Con el final del curso escolar concluyó también la primera experiencia de ‘Ktálisis nómada’, uno de los proyectos de arte y educación en las aulas impulsados por el DEAC del Centro de Arte La Regenta, espacio gestionado por el Gobierno autonómico, dirigidos a despertar el interés por el arte desde edades tempranas.

El alumnado del CEIP Iberia de la capital grancanaria ha trabajado durante el último trimestre con el artista Leiko, que ha incentivado la creatividad con estudiantes de segundo y tercero de Primaria, convirtiendo el patio, las aulas y los entornos naturales en laboratorio artístico.

‘Vacío total’ es el título de la propuesta arte-educativa que Leiko ha compartido en este colegio. La reutilización de material escolar en desuso y la identificación de herramientas artísticas en las aulas y en la naturaleza han sido los ejes de trabajo principales a lo largo de varias sesiones en las instalaciones del colegio.

Este itinerario pedagógico incluyó también sesiones especiales fuera del centro, siempre junto a Leiko. Entre ellas la visita a la Finca de Osorio, donde crearon una escultura efímera con piedras, leña y otros elementos de la naturaleza; y la visita de un grupo de 100 personas, entre alumnado y profesorado, a la exposición ‘ReCrea. Arte + Educación’, en el Centro de Arte La Regenta, como acto final de ‘Vacío total’.

‘Ktálisis nómada’ es la extensión regional, con fondos del Ministerio de Cultura, de ‘Ktálisis’, un proyecto que La Regenta lleva varios años realizando en Gran Canaria. A partir de septiembre serán Rafa Arocha y Roberto Perdomo quienes trabajen en centros de La Gomera y Lanzarote y, ya en 2027, se incorporarán Alicia Pardilla en El Hierro; Laura González en Tenerife; Naza Martín en La Palma; y Elodie Tchaves en Fuerteventura.

El objetivo es impulsar la experimentación y la innovación educativa a través de la cultura y el arte, fomentar las capacidades artísticas y creativas, favorecer el pensamiento crítico, la inclusión, la diversidad cultural y la participación igualitaria, entre otras metas.

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La XXII edición del Festival Atlántico Sonoro presenta una nueva propuesta cultural en el sur de la isla con la inauguración de la exposición fotográfica de Tomás Rodríguez. Esta muestra, de acceso libre para todo el público, abrirá sus puertas el próximo lunes 22 en el GF Gran Costa Adeje, donde permanecerá expuesta hasta el 6 de julio, invitando a residentes y viajeros a conectar con una narrativa visual que vincula la memoria, la identidad y la responsabilidad global.

Producido por Cauproges, el festival cuenta con el apoyo del Gobierno de Canarias —a través de Promotur Turismo Islas Canarias y el Instituto Canario de Desarrollo Cultural—, el Cabildo de La Gomera y el Ayuntamiento de Vallehermoso, en colaboración con el Ayuntamiento de Icod de los Vinos, GF Gran Costa Adeje y la Asociación Cultural Silbo Gomero.

El arte como vehículo de conciencia social

La muestra, que gira en torno a la memoria y el compromiso social, destaca por combinar el rigor informativo con la sensibilidad estética. A través de una mirada crítica sobre fenómenos culturales y sociales contemporáneos, Rodríguez utiliza la fotografía como una herramienta precisa para narrar realidades complejas y generar conciencia. Su propuesta invita al público a reflexionar sobre la profunda conexión entre la imagen y nuestra responsabilidad global, convirtiendo la exposición en una experiencia donde el arte se convierte en un vehículo de cambio social.

Fotoperiodismo con propósito

Tomás Rodríguez es un fotoperiodista y periodista cultural con una sólida trayectoria en medios de referencia como La Opinión de Tenerife. Con una metodología que combina el rigor informativo con la sensibilidad estética, su trabajo se distingue por explorar temas como la identidad, los derechos humanos y las transformaciones urbanas.

PROGRAMACIÓN XXII FESTIVAL ATLÁNTICO SONORO

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El Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria ha hecho público la tarde de este jueves 18 de junio, en el Museo Castillo de Mata, el fallo del jurado que otorga el 14.º Premio Internacional de Fotografía Ciudad de Las Palmas de Gran Canaria al fotógrafo italiano afincado en Fuerteventura Rosario Marco Incandela por su obra «Oda a Canarias, tierra de acogida». La fotografía titulada «Vínculo», firmada por el salmantino David Martín Pinto, logró el segundo premio; mientras que la instantánea «Niebla y sal», de la cántabra residente en Gran Canaria Teresa Serna Respuela, se hizo con el tercer premio.

La exposición, que se ha inaugurado hoy en la fortaleza, incluye las tres imágenes premiadas y otras 24 seleccionadas por el jurado de las 478 propuestas recibidas procedentes de diferentes comunidades autónomas, así como de Colombia, México, Brasil, Perú, Venezuela, Portugal, El Salvador o Argentina. Una muestra representativa de la pluralidad fotográfica actual que se podrá visitar hasta el 15 de septiembre, de lunes a viernes en horario de 10:00 a 14:00 horas; jueves de 17:00 a 20:00 horas y los sábados y primer domingo de mes de 11:00 a 14:00 horas.

El jurado, integrado por Mauricio del Pozo Morán, Sonsoles León Martín, Gerardo Lucas Ojeda Medina y Alberto Nieto Hernández, destaca de la obra ganadora del primer premio «su poderosa carga simbólica, por la fuerza evocadora de su imagen y su conexión con la identidad cromática de Canarias, creando una identidad viva, de libertad y permanencia». Su autor, el ingeniero Rosario Marco Incandela, es un fotógrafo emergente italiano afincado desde 2022 en Fuerteventura, donde comenzó a desarrollar su creatividad en esta disciplina a través del surf.

Sobre el segundo premio de esta décima cuarta edición del certamen, que lleva por título «Vínculo» y corresponde a David Martín Pinto, los jueces ponen en valor «la quietud del entorno y la introspección personal, creando un diálogo sobre la soledad y la contemplación del entorno natural».

En lo que respecta a «Niebla y sal», tercer premio que firma Teresa Serna Respuela, los responsables del fallo se han decantado por una obra que, según resaltan, «evoca un romanticismo nostálgico, un escenario atemporal» en el que «lo efímero de las figuras dialoga con la permanencia de la brisa, la arena y el mar».

Los tres premios de fotografía están dotados para los ganadores con 2.800, 1.200 y 500 euros, respectivamente.

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El Museo Municipal de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife inaugurará mañana, jueves 18 de junio, a las 19:00 horas, la exposición colectiva “Franz Kafka (…) así, hasta el infinito”, un proyecto impulsado por el colectivo ALBAZUL Arte con motivo del centenario de la muerte del escritor, una de las figuras más influyentes y universales de la literatura contemporánea.

A través de diferentes lenguajes plásticos y visiones personales, más de una veintena de creadores exploran algunos de los temas esenciales que atraviesan la obra del autor checo: la identidad, la transformación, la incomunicación, el laberinto de la existencia o la compleja relación entre el individuo y las estructuras de poder. El resultado es un diálogo contemporáneo con el universo kafkiano, que pone de manifiesto la vigencia de sus planteamientos y su capacidad para interpelar al espectador actual.

El alcalde de Santa Cruz, José Manuel Bermúdez, destaca la relevancia cultural de esta propuesta y señala que “esta exposición constituye un magnífico ejemplo de cómo los grandes referentes de la cultura universal siguen inspirando nuevas formas de creación y pensamiento. Santa Cruz reafirma así su compromiso con una programación cultural de calidad, capaz de conectar el patrimonio intelectual de la humanidad con la sensibilidad artística contemporánea”.

Por su parte, el concejal de Cultura, Santiago Mejías Díaz, subraya que “el proyecto de ALBAZUL Arte demuestra la capacidad del arte para generar diálogo entre disciplinas, épocas y sensibilidades diferentes. La figura de Kafka continúa siendo una herramienta extraordinaria para reflexionar sobre cuestiones que siguen plenamente vigentes en nuestra sociedad, y esta exposición ofrece al público una oportunidad única para acercarse a su legado desde múltiples perspectivas”.

La exposición toma su título de una anotación escrita por Kafka en sus diarios el 12 de junio de 1923. En ella, el escritor reflexiona sobre las dudas inherentes al acto creativo y concluye con una expresión que da nombre al proyecto: “(…) así, hasta el infinito”. Una frase que resume tanto la inquietud permanente del creador como la extraordinaria capacidad de su obra para proyectarse más allá de su tiempo.

Para ALBAZUL Arte, esta propuesta supone además un nuevo paso en su trayectoria colectiva. Desde su creación en 2023, el grupo ha desarrollado diversos proyectos expositivos basados en el intercambio de miradas y la construcción de discursos compartidos. Con esta iniciativa, el colectivo consolida su apuesta por las exposiciones temáticas como espacios de reflexión, diálogo y encuentro entre distintas disciplinas artísticas.

“Franz Kafka (…) así, hasta el infinito” reúne obras de artistas que, desde planteamientos diversos, reinterpretan la herencia literaria y conceptual del escritor praguense, construyendo una experiencia expositiva que invita a la reflexión sobre la condición humana, la incertidumbre, la transformación y los desafíos del mundo contemporáneo.

La muestra estará en las salas Pedro González y Tarquis-Robayna del Museo Municipal de Bellas Artes y permanecerá abierta al público hasta el 26 de julio de 2026.

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El Proyecto Fundación Francis Naranjo, en colaboración con la La Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Santa María de Guía, que dirige Manuel Julián Melián, presenta un nuevo ciclo expositivo en la Casa de la Cultura de Santa María de Guía, que se inaugurará el próximo sábado 20 de junio, a las 12:00 horas.

La programación reúne cuatro exposiciones: Gabinete de curiosidades para un mundo en llamas, de Cristina Déniz; Plus Ultra, de Luis Montes Rojas; Entre el hueso y la pared, de Abrahám Riverón; e Hilos fundacionales, exposición colectiva comisariada por Francis Naranjo.

En su conjunto, las propuestas plantean una reflexión crítica sobre los modos en que se construyen la memoria, la historia y los relatos de poder. Desde distintas prácticas artísticas, las exposiciones abordan cuestiones vinculadas a la colonialidad, los sistemas de representación, la violencia sobre los cuerpos, las narrativas hegemónicas y las posibilidades de imaginar nuevas formas de relación con lo vivo, el territorio y la comunidad.

En Gabinete de curiosidades para un mundo en llamas, Cristina Déniz revisita el imaginario de las antiguas cámaras de maravillas europeas para activar una mirada crítica sobre las formas de conocimiento nacidas al calor de la acumulación, la conquista y el privilegio. Sus obras, concebidas como reliquias del Antropoceno, disuelven la frontera entre lo natural y lo fabricado, invitando a repensar la relación entre el ser humano y todo aquello que ha sido históricamente instrumentalizado como objeto de dominio.

La exposición Plus Ultra, de Luis Montes Rojas, interviene uno de los símbolos centrales de la expansión imperial para cuestionar sus fundamentos. A partir de las bandas del Plus Ultra despojadas de las Columnas de Hércules, el artista propone un ejercicio de desmantelamiento de la arquitectura del poder, poniendo en crisis la monumentalidad, la soberanía expansiva y las formas en que la historia ha sido fijada en piedra, metal y relato.

Por su parte, Entre el hueso y la pared, de Abrahám Riverón, reúne una serie de trabajos desarrollados a lo largo de varios años en torno a los sistemas de representación, los mecanismos de consumo y las formas de construcción de archivo frente a las narrativas hegemónicas. La muestra se adentra en zonas de memoria silenciada, desaparición, violencia y deseo, planteando el cuerpo como archivo y como espacio de disputa frente a los procesos de abuso, borrado y dominación.

El recorrido se completa con Hilos fundacionales, exposición colectiva comisariada por Francis Naranjo, una muestra que reflexiona sobre el tejido desde la idea de práctica relacional y colectiva, donde los materiales, las memorias y los gestos construyen nuevas formas de identidad y sensibilidad. La exposición reúne obras que entienden lo textil como un espacio de cruce entre tradición y contemporaneidad, fragilidad y resistencia, cuerpo y territorio.

Con esta nueva programación, el Proyecto Fundación Francis Naranjo y el Ayuntamiento de Santa María de Guía reafirman su compromiso con la difusión del arte contemporáneo como herramienta de pensamiento crítico, encuentro cultural y reflexión sobre los procesos históricos que atraviesan nuestro presente.

Las exposiciones permanecerán abiertas al público del 20 de junio al 18 de julio de 2026 en la Casa de la Cultura de Santa María de Guía, situada en la calle Canónigo Gordillo, 22. El horario de visita será de martes a viernes, de 17:00 a 20:00 horas, y los sábados, de 11:00 a 14:00 horas. La entrada es libre.

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El día 19 de junio, a las 12:00 horas, la artista leridana Sandra March (1974), desarrolla en la sede del Centro de Artes Plásticas del Cabildo grancanario, la acción performativa denominada ‘Cuerpo a Tinta’, planteada como un gesto simbólico y metafórico de una ‘ofensiva civil’, resultante del taller que ha estado impartiendo esta semana la mencionada creadora en el Taller de Grabado que el Cabildo mantiene abierto en Tafira Alta.

Esta acción se plantea como actividad complementaria de la exposición titulada ‘Grabadores por la Paz’ que reúne la obra de unos 60 creadores y creadoras de distintas procedencias aglutinados bajo la voluntad de la grabadora canario-palestina Fátima Suleimán Afonso.

March, que crea obras y proyectos que cruzan formatos y lenguajes que se materializan en instalaciones, publicaciones, acciones y propuestas participativas, suele propiciar espacios de encuentro y de pensamiento, situando al espectador en el centro del diálogo. En esta acción performativa se pregunta qué le sucede al cuerpo cuando estalla una guerra. “En todo conflicto bélico, el cuerpo es el primer territorio que se ocupa, se transforma y se destruye; es lo que está en riesgo”, señala la artista.

En su taller ha explorado esa relación profunda entre cuerpo y guerra, a través de la creación de una publicación artística colectiva textil en la que cada participante elaborado una ‘página’. “El reto ha consistido en evitar los eslóganes o las declaraciones ideológicas y, en su lugar, elaborar una publicación de carácter reflexivo”, agrega. El proceso culmina ahora con la presentación de la publicación resultante contemplada en forma de acción performativa.

March, cuya obra indaga en el cuerpo, la biografía y la crítica social desde lo cotidiano, y con una combinación singular de humor, sensibilidad y pensamiento crítico, teje en su trabajo conexiones entre lo físico, lo simbólico y lo sensible, proponiendo espacios donde el arte no solo se contempla, sino que se piensa, se siente y se discute.

Hasta el próximo día 3 de julio podrá contemplarse la mencionada exposición ‘Grabadores por la Paz’ en la sala ubicada en el número 8 de la calle Colón del barrio de Vegueta. La muestra puede ser visitada de lunes a viernes, de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 horas. Asimismo, el Centro de Artes Plásticas ha impulsado una visita guiada a la muestra ‘Grabadores por la Paz’ que tendrá lugar el día 25 de junio, a las 19:30 horas.

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La tercera edición de la muestra ReCrea Arte+Educación llega a las salas del Centro de Arte La Regenta para mostrar al público la diversidad creativa con la que la juventud de Gran Canaria expresa su particular visión de la realidad. Fundación DISA, que mantiene una estrecha colaboración con el Instituto Canario de Desarrollo Cultural a través de diferentes proyectos, consolida esta exposición que reúne los resultados de los programas de pedagogía artística que La Regenta ha desarrollado a lo largo del curso 2025/2026, a través de los cuales el alumnado ha explorado y creado obras en fotografía, pintura, collages, instalación y vídeo. En total, han participado más de mil estudiantes de cuarenta centros de la isla.

Hoy se ha presentado esta edición de ReCrea, en un acto en el que han estado presente numerosos estudiantes que forman parte de ella. Les han acompañado el viceconsejero de Cultura del Gobierno de Canarias, Horacio Umpiérrez, y la directora de la Fundación DISA, Sara Mateos. Una cita que comenzó con la intervención musical de la big band del Colegio Alemán de Las Palmas y en la que también han estado presentes el director de La Regenta, Alejandro Vitaubet, así como profesionales del DEAC del centro y de la comunidad educativa implicada.

“Nos encontramos ante una exposición en la que el alumnado ha interactuado, intervenido e interpretado diferentes obras. Sorprende ver este público tan crítico y preparado del que podemos sentir gran orgullo”, destacó el viceconsejero. Por su parte, la representante de Fundación DISA resaltó cómo este proyecto que apoya “potencia valores como la creatividad y el espíritu crítico”.

ReCrea Arte+Educación se inaugura hoy, viernes 12 de junio, y estará abierta al público en el horario habitual del centro hasta el día 20. Durante esa semana, además, el Departamento de Educación y Acción Cultural (DEAC) de La Regenta organiza las I Jornadas de Mediación Cultural, que reunirán a profesionales del ámbito arte-educativo en torno al lema ‘Tejer lo fragmentado’. Este encuentro será el 16 de junio en horario de tarde y en él intervendrán especialistas del Museo Nacional Reina Sofía. Las jornadas se completarán los días 17 y 19 con sendas visitas comentadas para ciudadanía general y colectivos sociales.

La exposición

A través de una cuidada selección de trabajos, ReCrea Arte+Educación invita a descubrir las formas de percibir y expresar el arte de más de un millar de estudiantes, con obras realizadas en talleres inspirados en las exposiciones en sala, así como los resultados de los programas implementados en los centros educativos: proyectos fotográficos, performativos, pictóricos, collages, así como imágenes y vídeos que documentan los procesos participativos y creativos.

En su convicción del valor del arte como herramienta de transformación social, el DEAC ha trabajado este curso en torno a dos ejes vertebradores: la memoria y la visión de género. Sobre ellos han desarrollado en los centros educativos sus programas En Ruta, Ktálisis, Ktálisis nómada (reciente expansión autonómica de Ktálisis) y OBJETIVOS 21, que este año han contado con la colaboración de Gema Sánchez, Irene León, Asiria Álvarez, Leiko y Carlos Novella, integrantes de la comunidad artística local.

Por su parte, la sección dedicada a la creación artística en sala, recoge trabajos inspirados en las exposiciones Dokoupil. Pintura abstracta, Manolo Millares. Centenario e In memoriam. Juan Pedro Ayala.

Más de 30 años educando en el arte

ReCrea cumple tres años, pero tiene su origen en la histórica exposición del Premio Escolar de Pintura DEAC, que se desarrolló en La Regenta durante tres décadas. El cambio principal: primar la colaboración y el proceso creativo por encima de la competición propia de los certámenes. ReCrea no solo destaca los resultados alcanzados, sino que pone en valor el camino recorrido: la investigación, la reflexión crítica y el diálogo entre arte y educación. La muestra rinde homenaje al papel fundamental del profesorado en la mediación cultural, en colaboración con el colectivo de artistas, así como al potencial transformador del arte en el aula. Un objetivo importante para la Fundación DISA, porque promueve la educación y la cultura de forma más colaborativa y participativa.

ReCrea deja atrás la competencia para centrarse en el aprendizaje, la creatividad y el proceso, fomentando el pensamiento crítico y el trabajo conjunto entre profesorado y artistas. Además, pone en valor el papel de la educación artística como herramienta para el desarrollo personal y social, reforzando su impacto en el aula y en la comunidad.

I Jornadas de Mediación Cultural

En el marco de ReCrea, este año el DEAC La Regenta organiza los días 16, 17 y 19 de junio las I Jornadas de Mediación Cultural, en las que la accesibilidad, inclusión y el respeto a la diversidad serán protagonistas, bajo el lema ‘Tejer lo fragmentado’. Al igual que con la exposición, la Fundación DISA respalda también esta convocatoria al considerarla una iniciativa clave para promover un ecosistema cultural más justo, participativo y representativo, alienado con los principios de inclusión, diversidad y accesibilidad que guían su acción. De esta forma, La Regenta se convierte en espacio de encuentro, reflexión e intercambio de conocimientos y visibiliza prácticas que contribuyen a eliminar barreras y reconocer la pluralidad en el ámbito cultural.

El primer día, martes 16 de junio, entre las 17:00 y las 20:30 horas, será el encuentro dirigido a profesionales del ámbito arteeducativo y cultural de las islas. La inscripción es gratuita y está disponible en laregenta.org. Contará con las intervenciones de dos relevantes profesionales de esta materia, provenientes del Museo Nacional Reina Sofía: Francisco Martínez -conocido como Fran MM Cabeza de Vaca- responsable de su área educativa; y Clara López, curadora del programa EquipoDiverso, un proyecto de investigación relacionado con la accesibilidad que se desarrolla en el Museo. La sesión incluye un conversatorio general final, para el intercambio de ideas y valoraciones.

El 17 de junio las jornadas se dirigen a la ciudadanía general con la celebración, a las 19:00 horas, de GuiArte, la habitual visita dialogada para público adulto a las exposiciones, que esta vez se centran en la muestra ReCrea, con reserva gratuita de plaza disponible en laregenta.org. Las jornadas concluirán el viernes 19 de junio en horario de mañana con visitas organizadas para colectivos sociales.

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El Taller de Grabado del Cabildo grancanario acoge el día 15 de junio, entre las 11:00 y las 13:00 horas, un encuentro con la creadora leridana Sandra March (1974), en el contexto del que hablará de su proyecto artístico Perdita METABUK, un singular y heterogéneo catálogo que incluye libros de artista, ediciones limitadas, libros-objeto, experimentos impresos, juegos y fanzines peculiares.

March, cuya obra indaga en el cuerpo, la biografía y la crítica social desde lo cotidiano, y con una combinación singular de humor, sensibilidad y pensamiento crítico, teje en su trabajo conexiones entre lo físico, lo simbólico y lo sensible, proponiendo espacios donde el arte no solo se contempla, sino que se piensa, se siente y se discute.

Las publicaciones de Perdita METABUK se presentan en diferentes formatos y contienen los siguientes ingredientes: pulpa de ilustraciones, extracto de humor, ideas recicladas, colorante irónico, imágenes adulteradas, concentrado de protesta social, ácido feminista y un par de yemas de huevo. Pueden contener trazos de suplemento dominical y son ricos en participaciones. Este encuentro se plantea en el contexto del taller y performance que esta misma artista llevará a cabo el día 19 de junio con motivo de la exposición colectiva ‘Grabadores por la Paz’, que actualmente puede visitarse en el Centro de Artes Plásticas que el Cabildo grancanario mantiene abierto en el número 8 de la calle Colón del barrio de Vegueta.

Sandra March crea obras y proyectos que cruzan formatos y lenguajes, que se materializan en instalaciones, publicaciones, acciones y propuestas participativas. Su obra aspira a abrir espacios de encuentro y de pensamiento, situando al espectador en el centro del diálogo. En coherencia con su interés por los procesos colectivos y la mediación cultural, ha trabajado con artistas como Antoni Miralda (ganador del premio Velázquez 2018), fundó el colectivo artístico Virtual Room y más recientemente la Asociación Cultural SABER-TE. Ha desarrollado talleres y actividades en museos, centros educativos y universidades como en la Fundació Miró de Barcelona, el Centre d’Art la Panera de Lleida, el Ayuntamiento de La Seu d’Urgell, la Universitat de Barcelona y en el O, Miami Poetry Festival.

Sus obras forman parte de colecciones como el National Museum of Women in the Arts (Washington DC), el MACBA (Barcelona), la Fundación YAXS (Guatemala) y diversas universidades, entre ellas la de Miami, la Complutense de Madrid o la George Washington University de Washington D.C. Aparece referenciada en el libro “Cent dues artistes” de la crítica e historiadora Elina Norandi (Univers Llibres, 2022) y a recibido becas y premios como la IV Beca a la Creación Artística (Vic, 2010), el Primer Premio Francisco Pino de Poesía Experimental (Valladolid, 2013), la residencia en Pyramid Art Center (Washington DC, 2015), Writer’s Room (Miami, 2019) y Resistencias Artísticas (Valencia, 2022).

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El Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, a través del Organismo Autónomo de Cultura (OAC), inaugurará mañana jueves, 11 de junio, a las 19:00 horas, en la sala de arte García Sanabria, la exposición “Más Caras: El Testigo de los Espíritus”. Una muestra procedente de la convocatoria de Proyectos Expositivos, de la artista visual Iulia Gupalo, que explora la diversidad humana a través de máscaras inspiradas en culturas ancestrales y símbolos universales.

Este proyecto expositivo, que se podrá visitar hasta el 26 de julio, reúne obras que profundizan en la máscara como elemento espiritual, psicológico y emocional. Lejos de entenderse como un disfraz, la máscara aparece como un puente entre lo visible y lo invisible, entre la identidad pública y el mundo interior. Inspiradas en imaginarios tribales y en antiguas culturas africanas, las piezas revelan cómo lo ancestral continúa vivo en la sensibilidad contemporánea.

El alcalde de Santa Cruz de Tenerife, José Manuel Bermúdez, destaca que “esta exposición convierte el arte en un espacio de encuentro con nuestra propia memoria emocional y cultural. Además, la artista Iulia Gupalo propone una mirada contemporánea que conecta lo ancestral con las inquietudes del presente, enriqueciendo la vida cultural de nuestra ciudad”.

Por su parte, el concejal de Cultura, Santiago Díaz Mejías, señala que “la muestra invita al visitante a detenerse y observar más allá de la apariencia. Es una propuesta artística de gran fuerza simbólica, capaz de generar diálogo y reflexión sobre quiénes somos y qué mostramos al mundo”.

La muestra no plantea una representación literal de culturas concretas, sino una investigación artística sobre aquello que ocultamos cuando aprendemos a mostrarnos. Cada obra propone una reflexión directa sobre la identidad, la vulnerabilidad, el silencio y la necesidad humana de protección.

La artista, formada en Bellas Artes en Rusia y residente en Canarias desde 2013, desarrolla desde 2017 este proyecto como un lenguaje visual propio. Su trabajo combina pintura, investigación simbólica y surrealismo contemporáneo, construyendo imágenes donde conviven el mundo cotidiano y el universo espiritual.

Según explica Iulia Gupalo, “mi principal búsqueda artística es la armonía entre el mundo visible y el mundo de los espíritus, los dioses y el universo. Las máscaras representan estados interiores, emociones y memorias que muchas veces permanecen ocultas”.

Las figuras que conforman la exposición se sitúan en un espacio atemporal y simbólico. No narran historias concretas, sino que exponen estados emocionales y preguntas universales, por lo que la serie invita al espectador a reconocerse en aquello que normalmente no mira.

Con esta exposición, el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife reafirma su compromiso con la creación contemporánea y con el impulso de proyectos culturales que promueven el diálogo entre arte, identidad y diversidad cultural.

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Espacio Bronzo organiza una visita comentada a la exposición Marine Lucid Dream, que presenta obra del artista ucraniano residente en Tenerife Aleksei Bordusov, para este jueves, 11 de junio, a las 17.00 horas, con el autor de las obras. La muestra —que cuenta con pinturas, esculturas y dibujos a grafito— surge de la colaboración entre la sala lagunera y Adda Gallery Ibiza y estará disponible para el público en el 19 de la calle Núñez de la Peña hasta el próximo 26 de junio.

“Existe un estado particular que aparece cuando el mundo exterior se vuelve demasiado extraño como para confiar en él. Cuando las noticias se leen como mitología. Cuando la distancia entre el lugar donde naciste y donde ahora te encuentras se siente menos como geografía y menos como exilio, y más como el espacio entre el sueño y la vigilia: ese umbral tembloroso en el que ya no estás seguro de en qué lado del sueño te encuentras”, asegura la experta Anna Filippova, al enmarcar la exposición en el texto crítico que firma para presentarla.

El público encuentra en Marine Lucid Dream tres piezas de bronce, dos de cerámica, cuatro dibujos y varias pinturas, obras realizadas entre 2022 y 2026 en Tenerife, donde el artista ucraniano se instaló al abandonar su país tras el estallido de la guerra. “La exposición toma su nombre de ese estado liminal: lo suficientemente consciente como para saber que estás soñando, pero ya incapaz de distinguir el sueño del mundo exterior”, apunta la comisaria, Anna Dimitrova.

Las pinturas de Bordusov, sus íntimos dibujos en grafito y sus esculturas en cerámica y bronce comparten un vocabulario mitológico que ha definido su práctica durante dos décadas, pero las obras reunidas en Espacio Bronzo contienen una nueva presión atmosférica: “Tenerife no es simplemente el lugar donde se crearon: está dentro de ellas: El océano aparece tras portales arqueados. La luz volcánica satura la piel de las figuras. El paisaje se ha convertido en un personaje vivo, y las criaturas híbridas que habitan estos lienzos se mueven como si siempre hubieran pertenecido a él”, apunta Dimitrova, parafraseando a Filippova.

“Marine Lucid Dream es una exposición sobre la libertad de la conciencia dentro de un mundo que ofrece muy poca de ella. Tenerife está presente en estas obras —en su luz, su extrañeza volcánica, su ritmo oceánico— y Bordusov abraza esa presencia abiertamente. Pero el propio artista no pertenece a ninguna circunstancia. En un sueño lúcido, el soñador no solo soporta el sueño: participa en él, lo navega, permanece siendo él mismo dentro de él. Eso es lo que este cuerpo de obra encarna: una identidad mantenida, una visión perseguida, una elección tomada cada día”, subraya Filippova.

Aleksei Bordusov, conocido como Aec Interesni Kazkines, es un artista ucraniano residente en Tenerife. Su práctica abarca pintura, dibujo, escultura y muralismo y ha sido exhibida internacionalmente en Europa, América y Asia.

Espacio Bronzo

El Espacio Bronzo es un centro de referencia del arte escultórico en Tenerife; la sala da cabida también al trabajo artístico basado en instalaciones, la joyería y la artesanía. Sala de arte y tienda, es una iniciativa del taller de fundición Esculturas Bronzo, concebida como un espacio de actividad cultural dedicado a la escultura, el diseño y la joyería. La sala lagunera cumplió 13 años a finales de 2025 y se ha convertido en un punto de encuentro en el que se unen el público y los artistas plásticos que residen o trabajan en las Islas.

En paralelo a la sala, Bronzo muestra al público los objetos singulares que el taller de fundición artística elabora al aplicar la técnica escultórica no solo a piezas de arte, sino también a piezas de diseño o funcionales que lleguen a todo el público. Con este planteamiento, Bronzo presenta tanto esculturas de autor, de los muchos escultores con los que trabajan habitualmente, como series de producción limitada diseñada y elaborada por los escultores del taller. Esculturas Bronzo está formado por Francisco de Armas, Evelina Martín y Ventura Alemán, licenciados en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna.

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