’akame [2016]. Dirigida por Federico Cecchetti, la película centra la historia en Nieri, un indígena huichol. El joven desea viajar con su banda y tocar en un concierto en la ciudad de México, pero su padre, que es un Mara’akame (chamán huichol), tiene otros planes para él, pues debe seguir la tradición y hallar al venado azul en sus sueños. Solo así aprenderá a sanar y se convertirá en Mara’akame. Nieri viaja a la gran ciudad donde, al estar completamente perdido, encontrará su visión.

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La Fundación Cristino de Vera-Espacio Cultural CajaCanarias, en colaboración con la Embajada de Brasil en España, presenta el filme Érase una vez, dirigido por Breno Silveira en 2008. La película, tercera cinta del ciclo de cine brasileño, se exhibirá en versión original subtitulada al castellano mañana martes, 11 de febrero, a las 19.00 h, en la sede de la Fundación (calle San Agustín, 18, San Cristóbal de La Laguna). La entrada es gratuita y el aforo limitado.

Érase una vez, con Río de Janeiro como escenario, plantea el enfrentamiento social entre la élite carioca y el mundo de las favelas a través de sus protagonistas, Dé y Nina. Ellos, vecinos de diferentes realidades, se conocen en territorio neutro, la playa de Ipanema, y terminan profundamente enamorados. Para él es el amor a primera vista, mientras que ella descubre la pureza y la sensibilidad. Juntos viven las alegrías, las emociones y las dificultades de compartir un amor tan grande como improbable para la sociedad carioca, llena de prejuicios.

El director, Breno Silveira [Brasilia, 1964 – Pernambuco, 2022] se formó en la École Louis-Lumière de París. Comenzó su carrera como director de fotografía y debutó como cineasta en 2005 con la película biográfica Dos hijos de Francisco, con la que rompió récords de taquilla en Brasil y ganó cuatro premios internacionales. Otro filme muy laureado es Gonzaga: de Pai pra Filho, vencedor en tres categorías del Grande Prêmio Cinema Brasil, incluyendo la de Mejor Película. En 2017 estrenó Entre Irmãs, como largometraje y miniserie, uno de los mayores éxitos de la televisión brasileña de los últimos 20 años, con 84 millones de espectadores.

TÍTULO ORIGINAL: Era uma vez | AÑO: 2008 | PAÍS: Brasil | DURACIÓN: 118 min. | IDIOMA: portugués | GÉNERO: romance | DIRECCIÓN: Breno Silveira | PRODUCCIÓN: Conspiração Filmes, Globo Filmes, Lereby Produções | GUION: Patricia Andrade | FOTOGRAFÍA: Dudu Miranda, Paulo Souza | MÚSICA: Berna Ceppas | REPARTO: Cyria Coentro, Rodrigo Costa, Vitória Frate, Paulo César Grande, Tiago Martins, Rocco Pitanga | V.O.S.E.

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