La película Las líneas discontinuas (España, 2025, 90 min.) de la cineasta Anxos Fazáns gana en el apartado «Panorama España» de la vigésima quinta edición del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. Un Jurado Joven, que por primera vez ha sido el encargado de valorar los trabajos presentados en esta sección, ha hecho público su fallo en la mañana de hoy miércoles 29 de abril.

Entre los cinco largometrajes que competían, las personas en formación en la programación de festivales, responsables del fallo, han premiado a la cinta Las líneas discontinuas “por narrar con su silencio, por tratar la visibilidad desde la ternura y por su exquisito uso de la música”. Por este reconocimiento, el Festival otorga un premio de 5.000 euros a la cineasta Anxos Fazáns.

El amor y la amistad son la materia prima con la que Anxos Fazáns teje Las líneas discontinuas, película cuyo guion firma la autora con Ian de la Rosa. En este segundo largometraje de la cineasta gallega, Bea es una mujer de 50 años en proceso de divorcio y Denís es un chico trans de 28 años que lucha contra la precariedad laboral. Un suceso inesperado los lleva a conocerse y este encuentro transformará la realidad de ambos para siempre. Este drama ganó en Gijón el Premio Rambal de la Asociación XEGA y el Premio DAMA al mejor guion cinematográfico español.

Asimismo, “por la importancia de su mensaje. Por su honestidad radical y compromiso”, el jurado ha concedido, además, una mención especial al documental Sucia (España, 2026, 82 min.) de la joven cineasta catalana Bàrbara Mestanza. La cinta documental, Premio del Público en el Festival de Málaga, retrata el doloroso proceso de denuncia que sufre la mujer al enfrentarse a su maltratador.

Jurado Joven

Una de las novedades en esta edición del certamen en el apartado que acerca el cine español de festivales al público canario ha sido contar con un Jurado Joven integrado por personas en formación que recibirán nociones sobre programación y valoración de producciones que compiten en certámenes.

En esta edición han formado parte del mismo; Carla del Rosario Melián, Greta Gallo y Geremy Hernández Santana, alumnos del Grado de Cine de la Universidad del Atlántico Medio; Ismael Cabrera Castellano inscrito en el Máster en Cultura Audiovisual y Literaria de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria; Isaías Jesús Ramos Vera y Guillén Buil, en proceso de formación en la Diplomatura de Dirección del Instituto del Cine de Canarias; Bruno de Souza-Pinto y Cabrera y Laura Echave Santana, procedentes de Realización de Proyectos Audiovisuales y Espectáculos del CIFP Felo Monzón Grau-Bassas; Ada Fariña Langkopf, estudiante en Realización de Proyectos Audiovisuales y Espectáculos del IES La Guancha y Yurena Chinea Machín, que llega de los estudios de Estilismo y Dirección de Peluquería del CIFP Las Indias.

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Seis cortometrajes integran el segundo bloque de cortometrajes de Canarias Cinema, la sección del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria dedicada a las producciones con sello canario. En esta ocasión, son Paula C. Ventura y Javi Armas, Octavio Guerra, Carla Valdés León, Nayra Sanz Fuentes, Marta Fuenar y Marco Arrocha y Busky Curbelo los realizadores que presentan sus trabajos, que han merecido la selección en un certamen que cumple su 25 aniversario en este 2026.

El segundo bloque de cortos de Canarias Cinema se proyecta en Cine Yelmo Las Arenas los días 26 y 28 de abril. El domingo, a las 10:15, para público y jurado, y las 17:15 horas, en un primer pase oficial. En ambos casos, en la Sala 4 de los multicines. El segundo pase oficial se ha programado para el martes, en la Sala 8, a las 18:00 horas.

Kipuka

Kipuka (2026, 18 min.) es la pieza dramática que firman Paula C. Ventura y Javi Armas. Es Armas el autor de un guion para cuya realización estuvo indagando en una tarea de investigación con varios afectados por la erupción del Tajogaite, en La Palma. Todo, a partir de que un amigo le hiciera llegar su inquietud por delimitar el espacio que ocupaba su casa, afectada por el volcán.

“Javi contó conmigo para que lo dirigiera junto a él”, recuerda Ventura, “y la verdad es que hasta el último momento no supe si podía sumarme, aunque la idea y la historia me entusiasmaron desde el primer día. Lloré cuando leí el guion”. Y es que para la documentalista esta “era una historia que había que contar”. Con el propio Armas en un reparto que completan Isabel Ordaz, Ángel Cabrera, Yiyo Alonso y Carlos De León.

“Al final, en Canarias muchas veces nuestras historias las cuentan personas que son de fuera, que no somos nosotros mismos”, reflexiona Ventura. “Y sentía que el tema del volcán lo teníamos que contar nosotros también, porque somos del Valle, y en nuestro entorno hay familia y muchos afectados”.

De hecho, la pareja de realizadores ha perseguido con Kipuka proporcionar “un acompañamiento para todos los que sufrieron el volcán tan de cerca, y que esto pueda ser parte de su sanación”. De este modo, en pantalla plantean “un proceso de duelo”, lo que sucede después de la erupción. Algo que además se traslada a casas “que en muchos casos era la de nuestros abuelos. La mía, por ejemplo, la construyeron mis abuelos, y ahí hay un trasfondo emocional muy grande».

Para Paula Ventura “realmente fue una sorpresa muy grande estar seleccionada para el festival, porque cuando creo algo no suelo pensar en lo que puede suceder después. Sobre todo, estábamos centrados en la gente que había sufrido esta situación. Así que poder estar aquí es una alegría enorme, me emocioné un montón cuando lo supe”. La realizadora, especializada en el documental, considera ahora un nuevo horizonte en una carrera que apenas empieza, y que recibe este espaldarazo desde el certamen de la capital grancanaria.

La mujer imaginada

La mujer imaginada (The Imagined Woman) (2026, 4 min.) es un ejemplo perfecto de lo que puede suceder cuando en mitad de un rodaje sobra algo de tiempo, algunos recursos, talento y la iniciativa de sus protagonistas. En mitad de un trabajo de encargo, Octavio Guerra pergeñó junto a los actores Luifer Rodríguez y Rafael Navarro Miñón (otro clásico del Festival de la capital grancanaria) un guion con mucho de improvisación, para rodar un plano secuencia, luego puesto a punto y que devino en un cortometraje que plantea toda una reflexión sobre el paso del tiempo.

Un diálogo, un reflejo, un deseo brumoso. Guerra, firmante de largometrajes que han tenido una destacada aparición en el Festival, como Yo tenía una vida (2023) o En busca del Óscar (2018) condujo este trabajo “muy intuitivo y poco pensado, por el tiempo que le dedicamos. Sin mayor pretensión, solo queríamos probar”.

El director isleño recalca cómo luego Patricia Sánchez se sumó a la coproducción (Calibrando Producciones y Novena Nube). “Al final sí que nos daba para una pieza con presencia. Y dejamos que el espectador pueda construir su propia visión”, añade.

Buen conocedor del certamen y su filosofía, Guerra apunta que “presentamos el corto con la idea de que estamos en sintonía”. De hecho, “podía ser una promoción del festival”, agrega con humor. Eso sí, su actividad no se ha detenido desde entonces: en la actualidad se encuentra inmerso en un proyecto de largometraje dentro del Programa Rueda Academia de Cine, y recién acaba de concluir el rodaje del corto La maceta, que espera poder estrenar en el circuito de festivales próximamente.

Mariners

Carla Valdés León lleva al espectador a completar un viaje en tono documental con su Mariners (2026, 15 min.). Esto es, un guion de la propia Valdés, con el apoyo en la fotografía de Ivana Vladic, el montaje de Irlanda Tambascio, el sonido de Christian Johansen y la música de Erlyn L. Borges. La realizadora, graduada en la Universidad de las Artes (ISA) cubana, ya ha destacado en el circuito internacional de festivales con piezas concebidas en torno a la realidad y la memoria en su tierra natal, como Los Puros (2021) o Días de Diciembre (2016). Mariners es el primer trabajo audiovisual que realiza como autora en España.

En este caso, Valdés aborda un reto diferente, aunque, con respecto a sus piezas anteriores, “comparte en esencia la insularidad y la preocupación por el registro del pasado”. La insularidad como puerto de refugio, de hecho, es la motivación principal de Mariners. “Como isleña”, explica, “para nosotros la isla es un lugar finito, rodeado por la frontera del mar. Eso define gran parte de nuestra identidad siempre cambiante, siempre fragmentada en las despedidas y reconstruida en las llegadas”. Así, bajo esa mirada, «los puertos y los barcos son esos lugares donde la construcción de nuestra historia toma forma”.

La directora cubana siempre ha mostrado un especial interés por los fondos históricos. Al conocer el Archivo de Fotografía Histórica de Canarias no hizo más que imaginar una historia, “una especie de ensayo”, con imágenes de otras islas, todas filmadas en el propio archivo, “con otros rostros y paisajes que se me hacían muy cercanos”. El corto también bebe de la habanera caribeña, “una canción de ida y vuelta que tiene sus orígenes en los marineros catalanes que llegaron a la isla”. Por eso, el tema La Golondrina cierra la pieza de Valdés, rodada en buena parte en Agaete, en la Ermita de Nuestra Señora de las Nieves, y en su puerto. Mariners es una producción de Insularia Films y JuanMa V. Betancort.

El corto vive su estreno nacional en el Festival de Las Palmas de Gran Canaria, “una tremenda felicidad” para Carla Valdés, que lo interpreta como toda “una señal de acogida porque, aunque la obra es canaria, una siempre se siente extranjera”. En este punto, la realizadora recalca cómo las islas siempre reciben con los brazos abiertos a quienes llegan por el mar, en cualquier momento de su historia. Esto es así, por encima de cualquier odio, y es la certeza más bonita de que la solidaridad y la humanidad prevalecen”. Para ella, el certamen de la capital grancanaria “es un lugar maravilloso para comenzar un camino en España, y me abre la puerta a pensar en nuevas historias que contar».

Cosecha

Nayra Sanz Fuentes firma en este Canarias Cinema su Cosecha (Harvest) (2026, 12 min.), que tiene su germen en el festival de fotografía y artes visuales Veintinueve Trece 2025, de Lanzarote. Allí se propuso a los creadores el tema genérico del colectivo. Sanz cuenta que “para mí era una oportunidad de llevármelo a mí terreno, por las preocupaciones que tengo como creadora: el pulso ser humano-tecnología-naturaleza. Siempre está esa tensión”. Así ocurre en su serie Distopías alcanzadas, o en otros cortos como Pez volador (2022), que ya la trajo anteriormente al Festival.

“Estamos en la cuarta revolución tecnológica, el nuevo mundo de los datos, y a mí me interesa reflexionar en nuestro presente, tan tecnologizado, y hasta qué punto la gente conoce las herramientas que utiliza”, comenta Sanz, para conversar sobre una obra en la que descubre al espectador un fenómeno como el activismo de datos.

Por eso su Cosecha está directamente vinculada al concepto de granja de datos, “algo tan diferente a lo que siempre hemos entendido por granja y nuestra relación con la naturaleza”. La directora persigue en su ejercicio cinematográfico, límpido en sus formas y planteamiento, “tomar consciencia de la realidad en la que estamos siendo sometidos a una tecnología que desconocemos”.

Sanz comenta cómo “estamos ante un nuevo mundo analfabeto. Volvemos a la historia de la humanidad: darle nuestro mundo público y privado a un poder que no sabemos cómo se engrana. Es algo que me parece muy peligroso”. Por eso, “me interesaba darle la voz a este activismo de datos, que es un término tan nuevo, que surge en 2015. Debemos aprender, estar atentos y conocer el nuevo mundo que nos rodea”, subraya.

Con esta propuesta, la obra de la realizadora regresa al certamen de la capital grancanaria, “en donde siempre me han tratado genial”. Y lo hace en un momento en el que acaba de publicar su primer libro, el ensayo El cuerpo nazi. El cuerpo contenido (Trotta Editorial), en una extensión más de sus preocupaciones como creadora.

Muy Bien

La actriz Marta Fuenar se apuntó directamente a la dirección durante su última presencia en el Festivalito palmero, para firmar Muy Bien (Great) (2025, 5 min.), porque “cuando fui como invitada sentía que tenía que devolverle algo al certamen”. También, porque la intérprete comenzó a trabajar fuera de las Islas, “y sentía que hacer algo aquí, era una manera de acercarme más al circuito canario”.

La realidad es que su pieza es todo un ejercicio de interpretación, para reflexionar acerca de “cuántas veces tienes que repetir ese discurso que no le puedes decir a alguien nuevo que acabas de conocer”. Con mucha intensidad: “Me parecía que era importante que, cuando se habla de una misma, hay que tener mucha verdad y mucha honestidad”. Todo, para aplicarlo a un contexto plenamente actual.

Su trabajo le ha valido el Premio de interpretación del Festival de Cine de Gáldar de este año, y un recorrido con su corto por ocho festivales. “Muy bien me ha dado muchas sorpresas, cuando en principio surgió sin expectativas, porque no teníamos realmente los mejores medios técnicos en ese momento”, comenta la autora.

Fuenar, en todo caso, se ha ganado la selección en un festival, el de Las Palmas de Gran Canaria, que “es una referencia para mí desde niña, que siempre he visto como algo muy autoral, así que me ha hecho una ilusión muy grande”. Más, cuando ha empezado a dirigir desde su compañía de teatro. “Además”, añade, “cada vez trabajo más en Canarias, me estoy haciendo un hueco aquí, y que te llamen desde donde está un poco tu lugar es, bueno, genial”.

Las mayorets

Marco Arrocha y Busky Curbelo son santo y seña de la Muestra de Cine de Lanzarote, detrás de cuyas convocatorias y programación permanecen desde el inicio del evento. Los fundadores de la muestra conejera son, además, cinéfilos confesos y empedernidos, y realizadores que ahora firman Las mayorets (The Majorettes) (2025, 13 min.), un cortometraje sobre la banda punk lanzaroteña Los Mayorets.

Una pieza que se define como “un documental musical sin música”, y que se centra en explicar la escena punk conejera, concediendo esa aura de leyenda al grupo protagonista. También para definir cómo se conformó la particular historia del rock en Lanzarote, en crónicas que revelan una realidad musical no siempre bien atendida en la escena mediática de su momento.

Arrocha y Curbelo firman la dirección, el guion y la fotografía del corto, cuya producción impulsan Canarias Calling, Cine Club Lanzarote y Sancocho Webzine. Ambos realizadores suman esta pieza a una trayectoria que incluyen los cortometrajes Chuculú (2006), Crónicas del bobo (2017) y Enhebrados (2024).

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Krakatoa (2026, 79 min.) es, en su concepción, mucho más que una película. La pieza audiovisual de Carlos Casas se presenta en esta edición de Canarias Cinema dentro de su apartado de largometrajes. Pero más allá del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, y del circuito de festivales, la obra es susceptible de ser remontada como una videoinstalación con música y sonido interpretados en directo, con la impagable aportación del oscarizado Nicholas Becker. Y es que Casas propone al espectador toda una experiencia: la aventura de un marinero javanés después de una devastadora erupción volcánica que asola las islas de su océano.

La productora canaria La Banda Negra coproduce el film, junto a Filmika Galaika, la francesa MAP Productions, la británica AMI y la polaca Etnograf. Una colaboración necesaria para alumbrar una película que es simple y directa y críptica y psicodélica al mismo tiempo, y que protagoniza Roni Hensilayah, pescador sobreviviente a la última gran erupción del Krakatoa. Eso sí, con maneras de documental y un peso sonoro envolvente que convierte el trabajo de Casas en un reto a los sentidos.

Krakatoa se proyecta, en pase para jurado y público, en la Sala 4 de Cine Yelmo Las Arenas este sábado 25 de abril, a las 12:15 horas. En esa misma fecha y en la misma sala se ha programado un primer pase oficial, a las 20:35 horas. El segundo pase está fijado para el jueves 30 de abril, en la Sala 7 de los multicines, a las 12:00 horas.

Cerrar el círculo

Carlos Casas es cineasta, pero también artista visual y sonoro. Autor de largos como Hunters since the Beginning of Time (2009) o Cementery (2019), el realizador barcelonés ha dedicado a Krakatoa un completo trabajo de investigación y localización sobre el terreno, además de conseguir agregarle la interesante aportación del compositor e ingeniero de sonido francés Nicholas Becker, ganador del Oscar por su trabajo en Sound of Metal (2019) y dueño de un gran prestigio, adquirido en sus más de veinte años de carrera.

En la capital grancanaria, Casas viene a cerrar el círculo con su última obra, porque ya había estado seleccionado en el MECAS, el Mercado del Cine Casi Hecho del Festival. “Es volver con un proyecto que se alumbró aquí”, cuenta. “Así que ahora es algo muy bonito poder tener al público canario para presentar la película”.

Casas asume que “el tipo de cine que yo hago tiene un tipo de riesgo importante. Que los festivales tengan las agallas de presentarlo es relevante, sobre todo porque estamos viviendo un momento crítico en cuanto a la asistencia del público a las salas”, reflexiona, para agradecer su elección en el certamen laspalmeño. Y es que “una de las razones por las que sigo haciendo cine es para probar cómo devolver al espectador al cine”.

El volcán

A Carlos Casas la historia de la gran erupción del Krakatoa (en 1883) le ha provocado siempre una gran fascinación. La chispa definitiva que encendió sus motivaciones para emprender un proyecto de este tipo surgió cuando leyó The Tuning of the World (1977), de Murray Shepherd, en donde se describe el rugir del volcán como el sonido más fuerte que jamás la tierra había escuchado.

“La única manera de trabajar esto era atravesar la película con un efecto sensorial y un trabajo de sonido impactante”, explica Casas. “Quería transmitir esas conexiones telúricas entre el espectador y el volcán de la manera más fuerte posible”. Y ahí, “cuando la sala empieza a vibrar y la película llega a esas partes más sensoriales es, para mí, cuando empezamos a fusionarnos con el futuro en cuanto a experiencia cinematográfica se refiere”. En todo momento con imágenes impactantes, tan grandiosas que convierten el hecho cierto en algo irreal.

Conciencia climática

El film no surge exento de conciencia, en la mirada del realizador catalán. “Más en los tiempos en los que vivimos, en donde mostramos una negación total sobre esta crisis climática, en la que no nos damos por aludidos”. En su argumento, Krakatoa presenta una historia “que quizás nos podía agitar en ese sentido”.

En su conjunto, la película, “como suele pasar, es un cruce de ideas y teorías que resuenan”. Rodada en Indonesia, aunque hay también localizaciones en Islandia, la obra de Casas atribuye a Roni Hensilayah el rol de hilo conductor. “Fue una experiencia increíble poder trabajar con él”, cuenta el cineasta. El pescador fue uno de los sobrevivientes de la última erupción. “Lo conocí”, añade el director, “apenas dos semanas después de estar yo ahí para hacer el teaser y presentar el proyecto. Cuando supe de su historia, intenté contactarlo, y al final se sumó».

En ese punto, prosigue Casas, “dejamos que fuese él quien nos enseñase y reviviese su propia experiencia. Es increíble lo resilientes que son, casi como si no lo hubieran pasado. Tienen esa especie de relación simbiótica con el medio ambiente”. Y es que su protagonista, “pocos días después de esa erupción, estaba de vuelta pescando”. “Nosotros”, reflexiona, “tenemos otra visión y tendemos a proyectar ese tipo de dramatismo”.

El trabajo con Becker

Carlos Casas apunta que “desde el principio, cuando empecé con la idea, sabía que quería trabajar con Nicholas Becker, que es uno de los diseñadores más importantes de sonido del mundo, y que está en París como yo. Ya nos conocimos en un proyecto para una instalación en Shanghai. Así que ha sido un placer que estuviese: aportó sonidos de sus archivos y ambos compartimos esa fascinación por los volcanes”.

El sonido, de hecho, “es uno de los elementos que más me interesan en la producción”. También, añade Casas, que el resultado final le ofrezca “tantas modalidades de presentación, haciendo también la música y el montaje en directo. De hecho, esa es la esencia de las sesiones en vivo que estamos planteando, casi como si recreásemos cada vez de forma diferente la banda sonora. Es algo muy vivo. Y los ingredientes parten de la película, así que también es genial eso de poder deconstruirla”. Algo que ya ha sucedido en el último Festival Internacional de Cine de Rotterdam (IFFR), en donde Krakatoa se proyectó como largometraje, pero también como instalación artística.

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En 1926 vio la luz la que, hasta aquel momento, había sido la producción alemana más cara de la historia: Fausto | Faust: Eine deutsche Volkssage (108 min.). Su director, Friedich Wilhelm Murnau, tardó unos dos años en preparar el rodaje de la película que, posteriormente, se prolongaría durante nueve meses fruto de la búsqueda constante del realizador de la meticulosidad y perfección a la hora de adaptar la leyenda popular nacional a la gran pantalla. Un reto superado con éxito que convirtió el filme en un clásico del cine germano que, cien años después de su estreno, inaugurará la vigésima quinta edición del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria.

Será el próximo jueves 23 de abril cuando el legendario Fausto reviva una vez más ante la atenta mirada de los espectadores y las espectadoras que acudan a la apertura de la cita cinematográfica grancanaria que se celebrará en el Auditorio Alfredo Kraus, a partir de las 20:30 horas, con el actor Asier Etxeandia como maestro de ceremonias. La proyección, que se enmarca en el apartado «Camera Obscura», contará con el acompañamiento musical de GAF y la Estrella de la Muerte, una de las mejores bandas de rock progresivo del país.

El público interesado en asistir a la inauguración del FICLPGC podrá retirar un máximo de dos entradas por personas a partir del día 20 a través de la página web y la taquilla del Auditorio. Al igual que en ediciones anteriores, la sección dedicada al cine mudo y la música en directo dará inicio a un intenso programa de proyecciones con la reposición de una de las grandes obras maestras del pasado siglo.
Así la tildó el reconocido crítico y cineasta francés Éric Rohmer, quien dedicó su tesis de doctorado a la organización del espacio de la película, según recoge el catálogo de la edición. Y es que la reinterpretación de Murnau del clásico mito alemán pone de manifiesto su fascinante capacidad narrativa y visual marcada por la pintura y su propio bagaje teatral.

Erich Pommer produjo la película que contó con el respaldo de la Universum Film AG (UFA), que «pretendía hacer de esta versión del Fausto un monumento cultural», señala el texto.

El filme se adentra en el folclore alemán para narrar la historia de un erudito, Fausto, quien incapaz de contener con su conocimiento un devastador brote de peste, vende su alma al demonio, Mefistófeles, a cambio de poder y juventud. Gösta Ekman y el ganador del primer premio Oscar al Mejor Actor de la historia, Emil Jannings, interpretan a los personajes principales del drama que refleja la lucha entre el bien y el mal.

Murnau lo hace jugando con el espacio, la escenografía creada por Robert Herith y Walter Röhrig y una iluminación marcadamente expresionista, articulando los planos como si de una sucesión de cuadros se tratara. Tanto es así que las fotografías de la película evocan, tal y como recuerda el catálogo, a obras de Rembrandt, Caravaggio, Vermeer o Rafael, entre otros muchos artistas.

Los efectos especiales, innovadores para la época, consolidaron el título como uno de los imprescindibles del cine mudo que, además, sirvió para terminar de catapultar la exitosa carrera de su director a Hollywood, siendo esta la última película que rodó en Alemania. Con Fausto, Murnau regresará también al Festival donde otra de sus obras maestras, Nosferatu, ya inauguró la edición de 2022.

En esta ocasión, la película estará acompañada por la música en directo de GAF y la Estrella de la Muerte. Convertida en uno de los máximos exponentes de la psicodelia y de la experimentación del país, la banda tinerfeña que inició su andadura a finales de los años 90 ambientará con una creación propia la primera proyección del 25.º aniversario de la cita cinematográfica capitalina que se prolongará hasta el 3 de mayo.

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En una edición tan especial como la número 25, el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria no podía prescindir de uno de sus apartados más característicos —y sin duda el más gamberro— como sus Noches + Freak.

La sección programada por el inefable Jesús Palacios, referente del ensayo freak y el análisis del género fantástico, apuesta en esta ocasión por un cartel con fuerte acento español, en donde el largo El ritual de Lily (Manu Herrera) y los cortos Amancio, vampiro de pueblo (Alejo Ibáñez) y Pobre Marciano (Alex Rey) definen el tono de este icónico apartado de referencia para el aficionado en la capital grancanaria.

El propio Palacios ha subrayado en las últimas ediciones lo mucho que han cambiado las reglas del juego para la producción freak con la entrada en escena de las grandes plataformas y su oferta expansiva y heterogénea. De ahí que diseñar una programación para el festival demande un ejercicio de puntería y sensibilidad del que el escritor, tan de culto como las pasiones que le mueven, ha vuelto a hacer gala este año.

Terror latino

En esta ocasión, con el foco puesto en la producción española. Como así pone de manifiesto la selección de El ritual de Lily (Manu Herrera, 2025). El director y coguionista (junto a Javier Fernández Moratalla) de esta producción nacional presenta un slasher demoniaco, al que ubica en la socorrida cabaña en mitad del bosque. Toda una evocación del Evil Dead original de Sam Raimi, pero que adquiere personalidad propia gracias al pulso del realizador para conducir esta oda al género fantástico, y el despliegue de emociones fuertes que traslada a la pantalla un reparto femenino integrado por Maggie Garcia, Patricia Peñalver, Eve Ryan y Elena Gallardo.

El otro largo de la sección tiene igualmente denominación de origen latina, en la acepción más europea del término. La italiana La città proibita (2025), de Gabriele Mainetti, se presenta por Jesús Palacios como “la primera película neorrealista de artes marciales, con escenas de acción dignas de Jackie Chan, combinadas con una mirada ácida, romántica y poética a la Roma multicultural de hoy, con sus mafias y picaresca de siempre”. Una descripción que, en esencia, no hace más que alimentar el apetito de un espectador que un año tras otro cumple con la tradición de honrar el espíritu friki en el festival.

Hay que apuntar que la obra de Mainetti ya pasó por la gran cita del cine en la capital grancanaria en 2017 con They Call Me Jeeg (2016), una peculiar transformación del cine de superhéroes.

Producción española para los cortos

Jesús Palacios rescata para estas noches Amancio, vampiro de pueblo (2018) de Alejo Ibáñez, un icónico corto que eleva a esperpento freak el mito del licántropo. Esta vez, atrapado en la España vacía como regente de un bar de pueblo desierto, con más hambre que principios. O quizás no…

La programación de este apartado del festival se completa con Pobre Marciano (2025), del talentoso Alex Rey, que vuelve a hacer alarde de su sensibilidad para edificar una animación artesanal, plena de carácter, que ya ha enseñado en el festival con piezas como La increíble vacuna del Dr. Dickinson (2020). Rey muestra al espectador que llamarse Marciano Martínez Muela no es algo para nada sencillo, aunque el destino siempre resulte algo imprevisible.

En su conjunto, «Las Noches + Freak» de 2026 dan continuidad a la identidad que ha definido este cajón muy especial en el que el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria ha ido almacenando lo más irreverente y desvergonzado de la producción cinematográfica en los márgenes de la industria. Y que también ha contribuido a proyectar en el circuito de festivales el perfil de un evento, el de la capital grancanaria, con una identidad bien reconocible y respetada por cinéfilos de distinto corte.

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Canarias Cinema reivindica con fuerza el momento actual de la producción audiovisual isleña en el 25 aniversario del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, que se desarrollará del 23 de abril al 3 de mayo. El habitual apartado dedicado al cine con sello canario presenta nada menos que 18 títulos en pantalla: cuatro largometrajes y 14 cortometrajes.

La selección se vertebra a través de la fuerza de los paisajes y el medio natural y el acento en la memoria cultural, histórica y social.

Largometrajes

Para ello, Canarias Cinema muestra el desarrollo que han alcanzado cineastas canarios a la vera del festival de la capital grancanaria. Así, el director y productor tinerfeño José Ángel Alayón presenta en el evento el largometraje La Lucha (2025), en el que el paisaje majorero y la lucha canaria sustentan esta historia familiar, firmada por un autor que ha destacado por su filmografía en el certamen, con títulos como Entre perro y lobo (que produjo en 2020) o Slimane (2013), con el que ya ganó el Premio Richard Leacock al mejor largo en 2014.

Arima León es otro nombre que ha crecido en el seno del certamen de la capital grancanaria, con media docena de cortos en Canarias Cinema, desde Elektra (2018) a Koyas (2025). Tal vez (2025) es su opera prima en formato largometraje: un drama sobre la condición homosexual en los años sesenta.

La productora canaria La Banda Negra es una de las impulsoras de Krakatoa (2025), film de Carlos Casas que ya ha lucido con éxito en varios festivales del circuito. La firma isleña, detrás de la cual operan Helena Girón y Samuel M. Delgado, se ha hecho fuerte en esta década de los veinte, apareciendo en el festival con el corto Bloom (2023) y subrayando una intencionalidad mitológica en sus producciones.

Finalmente, en el apartado de largos de esta edición de Canarias Cinema concursa Por qué no escribo nada, de Isabel Fernández: un necesario documental sobre la vida de la escritora Carmen Laforet, coproducida por la firma canaria Imaco 89, que se estrena este mismo mes en el Barcelona Film Fest.

Cortometrajes

Hasta 14 cortos conforman uno de los apartados tradicionalmente más esperados en la gran cita del cine de la capital grancanaria. Firmas que han dejado su huella en esta sección vuelven a presentar una obra con una personalidad cada vez más acuciada. Es el caso de Marta Torrecilla, con Somos Islas, Fátima Luzardo, con Querido diario, o Fernando Alcántara, con Acúfeno. Octavio Guerra, con La mujer imaginada, tampoco ha querido faltar a su cita con el evento, que conoce muy bien y en el que ha destacado con trabajos como el alabado En busca del Óscar (2018).

David Delgado San Ginés es otro autor habitual de esta sección. Este año presenta Sonidos en el monte. Lo mismo que Jesús F. Cruz, que vuelve con Elles son, cruces de neón. Cayetana H. Cuyás, que mostró en 2025 su primer largo en el festival (The Prado & The Moon), estrena Escultura. Y Nayra Sanz Fuentes, que debutó en el certamen en 2009 con Anniversary, y que ha estado con varios cortos desde entonces, regresa con Cosecha.

La cubana Carla Valdés, programadora del Festival Insularia, participa en este apartado con Mariners. Y los fundadores de la Muestra de Cine de Lanzarote, Marco Arrocha y Busky Curbelo, lo hacen con Las mayorets.

Yon Bengoechea (Toma tierra) y Lucía Grimaldi (El pez rojo) adquieren esta vez más protagonismo desde el rol de la realización, en un festival que ya conocen desde otras perspectivas relacionadas con la creación audiovisual. Paula C. Ventura (documentalista) y Javi Armas (guionista y actor), por su parte, dirigen Kipuka, en torno al después en el volcán de La Palma. Finalmente, la actriz Marta Fuenar dirige el intenso Muy bien, para completar una colección de trabajos heterogéneos y que expone distintas sensibilidades en pantalla, como no puede resultar de otra forma en un apartado de estas características. Y que, en todo caso, reglan el estado de salud de la producción cinematográfica con denominación de origen canaria.

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Lo que prometía ser un descanso, se convierte en una experiencia opresiva y perturbadora. El thriller La Quinta de Silvina Schnicer (Argentina, España, Chile, Brasil, 2024, 99 min.) se estrena en Europa en el marco del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria.

En un entorno apacible que oculta tensiones profundas, La Quinta invita a observar una comunidad atrapada entre el miedo, los secretos y el peso de sus decisiones. Silvina Schnicer, directora de este drama rural donde la calma familiar se corrompe lentamente, compartió con la prensa en el Auditorio Alfredo Kraus que “el inicio de todo fueron recuerdos que tengo de pasar vacaciones con mi familia en una casa de veraneo en las afueras de Buenos Aires”.

Son recuerdos personales y personajes reales basados en su familia. Cada personaje, dijo, “nace de mí”, en el caso de la niña, de sus hermanos y de sus padres, porque su motivación cuando escribe, señaló, “es hacerlo desde recuerdos muy propios e íntimos”. Pero es cierto que, a medida que pasa el tiempo, a través de la escritura, proceso que reconoció ama, “empiezan a tomar otro lugar y se desprenden de mí en un punto y pasan a ser autónomos”. En la cinta, Rudi (Sebastián Arzeno), Silvia (Cecilia Rainero) y sus tres hijos buscan escapar de la rutina urbana refugiándose en su casa de campo. Esta quinta, “es solo un lugar de cobijo o redención en un contexto verde que ayuda a descubrir en los personajes cuestiones que quizá de otra manera no saldrían a flote”, dijo la realizadora que recalcó no le gusta “salirse del lugar donde sucede la historia”.

Los niños, explicó, “son la clave de todo, los verdaderos protagonistas”. Durante el rodaje “fuimos de la mano con ellos” porque con cada uno fue muy particular el trabajo. “Eran mundos distintos y había que trabajarlos de formas distintas”.

El tercer largometraje de la cineasta argentina, que compite en la Sección Oficial del 24 FICLPGC, aborda el miedo hacia el otro, representado en ciertos imaginarios por las clases sociales más desfavorecidas, apoyándose en el suspense y lo misterioso, aquello que no responde a la lógica racional.

Premio Especial del Jurado Marrakech 2024, además de competir en el apartado oficial del Festival Mar del Plata, la trama de La Quinta sigue a una familia que se retira a su casa de campo para pasar las vacaciones de invierno. Una historia en la que tienen mucha importancia los puntos de vista, y también lo que se oculta. Un trabajo con el suspense “para catapultar una historia hacia una ficción que coquetea con el género”, dijo la cineasta. Siempre con una mirada cargada de enigmas de manera persistente.

Diez años pasaron desde que escribió la primera versión del guion hasta que pudo rodar. Un proceso que fue muy largo, pero cuando llegó el rodaje “terminó encontrándose con la historia que quería contar”, admitió.

La coproducción con España, Chile y Brasil fue fundamental para sacar adelante el largometraje. La situación en Argentina, dijo, “está muy difícil” por lo que los países de la coproducción le ayudaron directamente a levantar la película “porque de otra manera no habría podido hacerla”. La colaboración entre países, reconoció, “es riquísima”. “Es una experiencia que te abre mundos, hace que los proyectos se potencien mucho más allá y ganes otros puntos de vista”. “Defiendo mucho esas interacciones, no solo en lo económico sino en lo cultural y profesional”, quiso enfatizar ante la prensa.

Sin ir más lejos, está intentado comenzar con la producción de una película en España. Admitió que es muy importante presentar la película en el FICLPGC porque “es un pasito” para lograr una carrera profesional en el país. En Argentina, se lamentó, “las noticias van a peor”, además del maltrato que hay al Instituto de Cine y a la cultura en general. “Hay que salir y defenderlo mucho para cuidar esa identidad que pudimos construir con tanto tiempo y trabajo, con una ley de cine que es fuertísima con mucha gente que le puso pensamiento y corazón, pero confío en la sociedad argentina”. “Lo vamos a lograr y vamos a salir adelante a pesar de todo”, remarcó.

Alianzas, apoyos y colaboraciones del 24 FICLPGC

El Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, organizado por el área de Cultura del Ayuntamiento de la capital grancanaria, a través de Promoción de la Ciudad de Las Palmas de Gran Canaria, cuenta con la ayuda pública del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), el apoyo del programa para la internacionalización de la cultura española, PICE Visitantes, de Acción Cultural Española (AC/E) y del patrocinio público de Promotur Turismo Islas Canarias.

Entre los aliados destacados del certamen se encuentran Fundación Auditorio Teatro, Cines Yelmo, Centro Comercial Las Arenas y Hotel Cristina by Tigotan, espacios que también funcionan como sedes o acogen actividades de la cita cinematográfica; además de otras instituciones y entidades como Sagulpa, Toyota, Royal Bliss, Fuze Tea, Coca Cola, Sholeo Lodge, Audiovisuales Canarias, Music Library &SFX, Blackout Films e International Bach Festival. Asimismo, su mercado, MECAS, es posible gracias al patrocinio de la Gran Canaria Film Commission-Sociedad de Promoción Económica de Gran Canaria y al apoyo de Proexca.

La Universidad de Las Palmas de Gran Canaria, la Universidad del Atlántico Medio, el Clúster Audiovisual de Canarias, Digital 104, la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA), el Festival Internacional de Cine de Cartagena, el Festival Internacional de Cine de Gijón, el Festival de Cine Independent de Barcelona, el laboratorio Tres Puertos, la ESCAC de Barcelona, Very Good Script, Freak World y Fimucité, son entidades colaboradoras.

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La Noche + Freak es la sección gamberra por excelencia del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. Un canto a lo irreverente, con notas de ciencia ficción, terror gore y muchas dosis de humor negro, que se ha convertido en toda una referencia en el circuito nacional de festivales. En la presente edición del certamen, su programador, Jesús Palacios, propone dos veladas con un plan heterogéneo, con referencias irrenunciables a los clásicos del género, pero que conserva “la capacidad de incomodar al espectador”. Toda una declaración de intenciones en un contexto en el que el propio Palacios apela a la necesidad de redefinir la cultura freak: con ingentes contenidos disponibles en plataformas, el autor de numerosos ensayos y libros como el ya clásico Psycho killers: anatomía del asesino en serie (1997), Nosferatu: el libro del centenario (2022) o el más reciente La matanza de Texas. El libro del 50 aniversario (2025), observó en la presentación de este apartado del certamen la necesidad de nuevos prescriptores “que nos guíen en todo ese maremágnum de títulos”.

Un océano de producciones de todo corte dentro del género, en el que el periodista y escritor observa que “hay muchísimas cosas interesantes”. Es de esas fuentes, a su juicio, de donde están obligados a beber hoy los programadores. Justo en ese rol, Palacios ha diseñado dos sesiones freak de calado en el Cine Yelmo Las Arenas.

La Noche + Freak 1

La primera, La Noche + Freak 1, están contemplada para este viernes 2 de mayo, a partir de las 22:15 horas, en la sala 5 de los multicines, con los cortos Helen (Helio Mira, España, 2024, 9 min.) y No hay que hablar con extraños (Imanol Ortiz López, España, 2023, 5 min.), y el largometraje Cong 21 Shi Ji an Quan Che Li (Escapando del siglo XXI) (Yang Li, China, 2024, 98 min.).

Palacios recomienda el corto animado en 3D de Helio Mira, que se sustenta en un estilo alusivo a H. P. Lovecraft, “uno de los referentes para todos los que amamos el terror”. Y subraya el valor de la pieza de Imanol Ortiz López, “en las antípodas de Helen”, como “una pincelada de realismo y terror psicológico”.

El programador, de lo previsto en esta velada, pone el acento en la novedosa Escapando del siglo XXI, “una película aclamada en los festivales fantásticos por los que ha pasado”. Y “un ejemplo de cómo la ciencia ficción está cobrando protagonismo en el cine de la nueva China”. Palacios define la obra de Yang Li como “muy arriesgada visualmente, de una forma absolutamente imaginativa”, que “incluso se atreve a dar unas pinceladas de crítica social, algo complicado en la industria del cine chino actual”. De este modo, el realizador, “utilizando ese recurso del cine más gamberro, el humor y la ciencia ficción”, consigue “algo que en una película naturalista, de corte más realista, no hubiera pasado tan desapercibido”.

La Noche + Freak 2

La Noche + Freak 2 prolongará este momento alternativo en el Festival el sábado 3 de mayo, desde las 22:00 horas, también en la sala 5 del Cine Yelmo Las Arenas. Lo hará con otros dos títulos escogidos por Palacios: el cortometraje Meat Puppet (Eros V, Reino Unido, 2024, 12 min.) y Krazy House (Steffen Haars, Flip van der Kuil, Países Bajos, 2024, 87 min).

De Meat Puppet, Jesús Palacios comenta que “es uno de los cortos de terror fantástico más divertidos que podemos ver hoy”. De esos productos freak que “en los años ochenta nos hacían vibrar a todos los amantes del terror”.

La pieza precederá la proyección de Krazy House, “probablemente el plato fuerte de este año”, en palabras del propio programador. Y, también, “una de las películas más sangrientas, radicales y gamberras que he visto en los últimos años”. Para Palacios, “este sentido del humor holandés no se caracteriza a lo mejor por su elegancia, con una absoluta carencia de buen gusto”. Incluso “podría ser ofensiva para algunas personas”. Pero, en su mirada, “ahí está gran parte de su atractivo: todavía conserva la capacidad de hacer sentir incómodo al espectador de hoy en día”. Además, con el añadido del gran Nick Frost como protagonista en pantalla, todo un personaje que cuenta con la simpatía de los aficionados a este tipo de cine.

Dónde está el nuevo cine Freak

Al margen de su elección para esta edición del Festival, Jesús Palacios confesó que “yo mismo, como programador, me encuentro cada vez con más dificultades para encontrar películas que no hayan pasado por plataformas”. Pero estas grandes firmas, agregó, “al mismo tiempo, necesitan un aluvión de producción cinematográfica de todos los géneros. Y entre ellas, de terror, fantásticas, de ciencia ficción”. Para el especialista en la contracultura, es en estos espacios “donde los verdaderos aficionados debemos poner la vista: nos queda rescatar estos títulos que en el maremágnum de toda esa oferta pasan desapercibidos”.

Palacios recordó, además, que las grandes plataformas se han convertido también en productoras, “y están cumpliendo el papel de serie B que tenían Troma, Empire o Full Moon”. También, apuntó, plataformas alternativas como Tui, Shudder, Screambox, Scout Factory, Roku o Peacock, que están dedicando buena parte de su oferta al cine freak.

En esta coyuntura, Palacios remarcó que “ahora de lo que estamos necesitados es de prescriptores culturales que nos guíen por este laberinto interminable de títulos”, porque es en estos foros “donde están los grandes nuevos directores y las nuevas grandes películas del género”.

Refundar el freak

Palacios manifestó ante los medios que “la cultura freak está muy anclada en actitudes del siglo XX”. Algo que se debe a que “el propio concepto, que originalmente es el fenómeno, el monstruo, el bicho de feria, ha perdido el sentido, se ha desvirtuado” También explicó que, en su opinión, no es válido considerarse freak por disfrutar con universos como el de la Marvel o Star Wars. Para él, “el que se sale de la norma es el auténtico freak del siglo XXI”.

Para el escritor, “nos guste o no nos guste, la producción audiovisual está hoy en las multipantallas”, y lamentó el hecho de que en la actualidad no hay medios convencionales que sigan toda esta producción. Así, anunció que asistimos en estos años a “un cambio de paradigma, como sucedió con la aparición de la televisión o luego los videoclubs. Hoy, hay que adaptarse o morir”.

Y, dentro de este panorama, Palacios observó que “lo lógico y lo deseable sería que ese papel de prescriptores se asumiera desde el mismo formato digital. Que fueran también los medios digitales los que se ocuparan de ejercer este ejercicio crítico». Sin embargo, “y por eso insisto en matar al freak”, manifestó que “sigo viendo en todos estos podcasts, youtubers… una actitud increíblemente viejuna en gente muy joven que, en lugar de estar investigando estos meandros de las plataformas y las producciones de bajo presupuesto, de lo que se ocupa es de hablar de clásicos o de criticar el fenómeno de moda”.

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Abandonar el territorio para aferrarse a una nueva supervivencia. O bien permanecer dentro de las fronteras conocidas, de las que todo el entorno quiere escapar. Los dos largometrajes que abren el apartado competitivo «Canarias Cinema» presentan los conflictos contemporáneos que debe afrontar la mujer global, germinados lejos del primer mundo, y en su condición de sostén familiar. Mariposas negras ya ha conquistado a la crítica y el público, como una pieza de autor que lleva la firma del tinerfeño David Baute: un retrato animado tan tierno como crudo de la migración climática. Sugar Island es la obra concebida y realizada por la dominicana Johanné Gómez Terrero: una ventana al universo mítico de su isla, desde la perspectiva de una adolescente al límite. Ambos títulos se proyectan este viernes, 25 de abril, en la primera jornada del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria.

Mariposas negras (2024, España-Panamá, 83 min.) está programada en la sala seis del Cine Yelmo, Las Arenas. A las 10:00 horas, en un pase para público y jurado, y a las 20:00 horas, en un primer pase para la audiencia general. David Baute estará presente en la sala siete del Yelmo unos días después, el 29 de abril, en un último pase contemplado a las 18:00 horas.

Sugar Island también se estrena este sábado en el Festival, de nuevo en la sala seis del Cine Yelmo Las Arenas. A las 12:15 horas, para público y jurado y a las 18:00 horas, en un nuevo pase. El último está fijado para las 20:00 horas del 1 de mayo, en la sala cuatro.

Mariposas negras

David Baute firmó el aplaudido Éxodo climático (2020) antes de transitar hacia sus mariposas animadas. Aquella pieza fue Espiga Verde en el Festival Internacional de Cine de Valladolid de 2021, y tuvo un destacable recorrido por festivales: un formato documental en la línea de un realizador comprometido e interesado en ahondar en la humanidad tras los procesos migratorios, que se ha terminado por convertir en el germen de su última película.

Porque eso es justo lo que aborda Mariposas negras: la odisea geográfica y personal de tres mujeres sacudidas por las agitaciones climáticas en diferentes puntos del planeta. Kenia, India y la isla de San Martín, en el Caribe, son los orígenes de las tres protagonistas de un relato dramático que pone sobre la mesa, sin ambages, la condición de refugiadas climáticas de sus familias. Una etiqueta desdeñada en sus nuevos destinos en el primer mundo, en el que las miradas de estas tres heroínas contemporáneas acompañan a la percepción que tienen sus hijos del nuevo universo que se les abre ante sí.

Mariposas negras triunfó a lo grande en la última edición de los premios Goya, obteniendo la distinción a la mejor película de animación. También consiguió el Premio Gaudí, además de coleccionar nominaciones en foros tan destacados como Sitges.

El guion de Yaiza Berrocal, la fotografía de María Pulido y la música de Diego Navarro componen un producto final dirigido con sensibilidad y pulso por Baute. La película es una producción de Ikiru Films (con la implicación de Edmon Roch), Tinglado Film (la compañía del director tinerfeño), Anangu Grup y la Corporació Catalana de Mitjans Audiovisuals, en coproducción con Tunche Films, de Panamá, y con la participación de Mogambo, RTVE, 3CAT y Radio Televisión Canaria.

El respaldo que ha tenido la producción refleja más de una década de preparación del film, tanto a la hora de encontrar historias reales como de perfilarlas en pantalla. El relato se transportó a la animación, en una escena difusa entre documental y ficción, si bien el recurso resultó enormemente efectivo para poder completar las aventuras de las protagonistas y ampliar el registro del público interesado en la obra.

La labor de Pepe Sánchez como director de animación, así como la implicación en este apartado del productor panameño César Celada, resultaron fundamentales a la hora de completar una pieza con un estilo propio, sencillo y directo, capaz de evocar la realidad de partida con un atractivo respaldado por la crítica.

Baute y Roch han trascendido sus propias fronteras limítrofes del cine con su obra. Ambos presentaron Mariposas negras en la sede central de Naciones Unidas, en Nueva York, invitados por ACNUR. El posterior recorrido de la película, que ha incluido el Festival de Annecy o el International Documentary Film Festival de Amsterdam, avalan lo oportuno de esta manera de contar verdades y su capacidad de trasladarlas a las audiencias.

Sugar Island

David Baute y su productora, Tinglado Films, tienen también un papel fundamental en el alumbramiento del segundo largo de Canarias Cinema en esta jornada del 25 de abril. Sugar Island (2024, República Dominicana-España, 90 min.) tiene, en efecto, sello canario, además del propiamente caribeño que le imprime su realizadora, Johanné Gómez Terrero.

La directora debutó con Bajo las carpas (2014), para retratar la realidad en Puerto Príncipe tras el terremoto, y exploró la marginalidad de Santo Domingo en su Caribbean Fantasy (2016), antes de presentar en su isla de azúcar una realidad entre cañas y deseos de huida hacia el Norte, que termina por padecer una adolescente embarazada. La protagonista, Makenya, que encarna Yelidá Díaz, acaba encontrando el trasfondo mágico y místico que sobrevive en la cultura criolla, al tiempo que afronta su particular drama.

Johanné Gómez Terrero es, además de cineasta, docente y activista. Formada en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, en Cuba, y en la Escuela de Cine y Audiovisual de Cataluña, sus piezas conectan con una realidad muy isleña, también con lazos emocionales con Canarias. En Sugar Island expone la explotación en la industria de la caña de azúcar, el colonialismo económico y las dificultades de la comunidad afrocaribeña. Y lo hace de forma directa y plena de conciencia.

La cineasta María Abenia firma también el guion junto a la propia Gómez Terrero, para sostener una película que llama la atención en pantalla por sus texturas y el poderío de sus colores y ambientación. Algo que habla de la calidad del trabajo en la dirección de fotografía del chileno Alván Prado, que ganó este apartado en el último Festival de Málaga. La música de Jonay Armas termina de conformar las atmósferas húmedas y calurosas del film, envolvente en su desarrollo visual.

Sugar Island es verídica por cuanto su concepción surgió como un documental, que ha derivado en una ficción más que convincente. De hecho, años atrás, el proyecto de la directora dominicana apareció bajo su original formato documental en el MiradasDoc. Su paso al largometraje más convencional le concede ahora una presencia destacada, en salas y en festivales.

Nominada a mejor película en Málaga, su presencia en «Canarias Cinema» constituye un ejemplo de la calidad de las piezas a concurso por el Premio Richard Leacock en 2025. Pero más allá de los foros en donde se proyecta, la isla de azúcar de Gómez Terrero destapa realidades de alcance y cimientos globales.

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Atención plena a la cinematografía independiente de Estados Unidos y devoción por cineastas con trazo de autor como David Lynch. Estas han sido dos de las señas de identidad del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, que celebra su edición número 24 entre el 25 de abril y el 4 de mayo. El certamen, uno de los foros de referencia en España para la producción alejada de los grandes circuitos comerciales, contará con la presencia de una figura clave en el desarrollo del cine alternativo americano durante el último medio siglo: el director de fotografía Frederick Elmes, colaborador decisivo en algunas de las películas más destacadas del desaparecido David Lynch, a quien el propio Festival rinde tributo este año con una amplia retrospectiva.

«Contar con la presencia de Frederick Elmes no es traer a un colaborador más entre los muchos que tuvo David Lynch», como hace notar Luis Miranda, director del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. Elmes fue el director de fotografía de Cabeza borradora, primer largo del Lynch, y de Terciopelo azul, «que es seguramente la película con la que Lynch se inventa a sí mismo y con la que aparece ya plenamente configurado su mundo». Y también firmó la dirección de fotografía de Corazón salvaje, «la obra visualmente más intensa, y en la que quizá Lynch demostró más a fondo esa vocación suya por pintar con la cámara, como él mismo solía declarar».

Elmes, recuerda Miranda, fue la mano derecha de Lynch, «al menos en esos tres títulos fundamentales», en una asociación con influencias recíprocas. Por otra parte, Frederick Elmes «es un artista que ya había colaborado nada menos que con John Cassavetes, por ejemplo», y que a lo largo de su carrera ha podido trabajar con cineastas con sello de autor como Jim Jarmusch o Ang Lee. «En definitiva», subraya el director del festival de la capital grancanaria, «es alguien decisivo e importante en la conformación del estilo visual de las películas: ha estado muy en el centro de lo que ha sido la historia del cine independiente americano de los últimos cuarenta años».

Miranda, ahondando en esa colaboración Lynch-Elmes, expone como resultados destacados de la intervención del director de fotografía «el mundo de pesadilla de Cabeza borradora; el contraste entre lo ingenuo de la América juvenil y lo perverso de la América de vicio y perversión en Terciopelo Azu; y la intensidad, el apasionamiento o el aire sofocante sureño que predominan en Corazón salvaje». «Sin Frederick», agrega, «todo hubiera sido distinto».

«Por supuesto», puntualiza Miranda, «en una obra como la del Lynch, el estilo visual lo marca sobre todo el propio cineasta, pero para eso necesita a alguien muy hábil y muy sabio para darle concreción. Para poder traducirlo». Así, remarca «es todo un privilegio para el festival poder tener a alguien que ha sido tan importante en la formación de un mundo cinematográfico como el de David Lynch».

Frederick Elmes

El interés de Frederick Elmes (1946, Mountain Lakes, Nueva Jersey, EE.UU.) por la fotografía se inició cuando su padre le regaló su cámara Leica. Al poco tiempo montó su propio cuarto oscuro para tener mayor control sobre las imágenes. Al transformar películas caseras en producciones de ficción, se fue convirtiendo en un ávido director de fotografía, que pronto lograría premios y reconocimientos en su etapa como estudiante.

Elmes estudió fotografía artística en el Instituto Tecnológico de Rochester y en la Casa George Eastman. Guiado por su pasión por el cine, profundizó en su formación en Bellas Artes en la Universidad de Nueva York, donde estudió con Beda Batka, un destacado director de fotografía checo. Batka le inculcó la idea de que la dirección de fotografía se basaba en usar la cámara para contar una historia.

Una beca del American Film Institute de Los Ángeles le llevó a coincidir con el joven David Lynch, con quien va a colaborar en el larguísimo rodaje de Cabeza borradora. Además, tuvo la suerte de conocer y trabajar con el gran icono del cine independiente: John Cassavetes. Estas dos primeras influencias y su gran admiración por el trabajo de Sven Nykvist, director de fotografía de Ingmar Bergman, llevaría a Elmes a embarcarse en largometrajes de ficción, documentales, películas para televisión y publicidad. Su filmografía ocupa un lugar honorífico en la historia del cine contemporáneo.

Además de su participación decisiva en tres obras maestras de Lynch y los mencionados cineastas, ha trabajado junto a Charlie Kaufmann, Todd Solondz o John Turturro, entre otros muchos nombres señalados del cine independiente americano.

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