Volcano Fest regresa en 2026 con su séptima edición, consolidándose como una de las propuestas culturales más singulares del archipiélago. Lo que nació como un ciclo de conciertos evoluciona este año hacia un formato expandido de 33 días de programación, integrando música en vivo, artes plásticas y fotografía contemporánea en distintos espacios de San Cristóbal de La Laguna.

El festival arranca con la exposición pictórica “Bajo el Volcán” del artista Ci.Ro. Manrique, inaugurada el pasado 4 de mayo en la Sala Drago del Ex Convento de Santo Domingo. La muestra, abierta al público hasta el 16 de mayo, plantea un diálogo entre arte y territorio a través de la fuerza simbólica del paisaje volcánico. Posteriormente, del 18 al 22 de mayo, el Centro Ciudadano El Tranvía acogerá una nueva edición de la Expográfica, centrada en la mirada de fotógrafas locales que han documentado la evolución del festival.

El núcleo musical tendrá lugar los días 8 y 9 de mayo en el Aguere Cultural, con entrada libre hasta completar aforo. El viernes 8 contará con las actuaciones de Banda Sin Nombre (Tenerife), el dúo británico WREX y los vascos Niña Coyote eta Chico Tornado. El sábado 9 será el turno de Cuarto Marginal (Gran Canaria), los franceses Dätcha Mandala y el trío madrileño Tiburona, configurando un cartel que combina talento local, nacional e internacional dentro del espectro del rock alternativo.

El 22 de mayo, el festival ofrecerá un formato más íntimo con la presentación exclusiva del proyecto Duele en la sala Bowie, donde adelantarán su primer trabajo discográfico, “Autohipnosis”, previsto para este verano.

Como principal novedad, el Volcano Fest amplía su alcance territorial con un evento de clausura el próximo 6 de junio en Las Palmas de Gran Canaria, reforzando su vocación de circuito cultural dentro de las islas. La programación se completará con una actividad adicional que será anunciada próximamente.

El Volcano Fest cuenta con el respaldo institucional del Gobierno de Canarias, el Instituto Canario de Desarrollo Cultural, el Cabildo de Tenerife y el Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna.

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La clausura de la exposición del artista grancanario Atilio Doreste en Espacio Bronzo, Materia muda, va precedida este jueves, 7 de mayo, de un acto especial, una “acción sonora” como no podía ser de otra forma con el autor, en la que la voz de Doreste se suma al sonido de Six Ensemble para hacerse cargo conjuntamente de una interpretación sonora de las piezas presentadas. Tras el concierto, la exposición estará disponible para el público hasta última hora del viernes 8 de mayo en la sala lagunera situada en el 19 de la calle Núñez de la Peña.

Materia muda en directo es un concierto que plantea una lectura expandida de la exposición de Doreste, en la que las piezas dejan de ser solo presencia material para convertirse en detonantes de escucha, resonancia e improvisación. Se activa así en la sala una relación directa entre obra plástica, cuerpo, voz, paisaje sonoro, sintetizador, guitarra y percusión, un diálogo entre materia, imagen y sonido conducido por la improvisación.

En el concierto participan el propio Doreste e integrantes de esta formación musical, en esta ocasión, José Guillén (sintetizador), Zebenzui González (guitarra) y Juan A. Miñana (percusión). Six Ensemble está vinculado a la música contemporánea, la improvisación, las partituras gráficas y otros métodos alternativos de creación sonora. En su trayectoria cuentan con proyectos con sintetizadores, guitarra, percusión, voz e instrumentos no convencionales, una práctica abierta entre composición, experimentación e improvisación.

Doreste, que también es catedrático de Pintura en la Facultad de Bellas Artes en la Universidad de La Laguna (ULL), presenta en Materia muda un trabajo elaborado en una nueva deriva de su trayectoria reciente, en la que destaca el arte sonoro, una exploración de la sonoridad y la resonancia de los materiales. En continuidad con su investigación sobre paisaje, materia y escucha, en esta ocasión, Materia muda va más allá, al continuar una investigación iniciada en el arte sonoro en la que la escucha se traslada “al color y al sabor”, de forma que se generan “cuerpos silenciosos donde la huella de la tierra, lo mineral y su transformación por el fuego permanecen como experiencia sensorial”.

“La escucha, desplazada aquí hacia lo visual y lo material, se articula también como una experiencia de sabor: una percepción lenta, densa, donde el sonido, el color y la materia comparten una misma lógica sensorial”, vinculada esta vez al mar y al tercer paisaje, concepto con el que el paisajista Gilles Clément se refería a los espacios residuales, abandonados o no explotados.

Nacido en Las Palmas de Gran Canaria en 1964, Doreste es un artista visual y sonoro; su obra se sitúa entre la pintura, la instalación y la grabación de campo y explora el límite poroso entre materia, gesto y territorio. Como catedrático de Pintura de la ULL dirige diversas plataformas experimentales: el Taller de Acciones Creativas (Arte, Naturaleza y Paisaje), el Mapa Sonoro de Canarias, el Laboratorio Editorial Canario (LEC), el laboratorio de arte sonoro Auriculab y el Auditorio 15 Sillas, espacio dedicado a prácticas basadas en la escucha.

Su práctica artística aborda el paisaje como método y como tema, lo que denomina “una poética material de la escucha” con la que convierte el caminar, el sonido y la pintura en gestos de resistencia y resonancia, en las que se fusionan el flujo del entorno en un diálogo con metodologías Fluxus y post-land art.

Entre las exposiciones individuales e instalaciones de las que se ha hecho cargo destacan las salas del CAAM, TEA, Arts Santa Mònica (Barcelona), Iklectik Gallery (Londres), Cube Moscow Art Gallery, y el Centro Cultural de España en México, entre otras. Sus trabajos sonoros han sido retransmitidos en programas internacionales y publicados en sellos como La Escucha Atenta, Audiotalaia, Mute Sound Records, Very Quiet Records, Green Field Recordings, Sonic Terrain, entre otros; así como en eventos y residencias como Eufònic (Tarragona), Fylkingen y EMS (Estocolmo), Sound Diaries (Oxford), Sonic Waterloo (Londres), Spread Spectrum Festival (Moscú), Scarpia (Córdoba) y Paesaggi Migranti (Pennabilli, Italia).

Espacio Bronzo

El Espacio Bronzo es un centro de referencia del arte escultórico en Tenerife; la sala da cabida también al trabajo artístico basado en instalaciones, la joyería y la artesanía. Sala de arte y tienda, es una iniciativa del taller de fundición Esculturas Bronzo, concebida como un espacio de actividad cultural dedicado a la escultura, el diseño y la joyería. La sala lagunera cumplió 13 años a finales de 2025 y se ha convertido en un punto de encuentro en el que se unen el público y los artistas plásticos que residen o trabajan en las Islas.

En paralelo a la sala, Bronzo muestra al público los objetos singulares que el taller de fundición artística elabora al aplicar la técnica escultórica no solo a piezas de arte, sino también a piezas de diseño o funcionales que lleguen a todo el público. Con este planteamiento, Bronzo presenta tanto esculturas de autor, de los muchos escultores con los que trabajan habitualmente, como series de producción limitada diseñada y elaborada por los escultores del taller. Esculturas Bronzo está formado por Francisco de Armas, Evelina Martín y Ventura Alemán, licenciados en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna.

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La Casa de Colón desarrolla una programación de actividades en torno a la exposición temporal ‘Alma de nácar. Enconchados, la luz de México’, una muestra que pone en valor una singular técnica artística del periodo novohispano y que puede visitarse en el museo hasta el 28 de junio.

La primera de las propuestas será el taller familiar ‘Los viajes del nácar’, que tendrá lugar el sábado 9 de mayo, en horario de 11:00 a 13:00 horas. Esta actividad está dirigida a familias con niños y niñas y propone un acercamiento creativo y sensorial al universo del nácar, un material orgánico de origen marino con una larga tradición en la historia del arte.

El taller invita a descubrir el fascinante recorrido del nácar a través del espacio y el tiempo, conectando territorios como Japón, Filipinas y México a través del histórico Galeón de Manila, que durante más de dos siglos surcó el océano Pacífico. Estas rutas no solo facilitaron el intercambio comercial, sino también el tránsito de técnicas, estéticas y formas de entender la creación artística entre distintas culturas.

A partir de este relato histórico, las familias participantes podrán experimentar con conchas marinas y materiales diversos, explorando texturas, brillos y composiciones. La actividad propone así un espacio de creación en el que pequeños y mayores elaborarán piezas artísticas inspiradas en el nácar, fomentando la imaginación y el aprendizaje a través del juego.

Por otra parte, el miércoles 27 de mayo, a las 19:00 horas, tendrá lugar una visita guiada a la exposición ‘Alma de nácar. Enconchados, la luz de México’, a cargo de Ramón Gil Romero y Francisco Javier Pueyo Abril, conservadores de la Casa de Colón y del Servicio de Museos del Cabildo de Gran Canaria.

La muestra se centra en los enconchados mexicanos, una técnica artística singular que combina pintura al óleo con la incrustación de finas piezas de nácar pulido sobre tablas de madera. El resultado es una superficie pictórica en la que el brillo irisado de las conchas emerge entre veladuras y capas de color, generando efectos lumínicos característicos.

Estas obras se inscriben en el contexto del arte novohispano, fruto del encuentro entre tradiciones europeas, influencias asiáticas y aportaciones indígenas, en un escenario de intenso mestizaje cultural. En este marco, los enconchados representan una de las expresiones más refinadas de la producción artística colonial, tanto por su complejidad técnica como por su carga simbólica.

La visita guiada permitirá profundizar en estos aspectos, así como en el valor histórico, estético y cultural de las piezas expuestas, que reflejan el papel del nácar como elemento asociado a la luz, el prestigio y lo sagrado en el imaginario artístico de la época.

La exposición puede visitarse hasta el 28 de junio, en horario de lunes a sábado de 10:00 a 18:00 horas, y domingos y festivos de 10:00 a 15:00 horas. Ambas actividades son gratuitas y cuentan con aforo limitado.

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Autorretrato Tomás Rodríguez

Los Festivales Encuentros en el MAL, Encuentros en el MAR y Atlántico Sonoro en este 2026 han propuesto una mirada analítica sobre el paisaje y la biodiversidad de las islas. Dos fotógrafos, Tomás Rodríguez y Jesús Rodríguez Falcón han sido los encargados de prestar su perspectiva sobre algunos aspectos de la naturaleza canaria para que, en el marco de estos Festivales y en diferentes espacios -académico, local, turístico- se genere un espacio de análisis crítico sobre nuestro entorno. Todo ello bajo el filtro de la fotografía como común denominador.

En Encuentros en el MAL, en la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de La Laguna, y luego en el  exconvento de San Francisco de Icod de los Vinos a partir del lunes 11 de mayo, para finalizar en el Hotel Gran Costa Adeje de GF Hoteles en los meses de julio y agosto, el fotoperiodista Tomás Rodríguez ha desarrollado una muestra de su obra digna de un análisis detallado. El fotógrafo, natural de Icod de los Vinos, ha querido compartir con Creativa Canaria algunos aspectos clave de este proceso.

Encuentros en el MAL ha acogido una exposición tuya sobre paisaje, biodiversidad y turismo en sus actividades de esta edición 2026, la cual itinerará también en el Festival Encuentros en el MAR, tanto en Icod de los Vinos en mayo, como en el sur de la isla en los siguientes meses. Te reencuentras con un escaparate donde enseñar tu trabajo, ¿estás contento con el resultado de esta colección de imágenes?

En primer lugar me gustaría agradecer a la organización del festival por haberse fijado en mi trabajo, estoy contentísimo, esta serie de imágenes son el fruto de momentos disfrutones que he coleccionando en los últimos 7 años, unas pertenecen a proyectos personales, otras a otros trabajos. Deseo enormemente que el público que la visite pueda recrease con ellas.

Foto: Tomás Rodríguez

Durante mucho tiempo fuiste fotógrafo de prensa en La Opinión de Tenerife, habrás apretado millones de veces el disparador de tu cámara en situaciones muy diferentes: ruedas de prensa, manifestaciones, obras, accidentes, llegadas en patera… ahora nos propones una visión más pausada de imágenes que versan sobre tranquilidad, cielos, y plantas ¿cuál es tu intención con esta muestra?

He de decir que aunque la fotografía documental me guste, mi estilo está más cerca de lo creativo que de la fotografía social en sí, últimamente con un carácter más crítico y reflexivo que artístico. Cuando me propusieron este proyecto pensé en generar la serie desde cero, con una idea concreta (idea que no descarto hacer), pero luego me di cuenta que tenía archivo de sobra con la temática sugerida, muchas de ellas inéditas.

Mi intención va más allá de mostrar mi manera de ver, es un grito de atención ante la creciente oleada de imágenes “tipo” o postales, esa colección de fotografías sin alma ni sentido que tanto gusta a las generaciones nuevas almacenar en sus móviles y en sus redes por el simple hecho de anunciar que ha estado en ese lugar. Vagan zombies de sitio en sitio, marcando dónde han estado, sin disfrutar de ellos, de su luz, de su riqueza visual y de su magia. Llegan… fotomovil y se van. Yo siento la necesidad de PARAR , OBSERVAR Y DISFRUTAR con lo que veo y quizás la primera vez que voy no saco fotos, pero en las siguientes, que no serán pocas si me gusta el lugar, saco la cámara cuando doy con el momento que más me gusta. Repito y repito en busca de esos momentos disfrutones. Nunca se repite las mismas condiciones, luz, colores, personas…

Últimamente y de manera natural me da por fotografiar a las personas fotografiándose en esos lugares, inconscientemente o desde el subconsciente. Recuerdo una anécdota con el grandísimo Paco Cansino, en paz descanse, subdirector de La Opinión de Tenerife: no creo que llevase más de dos semanas trabajando y al llegar a la redacción después de una jornada me llamó a su despacho y me gritó «¡¡¡Tomásssss!!!, ¿dónde está el elemento humano en tús fotografías?, aquí eres fotógrafo de prensa, no artista». Gracias Paco.

¿Qué tienen las islas oculto tras la cara del turismo y de las calles llenas de bares y las ciudades?

La verdad que oculto, lo que es oculto, no hay nada, solo hay que saber pararse en el lugar adecuado, quizás en el momento preciso. Muchas veces por instinto, otras por casualidad, pero tienen colores, tienen luz y olores. Tienen calor y frío en pocos metros, tienen formas orgánicas, geométricas. Para los fotógrafos es un paraíso poder fotografiar en una reserva de la Biosfera como la de Anaga con sus pijaras, fayal-brezal, una selva subtropical tan verde gracias a los Alisios y en una hora y media estar fotografiando coladas, tajinastes o su violeta en el parque nacional del Teide y esperar a la noche para no perder detalle de la Vía Láctea y el resto de estrellas.

¿Se puede ver la isla desde otra perspectiva?

Por supuesto, #12teides es uno de mis últimos proyectos personales, que aún sigue abierto y al que recurro cuando necesito desconectar, se ha convertido en mi proyecto de vida, recuerdo en mis primeros años de estudiante lagunero que a la pregunta de un conocido sobre ¿qué echaba más de menos viviendo en La Laguna? Mi respuesta fue: ver el Teide. Lo he fotografiado desde lugares donde nunca lo había visto, descubriendo rincones de la isla espectaculares. Un trabajo de exploración ya no solo externa sino interna, lo empecé después de un largo parón fotográfico (casi 17 años) con la idea de reencontrarme con la fotografía y conmigo, a modo de terapia.

Caminar por lugares fuera de ese circuito que han generado las redes sociales hace que te encuentres muchas veces con experiencias visuales muy positivas. La isla es más bonita desde la tranquilidad y la calma, les recomiendo perderse, con hora de salida, pero no de llegada, transitar por caminos nuevos, sin rumbo definido, mi compañera y yo los llamamos días “de sea donde sea”. Invito a todos a realizar ese ejercicio de exploración, pero sin prisas. Huyendo de las zonas ya masificadas, siempre les digo a mis alumnos que las cosas suelen verse mejor cambiando la forma de mirarlas.

¿Crees que los visitantes que vienen a Tenerife, y a Canarias en general, se llevan una imagen genuina de las islas o solamente -y forzados por el mercado- una imagen estereotipada de postal?

Me gustaría decirte que sí, pero en realidad ven una imagen previa, condicionada por falsos “influencer” que muestran lugares edulcorados cambiando la realidad por una ficción parcial que no se corresponde con la que se encuentra al llegar. Cada persona en base a sus conocimientos, vivencias y experiencias ven la realidad de una manera que pocas veces será igual a la de otra, pero si hablamos en términos actuales tengo que decir que me horroriza ver cómo los jóvenes y los no tan jóvenes adoptan la creciente moda de coleccionar lugares instagrameables (hasta me estremece pronunciarlo) recorriendo la isla de punto a punto, haciendo cola en los lugares donde todo el mundo se toma la misma foto. Entiendo que el turismo sea uno de los principales motores económicos de la isla, pero desde las instituciones no se está haciendo por diversificar y potenciar actividades que generen un mayor impacto en la imagen que se está dando al exterior. En mis viajes huyo de los lugares programados que “hay que ver”, no pido consejo a nadie de lo que puedo visitar, me gusta descubrir sin rumbo y perderme para encontrar. Cada vez más rebelde con las personas que te dicen lo que tienes que ver y visitar en cada destino. Soy más de andar sin un camino definido y que me sorprenda lo que descubro. Muchas veces abro el google map y busco localizaciones al azar guiado por sensaciones, me muevo más por esas sensaciones que por lo que me dice la gente y tengo una manía que se ha convertido casi en ritual y es que cuando visito lugares “turísticos” me fijo muchísimo en las postales de las tiendas de Souvenir para confirmar que mis fotografías no son estereotipadas. Sé que es posible un turismo más concienciado y diverso, lejos del todo incluido, del sol y playa. Lamentablemente las instituciones y lobbies hoteleros no permiten el cambio.

Y los locales, las personas que vivimos aquí ¿interpretamos lo que tenemos alrededor? o ¿solamente vemos tópicos e imágenes repetidas?

El local vive en una hartura constante, colas, masificación y un trato preferente al turista, este último justificándolo con un discurso sin sentido sobre el turismo como motor económico de las islas. El local ha normalizado la belleza de la isla hasta el punto de ignorarla a diario.

¿Recomiendas salir a cazar imágenes ¿qué se necesita para ver más allá de lo habitual?

Más que recomendar lo veo casi una necesidad, pero no tanto a cazar imágenes como a disfrutar de nuestra isla. Salir a descubrir, con calma, sin limitaciones de tiempo. Enseñar al turista que otra imagen de la isla es posible, cambiando los lugares masificados por otros no tanto, buscando el equilibrio. Yo cambio Masca por la Reserva Natural del Chinyero, Chipeque por el risco de Ayeza, la punta de Teno por el faro de La Punta del Hidalgo y la ermita de San Juan, los Roques de Garcia por las vista de los Altos de Guajara. Las Teresitas por la playa de San Marcos.

Tomás Rodríguez y Jesús Rodríguez Falcón presentan la colectiva Imago Naturae Macaronesicae a partir del 11 de mayo en el exconvento de San Francisco de Icod de los Vinos, dentro de la programación del XXII Festival Encuentros en el MAR.

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La Casa-Museo Tomás Morales de Moya acoge la exposición ‘Alonso Quesada. Una inspiración para la Escuela Luján Pérez’, una propuesta artística colectiva que rinde homenaje al poeta modernista Alonso Quesada (Rafael Romero) con motivo del centenario de su fallecimiento, conmemorado en 2025.

La inauguración tendrá lugar el día 7 de mayo, a las 19:00 horas, e incluirá la presentación del catálogo editado con motivo de la muestra. Se podrá visitar hasta el domingo 6 de septiembre de 2026.

La exposición reúne un total de veintidós piezas creadas por artistas vinculados a la Escuela Luján Pérez a partir de la obra El lino de los sueños (1915), uno de los textos más representativos del autor. A través de disciplinas como la pintura, la escultura y el grabado, los participantes reinterpretan el universo poético de Quesada, trasladando al lenguaje plástico sus imágenes, símbolos y preocupaciones, en un ejercicio de diálogo entre literatura y artes visuales.

Esta iniciativa da continuidad al proyecto desarrollado en 2025 por la Escuela Luján Pérez para conmemorar el centenario del fallecimiento del escritor, consolidando así una línea de trabajo que subraya la vigencia de su legado.

La relación entre Alonso Quesada y esta institución artística se remonta a sus orígenes, a través de los vínculos que mantuvo con sus fundadores, Domingo Doreste (Fray Lesco) y Juan Carló, así como con otros destacados representantes de la cultura canaria de su tiempo, como Tomás Morales, Saulo Torón o Claudio de la Torre. Su participación en tertulias artísticas celebradas en la escuela contribuyó a afianzar un espacio de intercambio intelectual que marcaría a generaciones posteriores de creadores.

La propuesta pone de relieve no solo la dimensión literaria de Quesada, sino también su sensibilidad hacia otras disciplinas artísticas como la pintura, la música o el cine, aspectos menos conocidos de su trayectoria.

En este contexto, las obras presentadas construyen un recorrido en el que conceptos recurrentes en su producción –como el silencio, la muerte, el mar, la soledad, la luz o el paso del tiempo– se traducen en composiciones visuales cargadas de simbolismo. Colores, texturas, volúmenes y trazos se conjugan así para evocar los paisajes emocionales del autor y establecer nuevas lecturas contemporáneas de su obra.

Tal y como señala la profesora de Historia del Arte de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria, Estefanía Arencibia Cancio, en el texto incluido en el catálogo esta propuesta colectiva responde a la idea de la unidad de las artes defendida por la propia Escuela Luján Pérez, donde las distintas disciplinas confluyen en un mismo impulso creativo, diferenciándose únicamente por sus medios de expresión.

En este sentido, el proyecto se configura como un espacio de encuentro entre tradición y contemporaneidad, en el que la literatura se proyecta sobre el lenguaje visual.

La dirección técnica de la muestra corre a cargo del director de la Escuela Luján Pérez, Orlando Hernández. Participan los artistas Brigitta Edenborg, Susana Pérez, Alby Guerra, Rosa Felipe, Juan Báez, Salvador Sánchez, Claudia Díaz, Gema Sánchez, Carmelo García, María Luisa Tray, Juan Guillermo Manrique, Manuel García, Sara Delisau, Davide Abbati, José Requelme, Juan Cabrero, Alejandro Stock, Juan Cabrera, Yolanda Pérez, Francisco Ramírez, Mar Guillén y Orlando Hernández.

La iniciativa se acompaña de un catálogo editado por el Departamento de Ediciones del Cabildo de Gran Canaria, que incluye el citado texto de la profesora Arencibia Cancio, elaborado específicamente para este proyecto.

‘Alonso Quesada. Una inspiración para la Escuela Luján Pérez’ invita al visitante a redescubrir la figura del escritor desde una perspectiva actual, en la que sus versos vuelven a habitar espacios reconocibles del paisaje insular –la ciudad, el puerto, la costa o los ámbitos domésticos– a través de la mirada de los creadores contemporáneos.

La propuesta podrá visitarse de martes a domingo, en horario de 10:00 a 18:00 horas. La entrada es gratuita hasta completar aforo.

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La Fundación Cristino de Vera–Espacio Cultural CajaCanarias ha presentado hoy, viernes, en su sede de la calle San Agustín, 18, en La Laguna, la exposición Ramón Gaya. La realidad salvada. La muestra reúne veinticuatro obras realizadas por el artista entre 1923 y 2003, además de una selección de sus publicaciones. Podrá visitarse hasta el próximo 25 de julio, de martes a viernes en horario de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 horas, y los sábados de 10:00 a 14:00 horas.

En el acto de inauguración intervinieron Juan Manuel Bonet, poeta y crítico de arte; Rafael Fuster, comisario de la muestra y director del Museo Ramón Gaya; y Humberto Orán, presidente de la Fundación CajaCanarias.

Humberto Orán abrió la presentación de Ramón Gaya. La realidad salvada señalando que Gaya es una de las figuras más relevantes de la pintura española del siglo XX, reconocido como un creador fundamental para comprender el arte como forma de pensamiento, sensibilidad y fidelidad a la tradición.

Durante su intervención, el presidente destacó que este proyecto se desarrolla en colaboración con el Museo Ramón Gaya y se enmarca en la Red de Museos Unipersonales, una iniciativa impulsada desde Murcia para fomentar la cooperación entre instituciones dedicadas a un único creador. Subrayó también el valor singular de la muestra al establecer un diálogo entre las obras de Ramón Gaya y Cristino de Vera, dos artistas que, desde trayectorias distintas, comparten una concepción del arte basada en la contemplación, el silencio y la introspección.

Asimismo, Orán recordó que esta iniciativa posee un significado especial para la Fundación, ya que fue concebida en vida de Cristino de Vera, quien conoció y respaldó expresamente la propuesta. Este hecho, señaló, confiere a la exposición un valor añadido como testimonio de afinidad artística y espiritual, en cuyo desarrollo ha sido también fundamental la colaboración de Isabel Verdejo, viuda de Ramón Gaya.

Por último, anunció que, con el objetivo de difundir la obra de Ramón Gaya, se ha organizado un amplio programa de actividades paralelas dirigido a todos los públicos. Entre ellas, destacó el diálogo que tendrá lugar esta misma tarde, viernes 24 de abril, a las 19:00 horas, en el que participarán Rafael Fuster y Juan Manuel Bonet. Este encuentro ofrecerá al público la oportunidad de acercarse, desde una perspectiva experta, a las claves de la obra y el pensamiento del artista.

Por su parte, Juan Manuel Bonet, quien desempeñó un papel clave en la proyección de la candidatura de Ramón Gaya al Premio Velázquez en 2002, ofreció un recorrido por la trayectoria vital y artística del creador, contextualizando su obra en su tiempo y subrayando la vigencia de su legado. Señaló que conoció al artista en la década de 1980, cuando ya había regresado del exilio —primero en México y después en Roma— y era una figura a la que “se le había prestado poca atención, no solo por su exilio, sino también por haber cultivado una pintura figurativa en un momento dominado por la abstracción”. Añadió que “los jóvenes de aquella época veíamos en él un referente que enlazaba con Juan Ramón Jiménez, Luis Cernuda, Bergamín o María Zambrano, nombres que también han interesado profundamente a Cristino de Vera”.

Posteriormente, ya en sala, destacó dos xilografías vanguardistas realizadas por Gaya a una edad muy temprana en el taller de su padre, donde se reunían artistas murcianos como Pedro Flores y Luis Garay, con quienes viajaría más tarde a París con apenas 17 años. “Allí expuso en la galería Quatre Chemins y adoptó una postura crítica frente a las vanguardias, orientando su obra hacia un diálogo profundo con la tradición pictórica”, explicó.

El comisario de la muestra, Rafael Fuster, inició su intervención señalando que tanto Ramón Gaya como Cristino de Vera pueden considerarse embajadores de sus respectivas tierras, y que ambos han contribuido con un legado artístico y cultural de gran relevancia. En relación con Gaya, destacó que creció en un entorno familiar marcado por la pérdida temprana de su hermano mayor y que, siendo muy joven, abandonó la escuela para dedicarse a la pintura, combinando su aprendizaje como litógrafo con una formación en gran parte autodidacta, nutrida por lecturas de Tolstói, Nietzsche o Galdós.

Fuster subrayó que Gaya entró pronto en contacto con el ambiente intelectual de la Generación del 27 y que, a partir de 1932, participó en las Misiones Pedagógicas, llevando copias de obras maestras por distintas localidades españolas, hasta llegar a dirigir el Museo Circulante. “La tragedia volvió a marcar su vida en 1939, cuando su esposa murió durante el bombardeo de Figueres”, recordó. Ese mismo año emprendió el camino del exilio tras cruzar los Pirineos, pasar por el campo de Saint-Cyprien y embarcar rumbo a México en el Sinaia.

Asimismo, señaló que el exilio mexicano (1939–1956) fue un periodo de intensa producción artística y literaria. Allí desarrolló series como los Homenajes a los grandes pintores y paisajes de Chapultepec y Cuernavaca, al tiempo que colaboraba en revistas como Taller y El Hijo Pródigo. En ese contexto, mantuvo estrechas relaciones con figuras clave de la cultura hispanoamericana, como Octavio Paz, Elena Garro o Xavier Villaurrutia, consolidando una red intelectual que enriqueció su pensamiento y su obra.

Por último, el comisario destacó la etapa de madurez de Gaya, comprendida desde finales de los años setenta hasta su fallecimiento en 2005, un periodo marcado por el reconocimiento institucional y la consolidación de su legado. Pese a las adversidades sufridas a lo largo de su vida, su pintura no refleja ese dolor, sino una mirada serena y profundamente fiel a la esencia de la tradición artística.

Obra expuesta

Entre las piezas expuestas destaca La silla (1923), primer óleo conservado del artista, realizado con tan solo doce años. En esta obra temprana ya se revela una de las constantes de su pensamiento: la identificación entre el espacio doméstico y el creativo. Para Gaya, la casa y el estudio forman una misma realidad, alejada de cualquier concepción técnica o académica del taller, entendido más como un lugar vivido que como un laboratorio.

Esta dimensión existencial de la pintura se acentúa en La cinta, realizada tras su llegada a México en 1939, en pleno exilio. Marcado por la pérdida de su esposa y la separación de su hija, Gaya atraviesa un periodo de profundo aislamiento emocional. Sin embargo, lejos de dejarse influir por el entorno artístico mexicano, se mantiene fiel a su propio lenguaje, retomando la pintura como una forma de resistencia interior y de afirmación personal en medio de la adversidad.

El retrato de Alicia Gaya constituye uno de los núcleos más conmovedores de esta selección. La obra recoge el reencuentro entre padre e hija tras trece años de separación, consecuencia directa de la Guerra Civil Española y el exilio. Alicia, hija de Gaya y de Fe Sanz —fallecida en un bombardeo en 1939—, creció lejos de su padre, bajo el cuidado del matrimonio Hall. Este retrato no solo reconstruye un vínculo afectivo, sino que encierra una historia marcada por la pérdida, la distancia y la memoria, convirtiendo la pintura en un espacio de recuperación emocional.

A esta dimensión introspectiva se suma Autorretrato con geranio, una obra en la que Gaya aborda el tema del espejo, recurrente en la historia del arte. A lo largo de su vida, el pintor recurrió a este elemento como herramienta de observación y reflexión, estableciendo además una sugerente diferencia entre la imagen reflejada en el espejo —precisa pero distante— y la que se forma en el agua, que para él posee una cualidad más viva y orgánica. Realizado a los 72 años en su casa de Valencia, este autorretrato no solo muestra al artista, sino que propone una meditación sobre la representación, la identidad y la percepción.

Finalmente, La acequia remite al regreso de Gaya a Murcia, su lugar de origen, tras un largo exilio. En esta obra se hace visible la compleja relación del artista con el paisaje de su infancia: un vínculo atravesado tanto por la atracción como por el dolor ante su transformación. Durante sus estancias en la ciudad en los años setenta, Gaya vuelve a pintar estos espacios, aunque con la sensación de que han perdido parte de su esencia, convirtiéndose así en escenarios de memoria y nostalgia.

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El uso del arte urbano como herramienta de regeneración de un barrio no es un fenómeno aislado: ciudades de todo el mundo han desarrollado proyectos similares con resultados positivos. Con esta perspectiva, el Gobierno de Canarias impulsa el proyecto ‘ArenArte’, una propuesta de transformación urbana en el emblemático barrio de Arenales, en Las Palmas de Gran Canaria, que apuesta por la intervención artística en fachadas tradicionales deterioradas a través del trabajo de reconocidos artistas urbanos.

La realización de este proyecto responde al compromiso del ejecutivo con las asociaciones de vecinos del barrio, a través de la gestión de la Viceconsejería de Cultura y Patrimonio Cultural.

Primera intervención

La primera actuación se ha llevado a cabo en la calle Arco, donde ya luce el diseño de Capi Cabrera. Inspirado en referentes del arte canario del siglo XX como Jane Millares, César Manrique y Jorge Oramas, el artista propone un mural que reinterpreta el territorio desde una mirada contemporánea. “He intentado integrar la geometría y la paleta de colores más habitual de Canarias, así como los alfabetos visuales que encuentro en la calle”, señala.

Esta propuesta surge como una respuesta innovadora a los problemas del barrio, que han afectado tanto a la calidad de vida de sus habitantes como a la actividad comercial de la zona.
Ante esta realidad, ‘ArenArte’ se plantea como una estrategia de intervención cultural y social, apostando por el arte urbano como motor de transformación. La iniciativa busca dotar al barrio de un nuevo atractivo visual y simbólico, convirtiéndolo en un referente cultural, turístico y comercial dentro de la ciudad.

Durante los próximos meses, se podrán ver nuevas intervenciones que darán color a este barrio capitalino.

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La sede de la Fundación Canaria Nanino Díaz Cutillas en Ingenio inaugura el día 23 de abril, a las 18:00 horas, la exposición de Edward Bowness, ‘Ingenio vista desde el arte’, en la que el citado ilustrador británico afincado en Gran Canaria, celebra la esencia y el encanto del citado municipio a través del arte gráfico.

Con su trazo delicado y expresivo, Bowness captura plazas, calles y detalles cotidianos, invitando al espectador a redescubrir la belleza de lo cercano. Cada ilustración es un homenaje a la identidad local y a los pequeños tesoros urbanos que conforman la memoria y el carácter de Ingenio.

Edward John Bowness, originario de Nottingham (Inglaterra), es un artista afincado en Gran Canaria con experiencia en ilustración editorial. En su obra destaca su enfoque periodístico, basado en la investigación y la observación.

Interpreta los lugares como entidades vivas, explorando la relación entre arquitectura, naturaleza y emoción, influido por la historia y la cultura local. Esta exposición, inspirada en Ingenio, aborda temas de preservación, identidad cultural y renacimiento, reflejando tradiciones como la caña de azúcar, el encaje y las artes.

Trabaja con acuarela, tinta y procesos digitales, utilizando la textura y la experimentación como herramientas. Aunque a veces su obra es satírica y lúdica, en esta serie adopta un tono más reflexivo. Invita al espectador a interpretar libremente y conectar con su propia visión.

La programación de la Fundación Canaria Nanino Díaz Cutillas se desarrollará a lo largo de 2026 con carácter regular en su sede, cuyo edificio cedió hace unos años el Ayuntamiento de Ingenio a la Corporación insular y que fue inaugurado en 2020 en la histórica Casa del Obispo ubicada en la zona de El Toril.

La fundación dedicada al legado de Nanino Díaz Cutillas es una casona del siglo XV que fue antigua sede episcopal y lugar de residencia del primer obispo de la Isla, Don Diego de Muro, que acoge todo el material que atesora el rico legado del popular etnógrafo y periodista canario fallecido en 1988. Cabe recordar que en 2007 el Cabildo de Gran Canaria constituyó la Fundación con la finalidad de potenciar el conocimiento de las tradiciones canarias desde la conservación, catalogación y custodia de la obra y el legado artístico e intelectual del popular periodista y folclorista. El trabajo de su inventario ha permitido hasta la fecha registrar más de 4.000 objetos de diversa naturaleza, que constituyen el grueso del fondo de la colección.

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La Casa de Colón acoge el 23 de abril, a las 19:00 horas, la presentación del libro ‘Fachico. El legado fotográfico de Francisco Rojas Fariña’, una publicación editada por Ediciones Remotas con motivo del centenario del nacimiento de Francisco Rojas Fariña (1926-2007), una de las figuras fundamentales de la historia de la fotografía en Canarias.

El acto, que se celebra con ocasión del Día del Libro, contará con un diálogo abierto entre Gemma Medina y Odesa Campos, comisarias de la exposición ‘Fachico 100 años: sensibilidad y sentido común’ que puede contemplarse en la Casa de Colón, junto al fotógrafo y editor Rubén Acosta, integrante del equipo editorial de la publicación. En esta conversación se abordará tanto la relevancia de la obra de Fachico como el proceso de realización de este volumen, que ha pasado de ser un catálogo expositivo a convertirse en el primer libro monográfico dedicado íntegramente a su trabajo fotográfico.

El proyecto ha sido producido por el Cabildo de Gran Canaria en coedición con Ediciones Remotas, dentro de las acciones conmemorativas del centenario y del compromiso institucional por la preservación, estudio y difusión del archivo fotográfico Rojas-Hernández. La selección de imágenes ha sido realizada por Gemma Medina y Odesa Campos, mientras que la edición ha corrido a cargo de Rubén Acosta y Mario Ferrer.

La publicación surge en paralelo a la exposición mencionada, impulsada en el marco del trabajo desarrollado por Axioma, Laboratorio de mediación artística, que reúne más de cien imágenes realizadas principalmente en las décadas de 1960 y 1970, un periodo clave en la transformación del archipiélago.

Esta muestra forma parte de las actividades conmemorativas del centenario y se concibe como un espacio de reflexión en torno a la mirada fotográfica de Fachico y su papel en la construcción de la memoria visual del archipiélago.

Inicialmente planteado como un catálogo de exposición, el proyecto editorial ha evolucionado hasta convertirse en una obra monográfica de referencia, que ofrece una lectura más amplia y profunda del legado del fotógrafo. El libro reúne una cuidada selección de imágenes que permiten recorrer distintas etapas de su producción, poniendo en valor su capacidad para documentar con sensibilidad y precisión, los cambios sociales, económicos y paisajísticos de Canarias durante el siglo XX.

El archivo de Fachico, compuesto por cerca de 249.000 registros fotográficos, constituye uno de los fondos visuales más importantes para comprender la evolución reciente de Canarias, abarcando escenas de la vida cotidiana, el mundo rural, la modernización urbana y la irrupción del turismo.

Este importante proyecto expositivo y editorial ha sido promovido por la FEDAC, dependiente del Cabildo grancanario, en colaboración con la Casa de Colón, dentro de una estrategia de puesta en valor del patrimonio fotográfico insular.

La muestra permanecerá abierta al público hasta el 3 de mayo y podrá visitarse en los horarios habituales del centro. La entrada tanto a la exposición como a la presentación del libro es gratuita hasta completar aforo.

Sobre Francisco Rojas Fariñas (Fachico)

Francisco Rojas Fariña (1926-2007), conocido popularmente como Fachico, debe su apodo a una forma afectiva derivada de “Francisco”, habitual en el ámbito canario, que acabó convirtiéndose en su firma artística. Figura esencial de la fotografía en Canarias durante el siglo XX, desarrolló una obra centrada en la documentación de la vida cotidiana y en los profundos procesos de transformación social, económica y paisajística del archipiélago.

Su mirada, cercana y directa, supo captar tanto la persistencia de las tradiciones como la irrupción de la modernidad, ofreciendo un valioso testimonio visual de una sociedad en tránsito. Su legado fotográfico constituye hoy una referencia imprescindible para la comprensión de la historia reciente de Canarias y forma parte del imaginario colectivo de varias generaciones.

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Desde Madrid, Kike Ibáñez (1980) viajará a Gran Canaria a fin de impartir ‘Dibujar con las reglas de juego’, un taller dirigido a niños y niñas de 5 a 10 años, que se celebrará el día 7 de mayo en la Biblioteca Insular y, al día siguiente, en la Plaza de Santa Ana, de 17:00 a 18:30 horas, con motivo del XXII Maratón de Cuentos que organiza todos los años la Biblioteca Insular de Gran Canaria.

El artista donostiarra contará su experiencia, mostrará parte de su trabajo y charlará sobre su proceso creativo, introduciendo a la experiencia creativa en la que niños y niñas explorarán la diferencia entre el dibujo libre y el dibujo con reglas.

Dinámica del taller

A través de un sistema de tarjetas elegidas al azar, se irán definiendo distintos aspectos del dibujo. La dinámica convierte el acto de crear en un juego, donde el azar introduce diversos elementos inesperados que pueden facilitar o dificultar el proceso de dibujo. De esta manera, los participantes experimentan cómo los artistas toman decisiones para resolver y superar los obstáculos que se les presenta.

El objetivo de este taller es fomentar la creatividad, fortalecer la seguridad en el dibujo, mejorar la toma de decisiones y la capacidad de adaptación, entendiendo los límites como un espacio de exploración. Estará dirigido a niños y niñas de 5 a 10 años, con un aforo limitado de 15 participantes, cuya duración será de una hora y media ambos talleres. Hasta el día 4 de mayo estarán abiertas las inscripciones para apuntarse al taller de Ibáñez a través de la web visitasbiblioteca.grancanaria.com

La filosofía detrás de los talleres de Ibáñez es que los niños pasen un buen rato, ellos con él y él con ellos. No existe la meta de acabar un dibujo o una manualidad, porque entiende que eso ya lo hacen en las escuelas, pero la diferencia “es que hay una oportunidad excepcional de pasar un rato con un ilustrador profesional que trabaja principalmente en crear literatura para ellos y, por eso me parece más interesante dedicar una parte del encuentro a conversar, explicarles cómo funciona mi manera de crear y poco a poco trasladar ese proceso a la actividad que van a realizar”, explica el artista.

Según el ilustrador, una de las claves del proceso creativo es la amplitud de temas, técnicas y soportes a elegir, el hecho de poder elegir “es un privilegio y un atasco a la vez”. Lo que adopta él en su práctica creativa y lo que propone en sus talleres es limitar esas elecciones para ampliar las posibilidades de creación, “cuanto menos tienes más agudizas el ingenio”, asegura. Además, busca que sea divertido.

Sobre Iñaki Ibáñez

Kike Ibáñez nació en 1980 en San Sebastián. Es diseñador, ilustrador y dibujante afincado en Madrid. Su trabajo es el resultado de su exploración personal de experiencias que lo han conmovido emocionalmente, ya sea a través de sus traumas o por su plácida naturaleza. En términos de forma, su acercamiento se fundamenta en recuperar la visión inocente que tuvo en su infancia. Se ha sumergido en sí mismo, en sus memorias para descubrir, colores, formas, atmósferas, y sensaciones que lo cautivaron cuando era un niño. Entonces él traduce aquellas referencias al presente. “Me inspiro en la idea de construir de los elementos más simples hacia una gran complejidad, y también al revés. Por esta razón, la construcción a través de formas geométricas moldea fuertemente mi proceso creativo”, explica.

El lenguaje gráfico de los 80, junto a su experiencia profesional como diseñador gráfico e ilustrador, deja una clara imprenta en su trabajo pictórico y viceversa. En 2000, empezó trabajando en un taller de pre-prensa en agencias de publicidad. Ya en el año 2006, también comenzó a hacer diseño gráfico, dibujo, y trabajo de ilustración. Entre sus empleos, el periódico Metro destaca sobre ellos: sus infografías e ilustraciones fueron regularmente implementadas hasta que cerró en 2009. Luego pasó dos años diseñando ilustraciones de libros infantiles.

En 2012, publicó su primer libro de ilustración y desde 2016 se ha dedicado exclusivamente a la ilustración desde su estudio en Madrid, trabajando con editores educativas e infantiles tales como Anaya, SM, y Santillana. En julio de 2023, presentó una exhibición llamada bIZI. La Belleza de montar una Bicicleta, cuya culminación fue fruto de un proceso artístico de dos años. Al año siguiente ganó el Concurso Internacional de Álbum Ilustrado de la Biblioteca Insular de Gran Canaria con su proyecto “El Diablo sobre Ruedas».

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